C i n e m m u s

Smashing Pumpkins - Siamese Dreams

2008-11-09T17:21:00.000-08:00

Alerta: Este disco pode causar grande dependencia e algumas viagens pelo mundo da psicodelia passando por diversos momentos de revolta e melancolia.

Siamese Dream, o segundo disco dos S. Pumpkins é disco o trabalho que os consagrou como 'uma das melhores bandas dos anos 90 e a melhor já existente na minha opinião'; SD é um CD extremamente pessoal, introspectivo e coeso. Neste álbum eles fizeram seu primeiro 'hino' a intencionalmente ambigua e contestadora 'Disarm', a enfurecida 'Silverfuck' e a sensacional 'Mayonaise. Apesar de ter sido gravado sobre um clima de turbulências devido a brigas internas , brigas com a gravadoras, conflitos familiares e outros, mas fazendo um rápido paralelo, há quem diga que é em momentos de crise que a criatividade se supera. O cd é muito bem produzido por Corgan e Butt Vig, este que conseguiu aproveitar ao máximo o talento da banda, na sua fase mais rock'n'roll, todas as letras são fantásticas e só provaram que Corgan é um dos melhores letristas da década de 90.

Este é um dos melhores álbuns que foram lançado nos anos 90., permanecendo um clássico absoluto até hoje. Assim como todos os álbuns do Pumpkins, Corgan nos brinda com vários letras sobre amor, tristeza, nostalgia. Explicitamente recomendado e escute em um volume bem alto!

Disponível em: http://smashingpumpkins.4shared.com/

Um dia de fúria

2008-10-28T13:05:00.000-07:00

Felizmente estou vendo muito filme legal este ano, pena ter tao pouco tempo e criatividade para escrever algo relevante sobre eles. Este filme vi agora a tarde, e é animal como poucos, destaque para a cena em que o personagem Willian entra numa loja semelhante a do Mcdonald´s e.... eu não vou contar para não estragar a graça... =]

Como estou sem saco pra escrever copiei a sinopse do site Cine Players:

*

Sinopse: Um homem desempregado chega ao seu limite um dia durante um congestionamento e resolve combater a escória da sociedade ele mesmo. Será um dia inesquecível para William Foster (Michael Douglas) e o detetive que estava para se aposentar, Martin Prendergast (Robert Duvall), que tem a missão de encontrá-lo e capturá-lo na imensa Los Angeles.

*

Procure na locadoura, baixe da net, se vira... mas assista este filme... até logo!

Grupo de MSN Charles Chaplin Brasil

2008-10-21T17:33:00.000-07:00

Para todos que desejam conhecer e discutir um pouco sobre o cineasta Charles Chaplin, criei um grupo de discussão no msn

Para fazer parte, é só adicionar o endereço eletronico abaixo e depois "pedir a atençao"

Grupo Chales Chaplin Brasil: group320732@hotmail.com

Bloc Party no VMB - "Quem sabe faz ao vivo"...

2008-10-04T10:14:00.000-07:00

Li agora no jornal a respeito da catastrófica apresentação da banda no VMB e a sonora vaia que levaram merecidamente... que vergonha hein Bloc Party, e pensar que eu botava fé em vcs, perderam agora totalmente meu respeito... é claro que essa história não tem apenas um culpado, mas enfim, uma banda de rock tem que ter atitude e respeito aos fãs e ao país no qual estão se apresentando...

O VMB foi um fiasco.

E o Bloc Party foi o fiasco.

Alguns videos que encontrei no Youtube

http://www.youtube.com/watch?v=5KDB_OZXX2E

http://www.youtube.com/watch?v=KPJ5V0ExLag&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=vUS8f-IJBtc

Phychic Possessor - Cubatão

2008-10-04T07:01:00.000-07:00

Estes dias, durante numa sessão de ócio criativo, me lembrei de uma música que escutei em um programa do João Gordo na antiga 103 fm chamada Cubatão, um verdadeiro clássico do punk rock nacional... lembro que quando escutei, fiquei semanas com a letra na cabeça, mas não conseguia saber o nome da banda.

Então ontem lembrei um pedaço da letra e joguei no Letras Terra e não é que uma grata alma conhecia a banda!

Joguei no Orkut o nome da banda, e apareceu, pasmem, 4 comunidades... as quais continha os links dos CDs, e desde então além de ouvir novamente Cubatão, estou a escutar verdadeiras obras primas como Vote Nulo e Ação Terrorista...

Babem na letra de Cubatão... é um clássico instantaneo...

Cubatão

Você já ouviu falar em vale da morte?
Você já ouviu falar em Cubatão?
Lá ninguém respira ar puro
Lá é só poluição

A poluição está matando Cubatão
Crianças nascem sem cérebro
A anicefalia não as deixam viver
O inferno é em Cubatão
E nada podemos fazer

A poluição está matando Cubatão.

*
O legal é que é tudo gravado nas coxas... anticapitalista... anárquico... tosco... enfim... to pirando no som dos caras....

*

Links dos Álbuns

Psychic Possessor - Nós Somos A América Do Sul

http://rapidshare.com/files/9114638/Psychic_Possessor__by_punk_sujo_hotmail.com_.rar

Senha: "by punk_sujo" (Sem aspas!)

Psychic Possessor - Toxin Diffusion (1988)
http://rapidshare.com/files/10596515/Psychic_Possessor_-_Toxin_Diffusion__1988_.zip.html

Bloc Party - Intimacy

2008-08-23T17:57:00.001-07:00

Se eu falar que eu nao gostei os fãs mais fervorosos vao ficar descontentes comigo? kkk Tipo o que eu gosto no Bloc Party sao as guitarras simples e distorcidas, nao os arranjos eletronicos.... sei lá vou escutar mais, porem ainda prefiro o Silent Alarm de longe...

Pearl Jam - State of Love and Trust

2008-07-09T07:54:00.000-07:00

Que Pearl Jam é uma banda animal, isso todos que realmente gostam de rock já sabem, mas em tempos de "créu" e "dança do quadrado" escutar um som como State of Love and Trust, nos da aquela nostalgia do grunge dos anos 90, não sou saudosista, pelo contrário, mas música e as atitudes daquela época são eternas... pena que a juventude de hoje tenha abandonado as camisas de fanela...

4º Temporada de LOST

2008-04-26T13:50:00.001-07:00

Tem como a quarta temporada de LOST ficar ainda mais animal? Se tiver me diz como porque não consigo ver uma maneira. Talvez seja a melhor temporada desde a primeira, todos os episódios estão muito bem construídos, de tirar o folego mesmo, ninguém sabe que é o protagonista ou o antagonista, ou de que lado os personagens estão. Fora os mistérios que aos poucos estão sendo revelados, e a criação de outros. Os produtores conseguiram corresponder a uma expectativa criada no público e criar outra nova. Sem palavras para descrever esta temporada... só digo que assistam... não iram se arrepender...

Realismo e Romantismo na Literatura Portuguesa de Eça de Queirós e Camilo Castelo Branco

2008-03-11T19:16:00.000-07:00

Depois de algum tempo sem escrever, volto para repensar, junto aos leitores do blog, uma incomparável modalidade de ficção: A Literatura.

Antes do desenvolvimento dos argumentos que permitem a classificação de O Primo Basílio como um romance realista, partindo da utilização do texto romântico Coração, Cabeça e Estômago, julgo altamente necessário um breve resumo de ambas as obras que são referência na Literatura Portuguesa.

O Primo Basílio

Em O Primo Basílio de Eça de Queirós, Luísa vive um casamento “morno” com seu marido, o engenheiro Jorge. Ela passa os dias dentro de casa e em constante tédio. Sem ter o que fazer, Luísa vive debruçada sobre os romances, pelos quais é grandemente influenciada. Sem ter relevantes alterações na rotina do seu dia-a-dia, ela recebe, vez ou outra, a visita de sua amiga Leopoldina.
No meio de um verão sufocante, durante o qual Jorge faz uma viagem de trabalho ao Alentejo, Luísa recebe a visita de um primo rico, seu ex-namorado Basílio, agora recém-chegado do Brasil. Tornam-se amantes em pouquíssimo tempo, encontrando-se freqüentemente em um quarto alugado especialmente para esse objetivo. A criada Juliana descobre o relacionamento e começa a interceptar a correspondência da patroa, escondendo as cartas comprometedoras de Luísa a Basílio. A empregada pede à sua patroa uma quantia exorbitante, garantindo que se Luísa der o que lhe pede, não contará nada ao seu patrão Jorge. Luísa, desesperada, propõe a Basílio que fujam. Este não aceita a proposta da amante e vai sozinho para Paris.

Sob a pressão de Juliana, Luísa torna-se, pouco a pouco, uma verdadeira presa nas mãos da criada e é obrigada a fazer os serviços domésticos; sua situação acaba ficando insustentável. Jorge retorna do Alentejo e estranha bastante a situação da esposa. Luísa, desesperada, procura o amigo Sebastião e pede-lhe ajuda. Sebastião obriga Juliana a entregar as cartas comprometedoras. Depois da entrega, a criada que já sofria de problemas do coração, morre. Luísa fica doente em seguida.

Um dia ela recebe uma carta de Basílio, que Jorge lê e toma conhecimento das relações entre a esposa e o primo. Quase convalescente, a moça tem uma recaída, delirando e entrando em estado irrecuperável. Luísa acaba falecendo.

Coração, Cabeça e Estômago

Coração, Cabeça e Estômago de Camilo Castelo Branco, se trata de uma biografia do personagem Silvestre da Silva. A obra fica como herança para um amigo e o seu conteúdo refere-se ao “saber viver”; “aproveitar a vida para dela conquistar o máximo”.

A história se divide em três partes: na primeira, intitulada “Coração”, marcadamente romântica, Silvestre é guiado pelo coração e ama sete mulheres. É ainda nessa parte que Silvestre fala sobre duas presenças femininas marcantes em sua vida, que seriam “a mulher que o mundo respeita” e “a mulher que o mundo despreza”. Na segunda parte, sob o título de “Cabeça”, Silvestre resume suas idéias sobre o amor em sete princípios (máximas); torna-se jornalista. Escreve “páginas sérias de minha vida”, onde em um baile conhece as três herdeiras mais ricas da sociedade portuense. Nessa fase, Camilo C. Branco demonstra o realismo através da postura do personagem. Na terceira e última parte da história com o nome de “Estômago”, Silvestre narra como se casou com Tomásia. Silvestre não se perguntou se amava Tomásia ou não. Segundo ele, a comparar aos casais bíblicos, o casamento não se faz por amor – porque este é coisa do coração - que não tem mais importância nenhuma para ele. O autor vale-se de características naturalistas para construir/transformar os personagens e as suas posturas em relação aos acontecimentos.

Análises das Obras e Personagens

A obra de Eça de Queirós - O Primo Basílio - pode ser classificada como realista. De acordo com algumas das características deste estilo literário presente no romance, enfatiza-se a primeira: localização do texto em um ambiente de realidade social, pois os personagens são caracterizados e situados dentro de um contexto que leva em conta a realidade da sociedade burguesa de Lisboa da época. Além disso, há constantemente a apresentação física real dos personagens muito bem descrita. Observa-se isso através das passagens nas quais Jorge é apresentado, por exemplo:

“Era engenheiro de minas, no dia seguinte devia partir para Beja, para Évora, mais para o sul até São Domingos; (...)”. (p.7)
Ou ainda:
“(...)Fisicamente Jorge nunca se parecera com ela [sua mãe]. Fora sempre robusto, de hábitos viris. Tinha os dentes admiráveis de seu pai, os seus ombros forte”. (p.8) [grifos meus]

Já o texto de Camilo Castelo Branco – Coração, Cabeça e Estômago – pode ser classificado com romântico. Ao confrontar o romance de Eça de Queirós com o de Camilo C. Branco descobre-se que a maioria das citações sobre os personagens de Coração, Cabeça e Estômago é permeada de um idealismo muito intenso, marca que é típica do Romantismo. Nas palavras que se referem à Clotilde, Silvestre diz:

“Desci ao jardim, colhi duas rosas aljofradas das lágrimas da aurora, pedi licença para lhes oferecer, e disse: ‘Não as enxuguei, para não privar as florinhas das carícias de um anjo’ ”. (p.15)

Ou mesmo:

“- Chama-se Clotilde?
- Chama. Que nome!, que poesia!, que lirismo!, (...)”. (p.16)

Outra característica presente na obra realista/naturalista é observação do homem como um animal, que tem o seu comportamento ditado de acordo com a variação das circunstâncias do meio no qual está inserido (Determinismo). Além disso, pode-se observar que as reações dos personagens que variam conforme os acontecimentos em O Primo Basílio e em Coração, Cabeça e Estômago, são muito diferentes.
Há uma cena altamente dramática em O Primo Basílio que retrata certos tipos de reação quando Juliana e Luísa estão em confronto. Há uma grande tensão nessa parte da obra. Aqui, pode-se ver um episódio de caráter indubitavelmente realista, apesar de Luísa se deixar manipular e assumir um tipo de fraqueza pela qual se constata uma espécie de “superficialidade” na construção do personagem. Junto a isso, tem-se a ajuda de possíveis ilustrações, explícitas ou não, que Eça de Queirós constrói para uma melhor visualização do homem como animal:

“- Quanto você quer pelas cartas, sua ladra? – disse Luísa, erguendo-se direita, diante dela.
(...) – A senhora ou me dá seiscentos mil réis, ou eu não largo os papéis! (...)
- Seiscentos mil réis! Onde quer você que eu vá buscar seiscentos mil réis?
- Ao inferno! - gritou Juliana. – Ou me dá seiscentos mil réis, ou tão certo como eu estar aqui, o seu marido há de ler as cartas!
(...) Luísa, quebrada, sem força para responder, encolhia-se sob aquela cólera como um pássaro sob o chuveiro. Juliana ia-se exaltando com a mesma violência da sua voz”. (p.203; 204)

No trecho acima, enxerga-se uma Luísa verdadeiramente amuada como um frágil “pássaro sob o chuveiro” (imagem explícita) e uma Juliana crescendo em força como uma “loba” (imagem implícita), buscando tragar a patroa.
Diferente do romance de Eça de Queirós, Camilo C. Branco constrói ao longo da história de Coração, Cabeça e Estômago personagens que reagem aos fatos como românticos ao extremo. Dentro da primeira parte do livro, quando Silvestre ainda é guiado pelo coração, ao descobrir que Clotilde seria casada, conta:

“(...) - O que?! – exclamei eu, varado de agulhas nos olhos e nos ouvidos”. (p.17)

Que declaração pode ser esta, senão, certamente, romântica? Ou ainda, quando Silvestre e seu amigo Cibrão Taveira conversavam sobre Mademoiselle Elisa de la Sallete, diante de mais uma decepção amorosa, a exclamação é bem idealizada, como se espera de um romance romântico:

“(...) Cibrão, sem escarnecer a minha dor, respondeu com ar sisudo: ‘ - (...) Eu sei-o da outra, que ela tem na conta de amiga íntima. Ambas são da mesma farinha. Nenhuma delas serve para poetas, que andam no encalço de anjos. (...) Se queres mulheres para romances e prosas, pede-se à tua imaginação e deixa o mundo real como ele está, que não pode ser melhor’ ”. (p.23)

Na passagem citada acima, constata-se que a produção é romântica, entre outros fatores, devido à idealização da mulher por parte dos personagens; à decepção de um amor nunca alcançado; e ao pessimismo característico dos românticos.
Na seguinte passagem, é possível o reconhecimento de características românticas, com um toque de comicidade:

“A minha cara ajeitava-se pouco à expressão dum vivo tormento de alma, em virtude de ser uma cara sadia, avermelhada e bem fornida de fibra musculosa. Era-me necessário remediar o infortúnio de ter saúde (...). Um médico da minha íntima amizade receitou-me uma essência roxa com a qual eu devia pintar o que vulgarmente se diz ‘olheira’ ”. (p.25)

Mais um aspecto a respeito de O Primo Basílio é a tão questionada personagem Luísa. Considerada um personagem de mente fraca, manipulável e sem força de vontade. A primeira impressão que temos é que Luísa não condiz com o Realismo, por ser um personagem essencialmente romântico. Ela lê romances, acredita no escapismo e idealiza tanto seu marido Jorge quanto seu amante Basílio. De acordo com uma crítica feita por Machado de Assis sobre o personagem:

“A Luísa é um caráter negativo, e no meio da ação ideada pelo autor, é antes um títere do que uma pessoa moral. Repito, é um títere; não quero dizer que não tenha nervos e músculos; não tem mesmo outra coisa; não lhe peçam paixões nem remorsos; menos ainda consciência”. (Assis: 170;171)

Ele afirma claramente que a Luísa é praticamente uma marionete nas mãos de qualquer personagem da história. E mais:

“Luísa resvala no lodo, sem vontade, sem repulsa, sem consciência; Basílio não faz mais do que empuxá-la, como matéria inerte, que é. Uma vez rolada ao erro, como nenhuma flama espiritual a alenta, não acha ali a saciedade das grandes paixões criminosas: rebolca-se simplesmente. Assim, essa ligação de algumas semanas, que é o fato inicial e essencial da ação, não passa de um incidente erótico, sem relevo, repugnante, vulgar. Que tem o leitor do livro com essas duas criaturas sem ocupação nem sentimentos? Positivamente nada”. (Assis: 170;171)

Claro que Machado exagerou principalmente a respeito do envolvimento do leitor na história. O que poderia ser mais realista do que um episódio doméstico? O fato é que Queirós desde o início quis criar um personagem raso. Nunca teve intenções de torná-la uma heroína cativante como a Maria Eduarda de Os Maias (outra obra do autor português) nem tão pouco como “a provinciana singela e boa” Eugênia do romancista francês Honoré de Balzac. Ela certamente lembra a Emma Bovary, personagem de Flaubert: frágil, sonhadora, romântica.

Breves Conclusões sobre os Romances:

O Primo Basílio de Eça de Queirós é composto por marcas realistas no que tangem, principalmente, a análises psicológicas dos personagens e as suas reações diante das circunstâncias. Neste romance realista há, ainda, o objetivismo (que vai contra o subjetivismo romântico, por exemplo), o materialismo (que leva à negação do sentimentalismo e do caráter metafísico), o determinismo (que defende que o homem é produto do meio no qual está inserido), o tom moralista de Eça de Queirós, que como crítico da sociedade lisboeta daquela época, viu a necessidade de punir a personagem principal, etc.
Contudo, não se pode negar que a obra Coração, Cabeça e Estômago de Camilo Castelo Branco apresenta suas características realistas na fase sob o título de “Cabeça” e naturalista na parte nomeada “Estômago”. Entretanto, a obra de Castelo Branco demonstra uma influência predominantemente romântica, especialmente na primeira parte do romance – “Coração” – onde há a presença manifesta de marcas claramente românticas.

PARA QUEM GOSTA DE CINEMA:

Eu não sei bem se recomendo ou não que assistam ao filme brasileiro que estreou no ano passado "O Primo Basílio"... Suspeita p/ falar, o filme possui adaptações que prejudicam o desenrolar da história das quais não gostei. A minisérie produzida a partir da mesma obra é, realmente, muito mais fiel se comparada ao filme. Além disso, a minisérie nos presenteia com a belíssima atuação de Marília Pêra no papel da empregada Juliana e Tony Ramos como o personagem Jorge. Essa vale à pena!

O olhar de Kubrick sobre a evolução humana - Parte I

2008-03-08T13:35:00.000-08:00

Um tratado explicativo da obra “2001 – Uma odisséia no espaço”, o mais importante filme de ficção científica da história do cinema.

Intentei criar uma experiência visual porque
estas ultrapassam o alcance das verbais,
normalmente relegadas ao ouvido, para
penetrar diretamente no subconsciente
com um conteúdo emocional e filosófico...
Queria que o filme fosse uma experiência
muito subjetiva, que chegasse ao espectador
em um nível interno de consciência, como lhe
chega a música... Pode especular livremente
sobre o significado filosófico e alegórico do filme.
Stanley Kubrick

Após escrever um pouco sobre o filme Nascido par matar no artigo “O olhar de Kubrick sobre guerra”, decidi seguir a mesma idéia e tentar explicar, desta vez de forma mais abrangente e profunda, este que é um dos filmes mais incompreendidos do Kubrick. Após muitas tentativas (nem todas bem sucedidas) de mostrar para meus amigos o porquê de eu achar esse filme genial, finalmente tentarei expor tudo que entendi durante o filme e suas sutilezas, tanto sobre o enredo em si quanto nas questões técnicas. Espero que consiga atingir pelo menos um pouco do meu objetivo e que esse texto sirva para aumentar o número de admiradores desse filme e do cinema de Stanley Kubrick.

Em princípio, dividirei esse artigo em três postagens para não tornar a leitura cansativa. Essa divisão coincidirá com a divisão em capítulos existente no filme. São elas: A aurora do homem, a missão para Júpiter e além do infinito. Durante essas partes e no fim de todas elas, farei breves comentários acerca da importância da trilha sonora nesse filme, a precisão para com a física, planos flutuantes e seu efeito visual, previsões tecnológicas entre outros detalhes extras. Dito essas coisas, vamos ao que realmente interessa: A nossa odisséia pelo mundo de Stanley Kubrick!

A aurora do homem

O filme começa com uma seqüência belíssima de paisagens de um planeta terra que não conhecemos. Não conhecemos porquê ainda não estávamos lá. A quase inexistência de vida e as paisagens naturais ainda inalteradas pelo homem tratam de nos situar no tempo: As imagens que vemos são de quatro milhões de anos atrás. As cores inconfundíveis do espalhamento dos raios solares pela atmosfera terrestre tratam de anunciar o surgimento de um novo dia e, implicitamente, o surgimento de uma nova era que virá.

Os primeiros seres vivos nos são mostrados. Um pequeno grupo de antropóides defende as poucas plantas que possui para sua alimentação do interesse de outros animais. Em seguida, o ataque de uma onça a um membro do grupo mostra a vulnerabilidade daqueles seres. A tela escurece. Vemos agora um pequeno grupo de antropóides bebendo água em uma pequena poça enquanto um outro grupo de antropóides se aproxima com o mesmo interesse. Começa então uma seqüência de gritos e movimentos desprovidos de regularidade por ambos os grupos de animais com o intuito de espantar o outro bando para então ter o controle da água.

A tela escurece e nos vemos novamente imerso as lindas paisagens pré-históricas. A onça por cima do cadáver de uma zebra mostra o quanto suas garras e prezas são decisivas no momento de conseguir alimento e, conseqüentemente, de sobreviver.

Um grupo de macacos dorme. Ao acordar, um deles se defronta com algo que o assusta, porém, nós espectadores, ainda não sabemos o que é. O sentimento de medo e curiosidade cresce em suas expressões e gestos assim como no som emitido por ele o que faz despertar para o acontecimento os outros membros do grupo. Agora em um plano aberto vemos o motivo de suas aflições: Um imenso bloco negro e comprido perfeitamente lapidado com precisão tal que nos faz acreditar que seja algo impossível de ser composto naturalmente. Os seres primitivos afastam-se e formam um circulo em volta do monólito negro.

“Com o aparecimento do artefato, surge a música eclesiástica de Ligeti. A voz do vento se confunde com Atmosferas. Música inane, sem objeto, sem tonalidade, sem ritmo, amorfa. A aproximação dos homens-macaco é um momento primitivo, poético, sem palavras. Ligeti soa como colagem frenética de todas as religiões do mundo. A música se associa ao estranho objeto, como saindo do seu interior.”

Rosinha Spiewak, doutora em Comunicação e Semiótica pela PUC/SP

O monolito nesse momento representa o que vai ser uma constante por todo o filme, o medo do desconhecido. Gradativamente os antropóides se aproximam e pouco a pouco começam a tocar no monólito, transformando o medo anterior em um bem-estar para com a sua presença. No céu, vemos que naquele momento o sol está alinhado com a extensão negra e comprida do monólito fincado na terra.

Costumo dizer que quem não entende a Aurora do homem pode parar de ver o filme quando esta primeira parte chegar ao seu fim. O motivo para isso é que o acontecimento supracitado é essencial para o entendimento de todo o resto do filme, é uma “colher de chá” dada por Kubrick. Na verdade, nos parágrafos abaixo veremos quais foram as conseqüências do contato entre os antropóides e o monólito negro, influência essa que é muito mais simples de entender nessa primeira parte do filme, único e exclusivamente por analise comportamental dos seres.

Voltemos então aos acontecimentos. Mais uma vez, nós somos mergulhados no silêncio das paisagens vazias. Vemos muitos antropóides, mas um deles merece uma atenção especial. Começa agora minha cena favorita do filme, espero que consiga passar o peso que ela tem. Num plano médio, vemos um antropóide perto de uma ossada de um animal. Notamos que ele olha para os ossos de forma diferente, com uma certa inquietude enquanto ouvimos os primeiros acordes de “Assim falou Zarathustra” de Richard Strauss, música essa que será a marca registrada durante o filme, como sendo a sonorização da palavra “evolução”. Voltando ao antropóide, nos é mostrado rapidamente o quadro supracitado do sol alinhado com o monolito negro, voltando em seguida para o antropóide (mais uma “colher de chá” de Kubrick que, através da montagem, nos mostra a relação direta entre aquele acontecimento e sua conseqüência principal: A evolução daqueles que o tocaram). O antropóide olha para os ossos de forma diferente, parece entender algo novo, descobrir algo. Gradativamente, com o osso em mãos, começa a balançá-lo de um lado para o outro, variando a direção e a força.

A música de Strauss cresce com força. Os ossos espalhados no chão começam a se quebrar devido a colisão com o osso empunhado pelo antropóide. Percebam o peso desse acontecimento! É a primeira vez na história dos seres vivos que um osso é usado como ferramenta, é a primeira vez que algo é usado como ferramenta. No ápice da música de Strauss vemos uma montagem que nos elucida esse acontecimento, vemos o crânio no chão sendo esmagado pelo antropóide seguido de um animal vivo caindo morto como se tivesse sido atingido também pelo osso: agora a caça é possível. Todo o resto do filme trata sobre isso, a influência que o monólito teve na evolução da raça humana e como mudou definitivamente, através da inclusão da capacidade de pensar em alguns seres vivos, a seleção natural no nosso planeta (antes já tínhamos visto que as onças eram muito mais aptas à caça e, portanto, a sobreviver, que os antropóides).

A evolução só começou. Em seguida, podemos presenciar já o domínio da caça através da utilização de ossos como ferramenta. Vemos vários antropóides, todos eles comendo carne e segurando um osso, instrumento esse responsável pela obtenção mais fácil de alimento.

Novamente voltamos à poça de água e conseqüentemente a disputa pela mesma entre os grupos de antropóides, mas dessa vez as coisas serão diferente. Nitidamente mais eretos que os demais, os membros do grupo que presenciaram o monólito e que agora já consegue caçar e se defender melhor, vence fácil a disputa. Com movimentos menos despropositados, se aproxima do outro grupo e mata um antropóide que não teve contato com o monólito, que não evoluiu. A seleção natural mudou de rumo para sempre. Num momento antológico do cinema, um antropóide (eles ainda podem ser chamados assim?) joga para o alto o osso que utilizou para matar e, dessa forma, manter o domínio do lago. O osso sobe alto e desce em sentido horário, ocorrendo então o maior corte temporal cinematográfico já concebido: Estamos agora no espaço sideral.

Termina aqui a primeira e belíssima parte do filme. Essa primeira parte é de vital importância para todo o desenvolvimento do filme e nos mostra com antecedência como será a linguagem utilizada para explicar os eventos. Nas partes posteriores do filme, seremos diretamente ligados aos acontecimentos e à linguagem (como a música de Strauss no momento da evolução) que presenciamos de forma mais acessível nesse inicio.

Nas postagens vindouras, tratarei dos outros segmentos do filme, talvez levemente menos explicados (se não, daria umas 20 páginas pelo menos) do que esse primeiro que considero importantíssimo para o entendimento do resto. Espero que eu tenha sido claro em minhas explicações e que tenha mostrado uma coisa ou outra que não havia sido previamente notado por alguns, pois minha intenção aqui é simplesmente tentar enriquecer o entendimento desse filme que tanto gosto. Até a próxima postagem, onde continuaremos a nossa odisséia.

O BOPE tem guerreiros que acreditam no Brasil? Relatos sobre a violencia urabana em Tropa de Elite

2008-02-25T19:16:00.001-08:00

O que mais impressiona em Tropa de Elite é seu realismo, a forma direta como trata de delicados temas – como drogas, violência e corrupção. O filme inova por mostrar a violência do ponto de vista do policial, que pratica e convive com a violência diariamente. O personagem em evidencia é o Capitão Nascimento um membro do Batalhão de Operações Policiais Especiais (BOPE). Ele está em crise, seu filho irá nascer e ele precisa arranjar um substituto para as suas funções. A partir daí o filme mostra incursões nas favelas, torturas e os treinamentos dos policiais do BOPE.

Nascimento relata a vida difícil dos policiais do BOPE, as angústias pessoais e as redes de corrupção que é atingem o sistema policial. Descreve uma realidade que inclui policiais corruptos, traficantes, políticos e consumidores de drogas da classe média e alta que contribuem para o sistema funcionar e se perpetuar. Em contraponto, a elite da tropa é tratada como um pequeno grupo resistente a corrupção que percorre o restante da polícia - a glória era uma recompensa muito maior que o dinheiro. O BOPE não foi preparado para enfrentar os desafios da segurança pública. Foi concebido e adestrado para ser uma máquina de guerra, age de forma rápida e eficiente.

Outros filmes já trataram de temas como violência, corrupções, instituições, ONGs, porém nenhum com tamanha eficiência. Existem milhares de monografias, teses de mestrado, doutorado, mas foi um filme que colocou estas questões em pauta nas discussões cotidianas. O cinema tem essa característica de colocar dúvidas, criticar, e não necessariamente dar respostas, o filme apenas sugere.

É importante ressaltar que filmes não são teses, e sim obras artísticas; portanto, seu significado não só é aberto como sujeito a diferentes interpretações em circunstâncias e pontos de vista não necessariamente excludentes.

Os problemas da violência urbana no Brasil não são um desafio do presente, são problemáticas históricos. Tropa de Elite transpôs para o cinema aspectos da sociedade brasileira que todos conhecemos, fazem parte de nosso cotidiano, contudo esquivamos de questionar pois parecem distantes ou impossíveis de serem contornados. Não busca culpas, mas relações de causa e efeito, pois a polícia não existe no vazio. O que é representado no filme, apesar de ser uma ficção, não é uma abstração, é uma realidade.

Problematizar a realidade social vivida, por essência, é uma forma de intervenção no mundo, uma tomada de posição, uma decisão, por vezes, até uma ruptura com o passado e o presente. Em uma análise sociológica, você não pode apenas tentar se pôr no lugar daquele que está falando e deste modo pensar ver toda a complexidade do espaço social a partir apenas deste ponto de vista. Não basta conhecer os fatos sociais formalmente, é preciso entender as relações que regem determinada conjuntura.

Todo texto é subjetivo, uma versão, interpretação dos dados e informações. Por isso, ao captar os fatos o cineasta já imprime sua marca, ao reelaborá-las em forma de narrativa, reinterpreta-a novamente. Ao filmar um determinado fato social não estaremos assistindo a um momento de realidade completa, mas sim uma interpretação do momento na sua fragmentalidade. A obra artística é discurso que quer comunicar algo e que possui a interferência de seu autor, que efetuou um recorte da realidade.

Ao assistir Tropa de Elite é inevitável ao expectador a sensação de incomodo, de um certo desconforto em relação aos aspectos afirmativos de uma sociedade contraditória e discriminatória. A violência no Brasil mais do que banalizada, está naturalizada. A sociedade moderna está embutida de valores que são muitas vezes contraditórios. As classes mais humildes estão comumente associadas ao crime e a violência sendo submetidos a repressão continuamente. É mais fácil condenar individualmente aqueles que não se adequam as regras, do que procurar entender o que acontece com os habitantes das favelas, inseridos em um contexto de perda de valores, de frustrações, de falta de oportunidades, de violência.

Enquanto houver demanda, o tráfico continuará. Por isto, o filme trata como hipócritas os usuários de drogas – oriundos de diversas classes sociais, mas principalmente das médias e altas. Tendo em vista que ao consumi-las financiam diretamente os traficantes e indiretamente contribui para a morte de inocentes na guerra do tráfico. Devemos entender, no entanto, que drogas são apenas uma ponta do iceberg que são os históricos problemas sociais, habitacionais no Brasil. Existiriam favelas sem o tráfico de drogas, a violência é um processo que envolve dimensões e implicações em várias instancias. O debate suscita uma polêmica exterior: a descriminalização das drogas. Entretanto, isoladamente, a legalização pouco diminuiria a violência.

Uma expressão, às vezes aparentemente uma simples palavra, vem sempre carregada de muito significado, sendo assim, mesmo inconscientemente acabamos por reproduzir e perpetuar coerções de uma determinada cultura, pois influenciamos e somos influenciados pelo espaço social que pertencemos.

Os fatos sociais não surgiram ao acaso foram construídos socialmente. A cultura é como um mapa que orienta as ações dos indivíduos no meio social. Viver em sociedade é viver em razão dessa lógica e as pessoas se adaptam segundo as estruturas de determinada sociedade. Tropa de Elite não defende nenhum dos lados, pelo contrário mostra que uma atitude é conseqüência de outra. Nas atitudes violentas reproduz de outras formas a violência de uma estrutura desumana, da qual sofrem as conseqüências.

É necessário entender a forma como determinados grupos transmitem suas mensagens, quais são seus códigos, os elementos de sua linguagem e suas significações. Os humanos estabelecem ou produzem a vida social ao estabelecerem relações sociais entre si. A maneira como se forma uma estrutura hierárquica depende do contexto, da realidade, das características dos agentes e do campo. As propriedades que determinado setor valoriza servem de diferenciação e define sua forma de relação dentro do espaço social. Valorizar um fato que outros não necessariamente compartilham, ajuda a compreender as razões de determinados fatos terem um ou outro encaminhamento.

O grande número de jovens de classe média e alta envolvidos com entorpecentes, revela uma realidade há muito negligenciada. Num primeiro momento soa pesado acusar as pessoas pela violência no país, porém igualmente contraditório é a população pensar que é apenas vítima. Na visão de Nascimento, os estudantes, “leitores de Foucault”, “moralistas”, criticam a ação da polícia, financiam os traficantes, mas em seguida fazem passeatas contra a violência, ou seja, escondem por trás de valores morais que na realidade não defendem, reproduzindo uma realidade que aparentemente negam. A avaliação da moral do crime e dos seus limites depende das circunstancias.

É contraditório porque a sociedade é contraditória. Um exemplo disto é em uma das cenas finais quando a jovem recorre a polícia para tentar conseguir salvar seus amigos, neste momento os papéis se invertem, a polícia e sua repressão agora são desejadas e valorizadas. Como diz o personagem Mathias: “Agora sou policial né!”.

Outro eixo central da obra é a violência contra a população das favelas, em operações exercidas pela polícia, no filme a Polícia militar de Elite. Neste último aspecto, quem narra legitima a violência como o único meio de combater o tráfico. De certa forma reflete o pensamento de parte da população. Ninguém deseja execuções sumárias e crimes cometidos por policiais, porém em virtude da falta de opções calam-se, tendo em vista que os crimes cometidos pelos traficantes geralmente terminam impunes. Engana-se quem pensa que o mundo real quem detém o poder são os poderes visíveis e as leis escritas. O mais importante é respondido nas entrelinhas das situações.

Além da violência física, os habitantes das favelas enfrentam vários outros tipos de preconceitos e discriminações, o que significa que são vítimas não somente desta modalidade de violência como também daquelas invisíveis, que direta ou indiretamente igualmente fere e muito profundamente que é a simbólica e moral.

A visão parcial da realidade produz não somente idéias falsas, mas práticas equivocadas. A tortura é inaceitável, porém dentro do sistema judiciário atual é inútil encaminhar a pessoa para prestar depoimento em seguida solta-la, deixando-a livre para praticar crimes novamente. A lógica da coerção policial no fundo é desejada, a impunidade passa a idéia de que por justiça, "os fins justificam os meios", entretanto, aceitando a violência estamos, concordando com uma determinada interpretação e o atendimento de algumas reivindicações, contudo, simultaneamente reiteramos uma sociedade injusta, fundada no preconceito e contrária ao Estado de Direito. É lamentável, não se mexe na ordem social, somente num nível restrito.

É mostrado que os setores mais carentes da sociedade brasileira, além da ausência de todos os direitos fundamentais do ser humano, o direito a segurança e proteção, sofrem com a ausência de outros fundamentais: educação de qualidade, moradias dignas, saneamento, emprego com uma remuneração mínima para a cidadania. A violência contra as camadas sociais carentes passa a ser considerada como uma guerra civil não declarada, porém consentida. Direitos humanos tornaram-se sinônimo de hipocrisia, palavras como paz, justiça e igualdade, soam vazias e apenas fazem eco a sentimentos de vingança e ressentimento.

Interessante a abordagem sobre o papel das ONG nas favelas. O filme mostra um garoto com problemas de miopia e ninguém reparou, foi preciso uma pessoa de fora perceber o problema. Aliado a isto, denuncia pessoas se drogando dentro da instituição, e um rapaz servindo de mediação dos traficantes, revendendo as drogas na universidade.

A crise de Nascimento não é meramente ficcional. O sistema engole e molda os sujeitos a sua vontade. Vemos o aniquilamento do sujeito. Os policiais recebem salários desproporcionais às ameaças que enfrentam. Muitos sofrem danos físicos e mentais. A pressão é grande e o risco de morte constante. Há dois grandes problemas na polícia: a corrupção e brutalidade, há um processo histórico da política de segurança pública que está padronizando as atitudes rígidas, dos quais os policiais são também vítimas, antes mesmo de serem apontados como algozes.

As pessoas identificam-se com Nascimento porque vêem nas suas ações um exemplo de combate às drogas e a violência e redescobrem nele o desejo de justiça, de condenar quem burla as regras. Contudo de forma alguma pode considerá-lo como herói. Prática a brutalidade extrema, porque não se sente regido pela legalidade constitucional. Atualmente é comum escutarmos uma história de terror, protagonizada por algum criminoso, acontecida consigo ou com algum parente, amigo ou conhecido. A violência urbana não é uma questão restrita ao Rio. Acostumamos-nos com a escalada da violência, achando normais os quadros da criminalidade. O tráfico atua como um Estado dentro do Estado de direito, sendo mais organizado e poderoso, impondo sua lei e sua ordem por meio da violência, ocupando espaços negligenciados por este. Ver num filme traficantes serem punidos traz uma sensação de alívio e de justiça praticamente impossível no mundo real.

Vendo às corrupções, rimos da nossa própria tragédia. Os fatos são introjetados do cotidiano confirmando o jeitinho brasileiro, que é nossa falta de planejamento, o imediatismo, o individualismo. O expectador é remetido a outras esferas de compreensão além dos fatos narrados. Diante das situações conflitantes e enigmáticas, faz-se analogia com angústias que vivencia no seu contexto social. O “sistema" revela-se uma complexa rede de propinas, negligencias, subornos, impunidade com criminosos. Por que envolver-se, arriscar a vida se pode “negociar”. Configura-se um desvio de conduta generalizado que contribui para que a corrupção tome maiores proporções. A policia fornece armas aos traficantes por dinheiro e depois vai buscá-las para o espetáculo da mídia. As armas que são usadas contra a própria polícia. Reverter os quadros da violência é também reverter características de nossa cultura.

O filme mostra uma estrutura social que vai além dos indivíduos. É estabelecido um contexto narrativo no qual o individuo se encontra preso às amarras de uma organização social que sobrevive e se mantém alimentada exclusivamente por uma estrutura administrativa da qual ninguém escapa ao controle. Você tem de optar, ou se corrompe, ou se omite ou vai para guerra.
Tropa de Elite é um exercício de ironia e cinismo, uma crítica feroz no tempo e no espaço. A linha narrativa é uma variação denuncias de contradições sociais, variando no tom e na intenção, completos em si mesmos e, no entanto, ligados uns aos outros numa estrutura que se revela, no epílogo, integra e coesa.

Tudo é configurado num clima de rendição ideológica, com as pessoas se esquivando das responsabilidades pela miséria, pela violência, pelas arbitrariedades. Os fatos sociais nunca são simples, pelo contrário, são sempre complexos e muitas vezes contraditórios. A naturalização da violência acarreta uma sensação de impotência para lidar com a realidade. A ameaça do medo constante gera conseqüências como a falta de solidariedade, a indiferença para com a miséria. O homem não está alheio ao seu tempo histórico, ele é um sujeito histórico.

------------------------------
Obs: Este texto foi enviado durante as férias para uma revista contudo infelizmente, ou felizmente nao foi publicado, vou engavetá-lo por enquanto e quando puder remodelá-lo e tentar publicá-lo novamente.

O olhar de Kubrick sobre a guerra

2008-02-18T09:11:00.000-08:00

Uma análise da obra Nascido para matar do gênio do cinema Stanley Kubrick

Após passar pelos gêneros épico, terror, ficção, humor negro, drama sociológico, entre outros, Stanley Kubrick, um dos cineastas mais versáteis de todos os tempos, decidiu, nesse filme, mostrar a guerra através de suas precisas lentes. Optando por analisar a figura humana, em vez da história por trás dos conflitos, Kubrick mostrou todo o drama que envolve uma guerra do ponto de vista dos próprios soldados. O filme é basicamente dividido em duas partes. Na primeira, a desestruturação emocional dos soldados é transmitida de forma vívida e irônica, onde, através de absurdos, nos é mostrado a quebra dos valores e princípios humanos durante o treinamento pré-guerra dos soldados. Na segunda parte, ambientada na guerra do Vietnã, a história é contada principalmente através dos olhos de um personagem – o soldado Joker - com atos e pensamentos que nos levam a crer que ele é a personificação da contradição existente no conceito de guerra.

Um dos fatores que me chamou a atenção, principalmente na primeira parte do filme, é o tipo de técnica utilizada para a gravação das cenas. O filme é repleto de tomadas completamente mecânicas como se quisesse mostrar o quão metódico pode ser o exército. Característica essa que, por meio de regras rígidas e repetições, levam os soldados à submissão. Já no começo do filme, onde o Sargento Hartman faz seu discurso aos calouros no treinamento, a câmera de Kubrick se mexe suavemente desenhando uma elipse no chão, girando de forma ininterrupta durante toda a fala do Sargento. Observamos também esse metodismo no estilo de gravação nos diversos momentos em que é usado o pullback (câmera em close up mudando, suavemente ou não, para planos mais abertos), mostrando primeiramente (em close up) a imagem dos rostos dos soldados e suas reações a alguma coisa e então, gradativamente, nos é mostrado o motivo daquelas reações, conforme a câmera vai recuando para o plano aberto. São apenas dois exemplos de como um estilo mais “mecânico” de gravar as cenas pode nos dar a sensação do metodismo usualmente adotado para treinamentos militares.

A seguir, tentarei analisar de forma mais profunda esses dois segmentos do filme, fazendo uso de frases e descrevendo cenas do próprio filme.

Atenção: A partir de aqui, o texto contém detalhes relevantes sobre o desenvolvimento do filme, os famosos spoilers, não sendo assim
aconselhável para aqueles que ainda não viram o filme.

O treinamento

- Eu sou o sargento de artilharia Hartman, seu instrutor. A partir de agora, só falarão quando forem chamados. E a primeira e última palavra que sairá de suas bocas imundas será “senhor”. Vocês me entenderam, seus vermes?

- Senhor, sim senhor.

- Porra nenhuma, não ouço vocês. Parecem mulherzinhas.

- Senhor, sim senhor!

- Se as senhoritas saírem da minha ilha, se sobreviverem ao treinamento, vocês serão armas. Serão ministros da morte rezando por guerra. Mas, até esse dia chegar, vocês são vômitos! Vocês são as formas de vida mais medíocres da terra. Nem sequer são porras de seres humanos! Não passam de pedaços desorganizados de merda anfíbia. Por ser severo, vocês não gostarão de mim. Mas quanto mais vocês me odiarem, mais aprenderão. Sou severo, mas justo. Não há descriminação racial aqui. Não desprezo judeus, crioulos, carcamanos ou cucarachas. Aqui vocês são todos igualmente inúteis. E tenho ordens de dispensar aqueles que não merecem estar em minha amada unidade.

É com essas palavras, saídas da boca do Sargento Hartman, que se inicia o pesadelo na vida dos soldados convocados pra o treinamento. Nesta cena inicial do filme e na maioria das cenas vindouras ainda contidas nessa primeira parte, do treinamento, é mostrada de forma clara e exagerada a desconstrução emocional dos aspirantes a combatentes. Com sua rigidez e agressividade, o sargento trata de desumanizar aqueles que estão ao seu serviço com o intuito de transformá-los em maquinas de matar, máquinas que eliminam os inimigos, independentemente se isso, o ato de matar, ferir, faz parte dos princípios daquele que futuramente estará nos campos de batalha.

Apesar de alguns não gostarem do sargento Hartman, eu tenho uma visão diferente sobre ele. Acho que ele acaba sendo vítima de um sistema, ele está ali para enviar pessoas pra guerra, pra matar ou morrer, se eles tiverem fraquezas elas devem ser extintas no treinamento. Visto isso, maldade seria se ele mandasse fracos pra guerra, para serem mortos ou terem poucas chances de sobrevivência. Foi o que disse, acredito que ele seja mais vítima do sistema, de toda essa sujeira política que existe, na posição em que ele se encontrava, fazia o melhor que podia, ou seja, que o menor número de americanos possível morresse naquela guerra.

Talvez nessa primeira parte, o personagem principal seja o soldado Pyle. Pyle é alguém que definitivamente não deveria estar lá. Nitidamente obeso e totalmente aquém dos ideais militares, seu sofrimento é narrado de maneira ímpar, onde Kubrick, gradativamente, mostra como Pyle passa através do sofrimento, da dor, humilhação e chega à loucura. No fim deste seguimento temos as primeiras “baixas de guerra”, antes mesmo de a própria guerra começar para aqueles soldados.

Reza do rifle

“Este é meu fuzil. Há muitos como ele, mas esse é meu. Meu fuzil é meu melhor amigo. É minha vida. Devo dominá-lo como domino minha vida. Sem mim meu fuzil é inútil. Sem meu fuzil, eu sou inútil. Devo usar meu fuzil com precisão. Devo atirar melhor que o inimigo que está tentando me matar. Devo atirar nele antes dele atirar em mim. E eu o farei. Perante Deus, eu juro. Meu fuzil e eu somos defensores de meu país. Vamos subjugar o inimigo. Vamos salvar minha vida. Assim seja, até que não haja mais inimigos. Só paz. Amém!”.

O campo de batalha

Na segunda parte do filme, mostra-se a projeção desse treinamento na guerra em si. O soldado Joker, aquele que, como ele mesmo disse, queria ser o primeiro no quarteirão a matar uma pessoa, acaba se deparando com a guerra de verdade e, conseqüentemente, com mortos de verdade e não gosta do que vê. Já no final da primeira parte do filme isso pode ser notado quando ele pede para ser encaminhado ao setor de jornalismo em vez de encarar a guerra de verdade.

O ápice da contradição desse personagem é o momento de sua discussão com o sargento em batalha sobre o broche da paz e a frase em seu capacete que dizia "nascido para matar", que ele explica como sendo a dualidade do homem*, que todos têm sua parte boa e sua parte ruim.

E, como prova final da maestria do Kubrick, acho que poucos diretores teriam capacidade de gravar tão bem a cena do sniper (atirador de elite). Mostrou-se a visão de ambos os lados, as mudanças de plano aberto pra close up simulando a mira da sniper eram ótimas, nos dava uma total sensação de incapacidade, de não saber como reagir àquela situação, um oponente que não se pode ver. Concluindo, um filme sobre a brutalidade das guerras e suas conseqüências aos homens que as lutam, muitas vezes, sem desejá-las.

* Essa teoria pode ser vista nesse artigo sobre psiquiatria: A Questão do Mal: uma Abordagem Psicológica Junguiana no link: http://www.rubedo.psc.br/artigosb/quesmal.htm

Claude Monet: meramente um olho, mas que olho!

2008-02-13T12:10:00.000-08:00

O Impressionismo foi um movimento artístico que surgiu na França no século XIX. Ele revolucionou a pintura e tendenciou a arte no final do século XX, como no cinema, literatura e música. O elemento fundamental na pintura impressionista é a luz. Os impressionistas captavam o reflexo que a luz fazia sobre os objetos nas diferentes horas do dia e passavam para as telas. Um pintor poderia pintar 5 telas ao mesmo tempo, era um trabalho muito rápido para não perder aquele tom que aparecia diante dele. As pinceladas são curtas e rápidas, não havendo contorno algum. As tonalidades não eram formadas na paleta do pintor, as cores eram usadas puras no quadro. No final, é o observador que combina as várias cores apresentadas, obtendo um resultado final. Observando uma pintura impressionista de perto, o que vemos são apenas pinceladas, ‘borrões’. O efeito só se dá quando atingimos certa distância do quadro.
Sobre os pintores impressionistas, podemos citar Monet, um dos principais e mais famosos repercussores do movimento. Pela sua característica inigualável de interpretar a realidade colocando-a em um contexto, criando uma nova visão, Cézanne certa vez falou que Monet era "meramente um olho, mas que olho!".

"Estão trazendo as telas para mim uma atrás da outra. Uma cor que eu achei e esbocei ontem em uma dessas telas reapareceu no ar. Eu sou rápido pintando e me esforço para fixar essa visão pelo maior tempo possível. Mas quase sempre desaparece tudo muito rápido, muda tudo completamente, fazendo que outra cor que eu já pintei dias atrás em outro estudo apareça diante de mim... E é desse jeito que é o dia todo. "

Oscar-Claude Monet nasceu em Paris em 1840. Ingressou na Académie Suisse e no estúdio Gleyre porque a postura mais livre era de maior interesse. Conheceu Eugène Boudin, o qual incentivou Monet a pintar sob a luz do sol e ao ar livre, procedimento que seria fundamental no desenvolvimento de sua técnica e estilo. Mais tarde, junto com Pierre-Auguste Renoir, Frédéric Bazille e Alfred Sisley, Monet desenvolveu a técnica de pintar o efeito das luzes com rápidas pinceladas, o que seria conhecido mais tarde como impressionismo.
O termo impressionista se deu quando Monet e seus amigos tiveram a iniciativa de montar a primeira exposição com a nova técnica. O evento não foi muito bem recebido e seus quadros foram ridicularizados, pois as pessoas ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. Com uma crítica pejorativa ao quadro "Impressão, o nascer do sol", de Monet, os críticos passaram a chamar o grupo de “impressionistas”.
Monet encontrou várias dificuldades ao longo de sua carreira. É muito difícil um artista ser reconhecido, e ainda mais, enquanto ainda está vivo. Mas depois de viver na miséria, ter dois filhos, tentar suicídio, fugir para não se alistar na guerra, a vida dele estava pronta para prosperar.

Impressão: o nascer do sol

Em 1883, Monet mudou-se para Giverny, na Normandia (França), onde plantou um jardim para que pudesse pintar. Não demorou muito para comprar o terreno dos fundos da casa e pedir uma autorização para desviar um braço do rio Ru, que passava por perto, para formar um pequeno lago. Nessa época, Monet descobriu sua segunda paixão: a jardinagem. Criou flores, plantas aquáticas e providenciou a contrução de uma ponte japonesa, que o inspirou na série de nenúfares. Uma “série impressionista” é uma série de quadros, onde os objetos que se repetem não importam muito: a impressão de cada momento causada ao pintor, seja pela luz do sol, pelas sombras, reflexos ou vento, é o principal elemento transportado para as telas. Ele dizia que "o tema é uma coisa secundária; o que eu quero reproduzir é o que existe entre ele e eu". Por exemplo, a série que Monet pintou a fachada da catedral de Rouen, contém 18 telas retratando a igreja do mesmo ângulo.

Alguns quadros da série da catedral de Rouhen

No final de sua vida, Monet teve catarata, mas apesar da doença ele não parou de pintar. Usava em suas telas cores fortes como o vermelho-carne, vermelho goiaba, cor tijolo, entre outros vermelhos. Monet morreu aos 86 anos e está enterrado no jardim de sua propriedade.
Infelizmente, é meio difícil para nós, habitantes deste país chamado Brasil, vermos alguma obra original do Monet. Em 1997, o Masp realizou uma exposição em homenagem a este grande pintor. A exposição trazia 23 telas e também passou uma temporada no Rio de Janeiro. Em tempos, também ocorre alguma exposição impressionista nos museus e não é muito difícil encontrar alguma obra do Monet entre o acervo.

Quadro no tempo que Monet já estava com a visão danificaca. “Eu estou trabalhando muito e gostaria de pintar tudo antes de não conseguir mais enxergar.”

Um lugar que com certeza é interessantíssimo para visitar são os famosos “Jardins de Monet”, na prórpia casa do pintor em Giverny. O local, que foi reformado, é bastante visitado por turistas e também conta com uma atmosfera altamente conhecida através dos quadros do artista.
Até pouco tempo, o maior acervo do Monet fora da França, que é o do Museum of Fine Arts de Boston, estava viajando pelo mundo. Essa era a minha esperança de ter novamente Monet no Brasil, mas é lógico que não temos tanta sorte assim. Agora, só nos resta esperar e ver se alguma alma caridosa não promove outra exposição por aqui.

Pushing Daisies

2008-02-12T04:29:00.000-08:00

Em Pushing Daisies somos apresentados a um mundo completamente novo, desde suas histórias até seus cenários e figurinos. Não encontramos nada que chegue perto da palavra "comum".

Ned (Lee Pace), quando criança descobriu um "dom" curioso, ao tocar em uma pessoa morta, essa imediatamente voltava à vida. Mas essa nova vida só poderia durar 60 segundos, caso contrário alguém próximo morreria no mesmo momento. Ned também não poderia tocar novamente em alguém que trouxe à vida, primeiro toque era vida e segundo toque, a morte eterna.
Ned, apaixonado por tortas, abre seu restaurante inteiramente dedicado a elas, mas esse não é seu principal trabalho. Junto com seu, digamos "sócio", Emerson Cod (Chi McBride), ele usa seu dom para trazer vitimas de assassinato de volta à vida, para assim resolver os crimes e receber as recompensas, mas cada contato não dura mais de 60 segundos.
Em uma dessas missões, ele encontra Chuck (Anna Friel) , uma antiga paixão de infância, morta. Ao contrário do recomendado, ele não dá o segundo toque, deixando com que Chuck volta à vida. Assim começa uma história de amor, completamente fora do comum. Ambos nunca poderão se tocar.

Com personagens cativantes, um visual fantástico e um roteiro criativo, Pushing Daisies se mostrou uma mistura de comédia, com ingredientes de séries policiais e cenários que parecem terem sidos retirados de Amelie Poulain, ou qualquer filme do diretor Tim Burton.
A série indicada em diversos e importante prêmio, inclusive o Globo de Ouro, teve apenas 9 episódios de sua primeira temporada produzidos, por causa da greve de roteiristas nos EUA. Sua estréia no Brasil será pela Warner Channel, dia 10 de Abril ou a qualquer momento pela internet.

****************************

Bom, sou Gabriel e essa é a minha primeira postagem no Cinemmus. Meu convite para entrar na equipe do blog foi feita há exatamente 4 meses atrás, hoje finalmente aceitei. Tenho um blog sobre música desativado. Pretendo falar sobre cultura em geral, talvez com mais frequência sobre séries (sou completamente viciado).

Bobby Fischer vai à guerra: A genialidade e loucura de um dos grandes gênios do século passado

2008-02-03T16:27:00.000-08:00

“Xadrez é guerra no tabuleiro. O objetivo é fundir a mente do oponente”

Bobby Fischer

Sendo fã de xadrez e seus praticantes como sou, não poderia deixar passar a oportunidade de escrever um pouco aqui sobre o filme que teremos em breve. A Universal Pictures, juntamente com algumas parcerias, recentemente anunciou a contratação de Kevin Macdonald (que dirigiu “O Último Rei da Escócia”) para ser o diretor do drama “Bobby Fischer goes to war”, ou “Bobby Fischer vai à guerra” numa tradução livre.

O filme vai girar em torno do Match (conjunto de partidas) entre o norte-americano Bobby Fischer e o russo Boris Spasky valendo o titulo mundial. Seria normal para aqueles que desconhecem o xadrez e Fischer perguntar: Mas por que pode vir a ser tão interessante um filme sobre algumas partidas de xadrez?! É exatamente isso que pretendo responder nas linhas abaixo no intuito de convencer o maior número de pessoas possível que esse projeto tem tudo pra se transformar em um grande filme. De forma resumida, essa resposta pode ser dada em duas palavras: Política e genialidade.

"Quando eu joguei contra Fischer, ele lutou contra os produtores de televisão e os organiadores do evento. Mas ele nunca lutou contra mim pessoalmente. Eu perdi para Bobby antes mesmo de jogar porque ele já era mais forte que eu. Ele ganhou normalmente" Spassky, sobre o campeonato mundial de 1972

Situemos-nos, primeiramente, historicamente. O embate ocorreu em 1972, auge da guerra fria que ficou conhecida por dividir o mundo em dois blocos: os EUA e seus aliados políticos e a extinta URSS, formada pela Rússia e um pouco mais de uma dezena de outros países socialistas. Levando em conta as nacionalidades dos dois jogadores (americana e russa), é fácil deduzir a dimensão que esse match, que foi realizado em Reykjavik (capital da Islândia), tomou. A URSS já havia monopolizado o esporte durante três décadas antes de Fischer e continuou com sua hegemonia ainda três décadas depois. Fischer foi o suspiro do ocidente. Certa vez Bobby Fischer chegou a declarar: “Realmente é o mundo livre contra a mentira, trapaça e hipócritas russos”.

"Eu sou o melhor jogador do planeta e estou aqui para provar isso" Bobby Fischer

Fischer, que ainda muito novo (por volta dos 12 ou 13 anos de idade) aprendeu sozinho a língua russa para se informar melhor sobre a teoria do xadrez, acreditava que muitas coisas que aconteciam no xadrez eram controladas pela KGB (órgão secreto de inteligência russa, equivalente a CIA americana), e que seus agentes o perseguiam.

Sobre a genialidade de Fischer, cem páginas não seriam o bastante para relatar a grandiosidade de sua mente, mas irei relatar aqui alguns fatos que vão além do tabuleiro pra que a maioria dos leitores percebam suas qualidades extraordinárias. Primeiramente, Fischer se tornou Grand Master aos 15 anos, esse titulo é dado àqueles que chegam em um nível muito alto de conhecimento em xadrez, titulo este comparável ao de Ph.D. nas outras profissões. Ele decorava suas partidas enquanto as jogava, sabia de cabeça todas as que já jogou. Bastava você dizer pra ele o nome do adversário e o ano que ele era capaz de reproduzir no tabuleiro, lance a lance, exatamente como a partida aconteceu. Acredita-se que ele calculava em torno de quatro lances a frente por segundo durante o jogo. Tinha o QI superior ao de Albert Einstein e outros gênios históricos, seu QI era de 185 (a média humana é entre 90 e 110 e acima de 145 a pessoa já é considerada superdotada). E isso tudo só pra eu não entrar em suas proezas dentro dos tabuleiros, que são ainda maiores.

"Você sabe que vai perder. Mesmo quando eu estava melhor no jogo eu sabia que iria perder" Andrew Soltis, sobre jogar contra Fischer

Infelizmente, uma das maiores mentes do século passado, foi da genialidade à loucura muito rapidamente. Era rude quando queria (e parece que quase sempre queria), extremista em suas opiniões, anti-semitista, odiava Judeus (sua mãe era judia), acreditava que tudo se baseava em conspirações governamentais e muitas outras coisas que tornou Bobby Fischer o orgulho e a tristeza da nação enxadrista. Suas exigências também atingiam o absurdo. Não jogava a menos que as peças fossem opacas e a iluminação indireta, a cadeira também deveria ser de um formato específico e o primeiro jornalista deveria estar à uns bons metros de distância.

Após uma carreira brilhante e surpreendente, conquistou o título de campeão mundial em 1972 e, após isso, quando o mundo achou que tinha se acostumado e parado de surpreender-se com suas excentricidades, Fischer fez o lance mais surpreendente de toda a sua vida: Desapareceu! Por muitos anos Fischer só dava as caras quando ele queria. Passou por vários países e muitos mitos sobre seu destino apareceram na forma de rumores na época. Alguns diziam que ele havia morrido, outros que ele enlouquecera de vez e jogava xadrez em pracinhas de países menos conhecidos. Fischer perdeu seu titulo de campeão do mundo em 1975, pois não compareceu para defender seu posto contra Anatoly Karpov (russo). Em 2004, Fischer foi preso em um aeroporto no Japão por tentar viajar com um passaporte revogado pelos EUA.

Ele foi ameaçado de extradição para os Estados Unidos pra receber a punição por ter violado a sansão imposta à Slobodan Milosevic, então líder da Iugoslávia, jogando no país um rematch contra o mesmo Spassky por algo entorno de dez milhões de dólares. Em 17 de janeiro de 2008, Fischer faleceu na mesma cidade que em 1972 foi palco de um dos maiores confrontos enxadrísticos da história.

Acredito que um dos maiores desafios do diretor será mostrar o tamanho de suas proezas para um público que não conhece a profundidade do xadrez. Toda uma vida (literalmente) não é suficiente para se ter domínio de todos os aspectos do jogo, tamanha a dimensão de sua teoria. O talento de Kevin MacDonald para retratar figuras excêntricas, daquelas que se ama ou odeia, já foi testado e comprovado no seu filme “O Último rei da escócia” onde mostra a história de um ditador.

Pouco se sabe sobre o desenvolvimento da película. Além de Macdonald na direção, o roteiro será realizado por Shawn Slovo ("Em Nome da Honra"). A história será baseada em um livro de autoria de David Edmonds e John Eidinow. A produção está agendada para iniciar no final de 2008. Até lá, nomes no elenco e na equipe técnica devem ser adicionados.

Gostaria enormemente de ver Leonardo Di Caprio no papel principal desse filme. Acho que talvez ele seja o único capaz de retratar esse tipo de personalidade com tamanho realismo, uma vez que o personagem principal do filme lembra muito o Howard Hughes que ele interpretou em “O aviador”, no que diz respeito ao estilo bonito-gênio-louco. Mas ainda não foi divulgado nem sequer o tamanho da produção de “Bobby Fischer goes to war”, então não sabemos nem mesmo detalhes do orçamento do filme.
Macdonald atualmente está envolvido com as filmagens de "State of Play", baseado em uma minissérie do canal britânico BBC e que narra a investigação de um jornalista sobre a morte de uma jovem, amante de um poderoso político.

Poderia ficar horas e horas dissertando sobre como a história de Fischer daria um bom filme mas espero ter atingido meu objetivo principal nesse texto que era de trazer o maior número possível de olhos para esse projeto e não só os fãs de xadrez. Bobby Fischer tem história suficiente para virar um filme do nível e formato de “Uma mente brilhante” ou “O aviador”, ambos sucessos de bilheteria e exemplos de bom filme.

Por último, reproduzirei abaixo uma carta escrita pelo próprio Fischer quando uma revista local pediu ao mesmo para que se apresentasse, se descrevesse, dias antes do campeonato mundial de 1972, tema principal do filme. Acredito que esse texto mostre toda a sua genialidade, perseverança assim como sua loucura e o quanto ele podia ser rude e convencido. Eis a carta:

“Sou um especialista, jogo xadrez. Isso é uma coisa séria. Outra coisa não sei fazer, mas tudo o que sei eu domino a fundo. Nasci em Chicago, 9 de março de 1943. Serei campeão mundial. Se Spassky, o atual campeão, não tem medo de mim, tampouco eu tenho medo dele. Vim a Europa como em outros tempos veio Paul Morphy. Ele era de Nova Orleans e jogou como um gênio derrotando a todos os mestres europeus. Quando voltou para a América, morreu de desgosto e frustração. Meu objetivo é bater o recorde de Emmanuel Lasker, que reteve o titulo durante 27 anos. Necessito de muito descanso e uma boa iluminação.
Em especial, não tolero nenhum ruído que me distraia em meu trabalho de calcular e combinar. Onde mais gosto de jogar é na Iugoslávia. As pessoas gostam de mim e até escrevem cartas. Os dez mil dólares oferecidos para a final eu considero muito pouco. Deve-se pagar melhor aos grandes mestres. Não quero me contentar com presentes pequenos. Trabalho todo um mês, enfrento mestres fortes e experimentados e a FIDE me paga 750 dólares. Fiquem então com o dinheiro ou joguem-no na água! Esforcei-me muito na vida para ser algo. Hoje já sou alguém, amanhã serei ainda mais conhecido. Meu objetivo é que no planeta não exista ninguém que mova as peças de madeira melhor que eu. Meu pai abandonou minha mãe quando eu tinha dois anos. Nunca o vi. Minha mãe disse apenas que se chamava Gerhard e era alemão. Ela era educadora num internato suíço.
Vivíamos no Brooklyn, onde minha mãe procurou para mim um professor de xadrez. Quando aos 13 anos, pude derrotar Donald Byrne em uma brilhante partida e me senti orgulhoso ao ler nos jornais: quando um menino faz tais jogadas, algo surgirá disso. Estudei a língua russa para poder me informar melhor sobre a teoria do xadrez.
Na América, ninguém pode ser comparado a mim: fui oito vezes campeão nacional, o que já me resulta em desmotivação. A única coisa que não me desmotiva é ver meu saldo bancário aumentando. Algum dia, serão meus o automóvel mais caro e a casa mais bonita. Xadrez me causa prazer e pode me proporcionar dinheiro. Botvinnik escreveu que calculo melhor que os demais. Disse que sou um computador, um homem prodigioso e que fui um menino prodígio. Aqui não existe prodígio algum. Sou apenas um estudioso. Jogo xadrez todos os dias. Aprendo e procuro melhorar meus conhecimentos. Agora, todos esperam de mim que ganhe sempre. Aos jornalistas é desagradável que uma partida termine em empate. É algo que ataca os nervos. Não sou como Petrossian ou Korchnoi que concordam em empatar com 12 jogadas. Continuo até ficar com o rei sozinho. Sei o que quero. Os meninos que tiveram que crescer sem pai logo são como lobos. Meu mundo é o tabuleiro preto e branco de xadrez. Em minhas jogadas, procuro movimento e arte ao mesmo tempo. Quem não consegue ver isso me da lástima. Robert James Fischer não é nenhum computador como alguns querem pensar. Sou meramente um homem,mas um homem extraordinário. Aos 15 anos era Grande Mestre, aos 16, campeão americano, com 28 sou o jogador mais forte do mundo e com 29 serei oficialmente campeão mundial. Meu programa para o futuro está claro. Não cometerei o mesmo erro de Sousse, nem abandonarei o campo de batalha. Carecia de experiência e era demasiado susceptível. Agora sou forte como um muro e frio como um Iceberg."

Fontes: Chessbase.com ; Cinemacomrapadura.com.br ; Bobbyfischer.net

Maratona de cinema no RJ

2008-01-30T18:24:00.001-08:00

Segue a programação da Maratona Odeon para o dia 1º de Fevereiro:

PROGRAMAÇÃO

23h SWEENEY TODD: O BARBEIRO DEMONÍACO DA RUA FLEET
(Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street), de Tim Burton.
EUA / 2007
Com Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Sacha Baron Cohen
Baseado no musical da Broadway que conta a história infame de Benjamin Barker, conhecido por Sweeney Todd, que abre uma barbearia em Londres, na verdade uma fachada para uma sinistra parceria com sua inquilina, a srta. Lovett.
Tem três indicações ao Oscar, incluindo melhor ator (Depp).

2h30 OS INDOMÁVEIS
(3:10 to Yuma), de James Mangold.
EUA / 2006
Com Christian Bale, Russell Crowe, Peter Fonda
Jovem vaqueiro é persuadido a escoltar bandido que espera a chegada de um trem para leva-lo até a corte de Yuma.

5h A MORTE DE GEORGE W. BUSH
(Death of a President), de Gabriel Range.
90 min / Reino Unido / 2006
Com Hend Ayoub, Brian Boland, Becky Ann Baker
Anos após o assassinato do Presidente George W. Bush, em Chicago, um documentário investigativo examina o caso.

CAFÉ COM BOLO do Ateliê Culinário
no término da Maratona

E AINDA
Nos intervalos, DJ JORGE LUIZ.

Ingresso
inteira R$20,00 / meia R$10,00
SÓ SERÃO VENDIDOS INGRESSOS MEIA-ENTRADA MEDIANTE A APRESENTAÇÃO
DE DOCUMENTAÇÃO NO ATO DA COMPRA QUE COMPROVE O DIREITO.

ODEON PETROBRAS
Pça. Floriano, 7 - Cinelândia
Tel.: 2240-1093

Humanismo e o discurso de o Grande Ditador

2008-01-30T08:56:00.000-08:00

Estudo a obra de Charles Chaplin há algum tempo. E procurando uma deficinição de humanismo na sua perspectiva, me deparei novamente com o clássico discurso nas cenas finais do filme O Grande Ditador.

Impressionante como ele permanece atual, universal.

Definir humanismo na perspectiva chapliniana é uma tarefa imprecisa, pois o conceito situa-se apenas no campo da moral. Sendo assim, pode assumir variadas nuances. Nesta perspectiva, são abordadas questões importantes porém ausentes na sociedade, como: simplicidade, altruísmo, ética e esperança, o capitalismo leva a sociedade a um consumismo exacerbado e a uma alienação coletiva. Para contornar estas questoes, é preciso torna-los visíveis.

Mudamos a realidade a partir do momento que a problematizamos, tornamos públicas nossas insatisfações e exigimos mudanças.

Detalhe, Hannah por quem Chaplin grita no final é o nome de sua mãe, esta que foi sua grande inspiração por toda a vida.

Discurso Final de O Grande Ditador

Sinto muito, mas não pretendo ser um imperador. Não é esse o meu ofício. Não pretendo governar ou conquistar quem quer que seja. Gostaria de ajudar – se possível – judeus, o gentio... negros... brancos.Todos nós desejamos ajudar uns aos outros. Os seres humanos são assim. Desejamos viver para a felicidade do próximo – não para o seu infortúnio. Por que havemos de odiar e desprezar uns aos outros? Neste mundo há espaço para todos. A terra, que é boa e rica, pode prover a todas as nossas necessidades.

O caminho da vida pode ser o da liberdade e da beleza, porém nos extraviamos. A cobiça envenenou a alma dos homens... levantou no mundo as muralhas do ódio... e tem-nos feito marchar a passo de ganso para a miséria e os morticínios. Criamos a época da velocidade, mas nos sentimos enclausurados dentro dela. A máquina, que produz abundância, tem-nos deixado em penúria. Nossos conhecimentos fizeram-nos céticos; nossa inteligência, empedernidos e cruéis. Pensamos em demasia e sentimos bem pouco. Mais do que de máquinas, precisamos de humanidade. Mais do que de inteligência, precisamos de afeição e doçura. Sem essas virtudes, a vida será de violência e tudo será perdido.

A aviação e o rádio aproximaram-nos muito mais. A própria natureza dessas coisas é um apelo eloqüente à bondade do homem... um apelo à fraternidade universal... à união de todos nós. Neste mesmo instante a minha voz chega a milhares de pessoas pelo mundo afora... milhões de desesperados, homens, mulheres, criancinhas... vítimas de um sistema que tortura seres humanos e encarcera inocentes. Aos que me podem ouvir eu digo: “Não desespereis! A desgraça que tem caído sobre nós não é mais do que o produto da cobiça em agonia... da amargura de homens que temem o avanço do progresso humano. Os homens que odeiam desaparecerão, os ditadores sucumbem e o poder que do povo arrebataram há de retornar ao povo. E assim, enquanto morrem homens, a liberdade nunca perecerá.

Soldados! Não vos entregueis a esses brutais... que vos desprezam... que vos escravizam... que arregimentam as vossas vidas... que ditam os vossos atos, as vossas idéias e os vossos sentimentos! Que vos fazem marchar no mesmo passo, que vos submetem a uma alimentação regrada, que vos tratam como gado humano e que vos utilizam como bucha de canhão! Não sois máquina! Homens é que sois! E com o amor da humanidade em vossas almas! Não odieis! Só odeiam os que não se fazem amar... os que não se fazem amar e os inumanos!

Soldados! Não batalheis pela escravidão! Lutai pela liberdade! No décimo sétimo capítulo de São Lucas está escrito que o Reino de Deus está dentro do homem – não de um só homem ou grupo de homens, ms dos homens todos! Está em vós! Vós, o povo, tendes o poder – o poder de criar máquinas. O poder de criar felicidade! Vós, o povo, tendes o poder de tornar esta vida livre e bela... de faze-la uma aventura maravilhosa. Portanto – em nome da democracia – usemos desse poder, unamo-nos todos nós. Lutemos por um mundo novo... um mundo bom que a todos assegure o ensejo de trabalho, que dê futuro à mocidade e segurança à velhice.

É pela promessa de tais coisas que desalmados têm subido ao poder. Mas, só mistificam! Não cumprem o que prometem. Jamais o cumprirão! Os ditadores liberam-se, porém escravizam o povo. Lutemos agora para libertar o mundo, abater as fronteiras nacionais, dar fim à ganância, ao ódio e à prepotência. Lutemos por um mundo de razão, um mundo em que a ciência e o progresso conduzam à ventura de todos nós. Soldados, em nome da democracia, unamo-nos!

Hannah, estás me ouvindo? Onde te encontrares, levanta os olhos! Vês, Hannah? O sol vai rompendo as nuvens que se dispersam! Estamos saindo da treva para a luz! Vamos entrando num mundo novo – um mundo melhor, em que os homens estarão acima da cobiça, do ódio e da brutalidade. Ergue os olhos, Hannah! A alma do homem ganhou asas e afinal começa a voar. Voa para o arco-íris, para a luz da esperança. Ergue os olhos, Hannah! Ergue os olhos!

Vinícius de Moraes: O Poeta que celebra o Amor e a Mulher.

2008-01-21T07:05:00.000-08:00

(…)
O que é o meu Amor? Senão o meu desejo iluminado
O meu infinito desejo de ser o que sou acima de mim mesmo
O meu eterno partir da minha vontade enorme de ficar
Peregrino, peregrino de um instante, peregrino de todos os instantes?
(…)
(A Vida Vivida, Vinícius de Moraes)

VINÍCIUS DE MORAES. PROFISSÃO: POETA

Antes de quaisquer considerações sobre a obra de Vinícius de Moraes, vale abordar aqui um pouco da sua vida. Onde nasceu e morou, quais atividades desenvolveu, suas parcerias, etc.
Marcus Vinícius da Cruz de Mello Moraes nasceu na cidade do Rio de Janeiro no dia 19 de outubro de 1913, onde também faleceu em 9 de julho de 1980. Formado em Direito no ano de 1933, não agüentou o Fórum por mais de um mês. Era crítico e censor de cinema, jornalista, músico e poeta. Foi nos anos 30 e 40 que Vinícius conheceu a glória literária e conviveu com uma das mais diversificadas e completas gerações composta por: Drummond, Bandeira, Niemeyer, Santa Rosa, Djanira, Aníbal Machado, e tantos outros que já faziam a história da literatura brasileira.
Iniciou sua carreira diplomática em 1946, quando toda essa fase de ouro foi interrompida. Entre 1958 e1960, Vinícius assume o terceiro posto da carreira diplomática em Montevidéu, mas o sucesso do compositor ao lado de Tom Jobim (com quem fez as músicas para sua peça teatral Orfeu da Conceição, encenada no Municipal) resultou em inúmeras solicitações do meio artístico. Entre outros parceiros, Vinícius de Moraes esteve com Pixinguinha, Adoniram Barbosa, Baden Powell, Chico Buarque e Toquinho (com quem teve uma parceria de mais longa duração).
Ainda no começo da década de 60, o poeta desenvolve intensa atividade no gênero pocket-shows, estréia como cantor e vende sucessivas edições de Antologia Poética. Ligado ao Itamaraty, em 1963 viaja para integrar a Delegação do Brasil junto à UNESCO, em Paris, mas regressa no ano seguinte. Daí por diante, e por pouco tempo, seu vínculo com o Itamaraty será apenas burocrático. Antes do fim da década, desliga-se completamente e volta ao jornalismo (crônicas, artigos e críticas).
A partir de então, Vinícius de Moraes passa a ser uma pessoa de domínio público. Com sucesso notório, o escritor traduz sentimentos e anseios de uma moderna e encantadora experiência amorosa. Ele vai além e é encarado como um símbolo que promove uma profunda mudança de valores (não somente literários e artísticos) pela qual vem passando a sociedade nas últimas décadas. Enfim, Vinícius é um “intérprete fiel de uma alma coletiva”.

O VINÍCIUS DO AMOR E DA MULHER

Quando nos deparamos com as obras de Vinícius de Moraes, constatamos que o poeta tende a colocar o amor e a mulher no centro de seus interesses. Tais temáticas passam a ocupar um valor primordial em sua poesia, ao ponto de supormos que a experiência amorosa e o ser feminino ocupam o lugar da crença e da religiosidade, antes tão enfatizadas por ele em suas poesias. O autor imprime, de fato, uma espécie de divinização da mulher, transformando-a num ser superior; com isso faz com que o amor seja a experiência-limite, capaz de fazer com que o homem seja tirado de um ambiente inferior.
Essas facetas das obras de Vinícius apresentam vários pontos que nos remetem ao platonismo amoroso dos trovadores medievais, caracterizado pela idealização da mulher; recordam o amor espiritual dos românticos, assim como o “amor louco” dos surrealistas, o sentimento tido como supremo, acima de Moral ou Religião, etc. A concepção amorosa desse grande poeta, portanto, pode ser encarada como um ponto de convergência entre Trovadorismo, Romantismo e Surrealismo.
Vinícius de Moraes, assim como Camões, tentou fundir o amor sublime ao o amor físico. O poeta brasileiro tentou unir dois pólos tão opostos (amor idealizado + amor erótico) para recriar um terceiro (o amor completo). O que antes, no Romantismo, era impossível de acontecer – a corrupção do amor divinizado através do contato físico – no Modernismo de Vinícius de Moraes, o amor verdadeiro só pode ser concretizado quando ocorre a fusão do sentimento transcendente com o amor carnal. Obviamente, na poesia de Vinícius de Moraes, o amor é um jogo entre o intangível e o experienciado; entre o onírico e o real; entre o amor incapaz de corromper o outro e o que corrompe para existir e se constituir como Amor de fato. Esses elementos constituem textos carregados de desejo, ora da busca pelo sublime (transcendência), ora pelo encontro do cotidiano (imanência).

SONETO DO AMOR TOTAL

Amo-te tanto, meu amor... não cante
O humano coração com mais verdade...
Amo-te como amigo e como amante
Numa sempre diversa realidade.

Amo-te afim, de um calmo amor prestante
E te amo além, presente na saudade.
Amo-te, enfim, com grande liberdade
Dentro da eternidade e a cada instante.

Amo-te como um bicho, simplesmente
De um amor sem mistério e sem virtude
Com um desejo maciço e permanente.

E de te amar assim, muito e amiúde
É que um dia em teu corpo de repente
Hei de morrer de amar mais do que pude.

(Vinícius de Moraes - Rio, 1951)

No chamado Soneto do Amor Total, a idéia da transcendência está presente e pode ser vista nos terceiro e quarto versos do segundo quarteto: “Amo-te, enfim, com grande liberdade/ Dentro da eternidade e a cada instante”. Já a questão da imanência, nessa mesma poesia, encontra-se em toda a terceira estrofe: “Amo-te como um bicho, simplesmente/ De um amor sem mistério e sem virtude/ Com um desejo maciço e permanente”.

A BRUSCA POESIA DA MULHER AMADA

Longe dos pescadores os rios infindáveis vão morrendo de sede lentamente...
Eles foram vistos caminhando de noite para o amor – oh, a mulher
[amada é como a fonte!
A mulher amada é como o pensamento do filósofo sofrendo
A mulher amada é como o lago dormindo no cerro perdido
Mas quem é essa misteriosa que é como um círio crepitando no peito?
Essa que tem olhos, lábios e dedos dentro da forma inexistente?

Pelo trigo a nascer nas campinas de sol a terra amorosa elevou a
[face pálida dos lírios
E os lavradores foram-se mudando em príncipes de mãos finas e rostos
[transfigurados...
Oh, a mulher amada é como a onda sozinha correndo distante das praias
Pousada no fundo estará a estrela, e mais além.

Nesse texto, nota-se o apego do poeta à figura feminina. Vinícius atribui características sublimes à mulher e faz com que ela seja o ser de onde provém e para onde convergem todas as outras formas elevadas, inclusive as da natureza.

SONETO DA FIDELIDADE

De tudo, ao meu amor serei atento
Antes, e com tal zelo, e sempre, e tanto
Que mesmo em face do maior encanto
Dele se encante mais meu pensamento.

Quero vivê-lo em cada vão momento
E em seu louvor hei de espalhar meu canto
E rir meu riso e derramar meu pranto
Ao seu pesar ou seu contentamento.

E assim, quando mais tarde me procure
Quem sabe a morte, angústia de quem vive
Quem sabe a solidão, fim de quem ama

Eu possa me dizer do amor (que tive):
Que não seja imortal, posto que é chama
Mas que seja infinito enquanto dure

Na composição literária Soneto da Fidelidade, de Vinícius de Moraes, nota-se com clareza, ao ler a primeira estrofe, o tanto que o poeta deseja enfatizar que o amor é o único sentimento digno de cuidado e renúncia. O escritor menciona que ainda que ele próprio se veja diante do maior encanto, o seu pensamento, isto é, a sua mente se encantará mais pelo seu amor/ pela sua coisa amada.
Na segunda estrofe, há a exaltação do amor e o reconhecimento de duas vertentes opostas ligadas, diretamente, a esse sentimento. São elas: riso/ contentamento versus pranto/ pesar. A intenção da fidelidade caracteriza esse quarteto quando se identifica o compromisso da pessoa que ama com a pessoa amada, em ambos os ambientes.
No primeiro terceto, Vinícius aborda que, do mesmo modo que a morte é responsável por encerrar a vida, a solidão também encerra o amor.
Na última estrofe, o poeta traz à tona a questão do caráter temporário do amor comparando-o a uma chama de fogo (que rápido se apaga), mas desejando que mesmo sendo assim, tenha expectativa eterna enquanto esse sentimento existir.

Em suma, Vinícius de Moraes foi um grande poeta, entre tantas outras coisas que se propôs a ser. Suas poesias e canções expressam, realmente, o sentimento da alma coletiva brasileira e encantam, até hoje, pessoas de diversos países no mundo todo. Imortalizado pela parceria com Tom Jobim e a sua “garota de Ipanema”, o nosso poeta transformou, e ainda transforma, o ser humano com seus textos e músicas. Escreveu sonetos, compôs letras para a grande Bossa Nova, criou crônicas que falavam sobre o amor, foi um grande pensador, louvou sentimentos como a amizade, exaltou a mulher e o amor... Vinícius de Moraes nos deixou seu ideal poético, nos deixou poesia em forma de música e nos deixou, também, SAUDADES...

A MULHER QUE PASSA

Meu Deus, eu quero a mulher que passa.
Seu dorso frio é um campo de lírios
Tem sete cores nos seus cabelos
Sete esperanças na boca fresca!

Oh! Como é linda, mulher que passas
Que me sacias e suplicas
Dentro das noites, dentro dos dias!

Teus sentimentos são poesia
Teus sofrimentos, melancolia.
(…)

Meu Deus, eu quero a mulher que passa!

(…)
Por que me faltas, se te procuro?
Por que me odeias quando te juro
Que te perdia se me encontravas
E me encontrava se te perdias?

(Vinícius de Moraes)

Dica para quem quer conhecer mais sobre a Vida e a Obra de Vinícius de Moraes:
O documentário brasileiro “Vinícius”.

C H A P L I N I A N A

2008-01-20T16:37:00.000-08:00

Com um pouco de atraso mas ainda há tempo, venho divulgar uma homenagem ao inconfundível Charles Chaplin que está acontecendo no Museu de Arte Moderna no RJ. Os filmes são projetados numa sala de exibição pra todos aqueles que se interessarem e passarem por lá para conferir e, muito importante, de graça! Não percam!

Chapliniana

A Cinemateca apresenta uma retrospectiva com filmes do Charles Chaplin, uma das mais expressivas e famosas figuras do cinema mundial. Nascido em Londres, cujos pais eram do music hall, debutou nos palcos aos 5 anos de idade. Aos 8 já era um artista profissional, integrando uma trupe de crianças dançarinas.

Durante sua segunda turnê pelos Estados Unidos, em 1912, foi convidado a participar de um espetáculo teatral de Mack Sennett, então chefe da Keystone, fazendo no ano seguinte seu primeiro filme, Making a living (presente na mostra). Chaplin participou de 35 filmes, como ator, roteirista e diretor, durante a fase da Keystone, onde ele criou seu personagem imortal – o vagabundo. Em 1919 ele fundou a United Artists Corporations, em parceria com Mary Pickford, Douglas Fairbanks e D. W. Griffith.

Esta retrospectiva traz desde alguns curtas-metragens do início de sua carreira, até alguns longas-metragens clássicos do cineasta.

qui 17
18h30 Sala Escura – Sessão latina Frida natureza viva Frida naturaleza viva de Paul Leduc. México, 1984. Com Ofélia Medina, Juan José Gurrola, Salvador Sánchez. 108’.
>>Um filme sobre a pintora Frida Kahlo, onde a câmera, mais do que simplesmente contar a história da artista, desenha no espaço, compondo imagens que procuram se expressar quase sem qualquer apoio de diálogos ou de narração.

sex 18
18h30 Chapliniana Casa de Penhores The Pawnshop de Charles Chaplin.EUA, 1916. Com Charles Chaplin, Albert Austin. Ombro armas Shoulder Arms de Charles Chaplin. EUA, 1918. Com Charles Chaplin, Edna Purviance. Legendas em português. Cópia em DVD.
>>No primeiro filme, Chaplin é um empregado de uma casa de penhores, onde se mete em muitas confusões, como insultar os clientes ou limpar um ventilador em movimento. No segundo, ele está em treinamento no exército, durante a Primeira Grande Guerra.

sab 19
16h Chapliniana O Casamento de Carlitos Tillie’s punctured romance de Mack Sennett. EUA, 1914. Com Marie Dressler, Chales Chaplin, Mabel Normand. Intertítulos em inglês. 73’. Cópia em DVD. Sessão com acompanhamento de piano ao vivo por Cadu.
>>Farsa sobre os engodos de um malandro urbano engenhoso e sua namorada, tendo por vítima uma matrona.

18h Chapliniana O Garoto The kid de Charles Chaplin. EUA, 1921. Com Charles Chaplin. Jackie Coogan, Edna Purviance. Intertítulos em inglês. 59’. Complemento Vida de cachorro A Dog’s life de Charles Chaplin. EUA, 1918. Com Charles Chaplin, Henry Bergman.
>>O vagabundo adota um menino abandonado, neste que é um dos filmes mais populares do cineasta, reunindo os personagens que costumavam povoar os seus filmes curtos.

dom 20
16h Chapliniana Carlitos quer casar A Jitney elopement de Charles Chaplin. EUA, 1915. O lado ensolarado do campo Sunnyside de Charles Chaplin. EUA, 1919. Com Charles Chaplin, Edna Purviance. Legendas em português. Cópias em DVD.
>>No primeiro filme, Carlitos se apaixona e resolve se casar. Em O Lado ensolarado do campo, ele trabalha em um Hotel na cidade de Sunnyside e tem um chefe durão que o obriga às mais variadas tarefas.

18h Chapliniana Em busca do ouro The Gold rush de Charles Chaplin. EUA, 1925. Com Charles Chaplin, Georgia Hale, Mack Swain. Intertítulos em inglês.
Na febre do ouro, um prospector solitário vai ao Alasca em busca de riqueza.

sex 25
18h30 Chapliniana O Balneário The Cure de Charles Chaplin. EUA, 1917. Com Charles Chaplin, Albert Austin. Pastor de almas The Pilgrim de Charles Chaplin. EUA, 1923. Com Charles Chaplin, Edna Purviance, Mack Swain. Legendas em português Cópias em DVD.
>>Em O Balneário, Chaplin decide fazer um tratamento de água, mas leva bebida alcoólica para o resort. Descoberto, o gerente manda que ele esvazie a garrafa, e o líquido cai nas “águas curativas”. No segundo filme, foragido da polícia, ele se disfarça de pastor e é aceito pela congregação de uma pequena cidade.

sab 26
16h Chapliniana Um dia cheio A Busy day de Charles Chaplin. EUA, 1914. Com Charles Chaplin, Mack Swain. Laços de liberdade The Bond de Charles Chaplin. EUA, 1918. Com Charles Chaplin, Edna Purviance. Carlitos dançarino Tango Tangles ou Charlie’s Recreation de Charles Chaplin, Ben Turpin. EUA, 1914. Com Charles Chaplin. Uma noite fora A night out de Charles Chaplin. EUA, 1914. Com Charles Chaplin, Fatty Arbuckle. Legendas em português. Cópias em DVD.
>>Programa com curtas do início da carreira de Chaplin, alguns ainda realizados na Keystone.

18h Chapliniana O Circo The circus de Charles Chaplin. EUA, 1927. Com Charles Chapllin, Allan Garcia, Merna Kennedy. Intertítulos em português.
>>Comédia dramática em que o vagabundo, perseguido pela política, se mete em um circo e se transforma em atração.

dom 27
16h Chapliniana Carmen Charles Chaplin’s burlesque on Carmen de Charles Chaplin. EUA, 1916. Com Charles Chaplin, Edna Purviance, Lawrence A. Bowes. O teatro Night in the show de Charles Chaplin. EUA, 1915. Com Charles Chaplin, Fred Goodwins, Bud Jamison. Carlitos Reporter Make a living de Henry Lehrman. EUA, 1914. Com Charles Chaplin, Chester Conklin.
>>Programa de curtas, que traz o primeiro filme de Chaplin Make a living, e uma adaptação livre de Carmen de Prosper Mérimée, onde ele não interpreta seu clássico vabagundo.

18h Chapliniana Tempos modernos Modern times de Charles Chaplin. EUA, 1936. Com Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman. Legendas em espanhol. 89’.
>>Carlitos às voltas com o mundo mecanizado e industrial. Filme mudo realizado em plena era do cinema sonoro.

Maiores informações:

Museu de Arte Moderna


	Av Infante Dom Henrique 85
	Parque do Flamengo
	Rio de Janeiro
	Brasil
	20021-140

	+55 (21) 2240 4944
	+55 (21) 2240 4899

Horários (podem sofrer modificações) ter - sex 12h - 18h sab - dom e feriados 12h - 19h A
bilheteria fecha 30 min antes do término do horário de visitação.

2008-01-20T05:08:00.000-08:00

A tempos não escutava uma “banda nova” tão influente, coesa e simultaneamente repleta de músicas de energia fascinante. Espero com certeza que Bloc Party ao contrário de várias "novas promessas", venha para ficar.

Bloc Party é uma banda de art rock, pós-punk e indie rock, formada em 2002 na cidade de Essex na Inglaterra. A banda tem muita influencia no som produzido por grandes bandas dos anos 80 como Joy Division (depois New Order), The Cure e dos anos 90 como Radiohead (lembrando que o guitarrista é a cara de *) e incrementando e inovando com elementos do movimento pós-punk (seja lá o que for isso).

A banda é formada por Keke Okereke (guitarra e vocal), Russel Lisack (guitarra), Gordon Moakes (baixo e vocal) e Matt Tong (bateria).“Like Eating Glass”; “Helicopter”; “Banquet”; “This Modern Love”, “So Here We Are” e “Plans”, músicas do já classico Silent Alarm de 2005 são letras fortíssimas, intensas, hipnotizantes e viraram hits no meu pc desde que comecei a escutar. Mas existem ainda outras grandes músicas como “I Still Remenber” do segundo disco da banda A Weekend in The City lançado ano passado que estou ainda a escutar.

Bloc Party vem salvando o mundo da música mediocridade do mundo pop atual. Não inova em praticamente nada, porém, é tudo tão bem pensado e executado que mereceu o meu respeito e o da crítica por eles. Escute, recomendo e incentive outros a escutar por que vale muito a pena.

Sweeney Todd: O barbeiro demoníaco da rua fleet

2008-01-18T10:24:00.000-08:00

Mais uma parceria entre Johnny Depp e o diretor Tim Burton deve ser um dos destaques nos cinemas mundiais. O musical “Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet” sai da Broadway e vai para as telonas prometendo muita vingança e obscuridade. Espuma de barbear, lâmina bem afiada, uma cadeira reclinável, posição vulnerável. A descrição de um salão de barbearia deve provocar calafrios em qualquer um que conhece a história de Sweeney Todd, um barbeiro serial killer. Uma a uma as vítimas eram degoladas e seus corpos transformados em carne para rechear as tortas de Mrs. Lovett, companheira de Todd.

Em 1973, a história, supostamente baseada em fatos reais, foi reformulada pelo dramaturgo inglês Christopher Bond. Com elementos do clássico “O Conde de Monte Cristo”, Bond deu motivação ao personagem que, até então, era apenas um assassino. O passado de Todd, um homem preso injustamente chamado Benjamin Barker, deu alma à figura aterrorizante.

O roteiro do filme foi baseado nessa versão composta por Stephen Sondheim, uma das mais brilhantes mentes musicais de todos os tempos. Sua idéia era carregar de humor e música uma obra essencialmente de terror e, para que isso funcionasse, escreveu canções infalíveis. Romântico incorrigível, não deixou de lado a frieza e a dramaticidade de Sweeney, como em “Epiphany”.

As melodias variadas e as letras brilhantes contam, praticamente sozinhas, o trajeto de Benjamin Barker de volta a Londres após passar 15 anos preso na Austrália. O barbeiro não enxerga mais no horizonte da cidade a beleza vitoriana que um dia viu ao lado de sua esposa Lucy e da filha Johanna. Já Anthony, um marinheiro que resgata Todd das águas, é o oposto. Ama a cidade em que nasceu e nela enxerga esperança. Enquanto Sweeney Todd encontra refúgio na casa de Mrs. Lovett, uma mulher apaixonada que fabrica “as piores tortas de Londres”, Anthony encontra Johanna, uma jovem por quem se apaixona prontamente.

São duas histórias, uma cheia de romance e promessas, e outra sombria, vingativa. Mrs. Lovett dá a Todd as navalhas que guardou durante tanto tempo e, confiando nas únicas amigas que teve, o barbeiro retoma a profissão que foi forçado a abandonar. É nas navalhas que vê refletida uma maneira de se vingar daquele que o separou de sua família, Juiz Turpin. Entretanto, toda a cidade, cúmplice do que aconteceu, sofrerá por ter assistido calada às injustiças cometidas.

A descrição do personagem principal nas primeiras linhas de “The Ballad of Sweeney Todd” explicam o porquê de Tim Burton ser um apaixonado pelo musical criado por Sondheim: “Sua pele era pálida e seus olhos estranhos”. Burton moldou personagens que se tornaram ícones da estranheza e são caracterizados pelos mesmos adjetivos.

Johnny Depp, que imortalizou “Edward Mãos de Tesoura”, de Burton, foi chamado para viver o personagem título. A parceria do ator com o diretor funcionou outras cinco vezes e a presença de Depp garante grandes lucros a um musical pouco conhecido. O papel de Mrs. Lovett ficou para Helena Bonham Carter, esposa de Burton e figura registrada em seus filmes mais recentes.

O elenco chama a atenção também com Sacha Baron Cohen, que surge como o barbeiro concorrente Adolfo Pirelli, um charlatão que Todd não hesita em desmascarar. Timothy Spall interpreta Bamford, o eterno comparsa do vilão Turpin, personificado por Alan Rickman.

Entre personagens vingativos, loucos, cruéis ou impostores, são os jovens Johanna, Anthony e o inocente Tobias Ragg que adicionam suavidade à obra. Burton optou por colocar Jamie Campbell Bower e Jayne Wisener, de 18 e 19 anos, respectivamente, para interpretarem o casal apaixonado Anthony e Johanna. Ed Sanders foi o escolhido para o papel do pequeno Tobias.

A fotografia escura de Tim Burton e sua direção sóbria deverão dar mais peso a uma história que há muito foi registrada no mundo do entretenimento. Stephen Sondheim atingiu um grande público com sua música memorável, mas é Burton quem irá popularizar as letras que pedem por vingança.

O longa recebeu quatro indicações ao prêmio Globo de Ouro, vencendo na categoria de Melhor Filme de Comédia ou Musical e Melhor Ator de Comédia ou Musical para Johnny Depp. Helena Bonham Carter foi indicada a Melhor Atriz e Tim Burton a Melhor Diretor, mas não saíram vitoriosos.

Estando em cartaz nos cinemas americanos desde dezembro, o filme já ultrapassa a quantia dos US$ 44 milhões arrecadados. No Brasil, o longa chega apenas em 8 de fevereiro.

Tim Burton fala sobre a necessidade do sangue no filme

Questionado em recente entrevista sobre a necessidade de tanto sangue em "Sweeney Todd", o diretor Tim Burton ("A Noiva Cadáver") salientou a importância de tais recursos para seu novo trabalho. Segundo ele, se fosse alguma coisa diferente do que pode ser conferido nos cinemas, o filme não teria atingido seu objetivo final.

O diretor, que chegou a ter algumas de suas cenas repensadas pela DreamWorks, que achou que o excesso de sangue na tela aumentaria drasticamente a censura, recusou-se a deixar seu filme mais leve. De acordo com ele, tudo foi deixado às claras desde o princípio entre ele e os chefões do estúdio, que concordaram com sua opinião.

E, incrivelmente, para dar ainda mais vivacidade à cor e textura do que ele considerou fundamental para dar vida à sua trama, ele usou o laranja. "Era nosso ingrediente especial, muito pegajoso, muito doce e que queimava seus olhos", contou satisfeito.

A história do barbeiro vingativo deve chegar às telas brasileiras em fevereiro. Na trama, um homem tem sua vida destruída e jura vingança ao sair da cadeira, tornando-se então Sweeney Todd.

Fonte: Cinema com Rapadura

2008-01-16T19:29:00.000-08:00

Gostaria apenas de informar a todos que, após um período de poucas publicações aqui, tentaremos retomar as atividades no ritmo anterior. Para tal, escreverei nos dias vindouros sobre algumas obras de Kubrick e Scorsese (dois dos meus diretores favoritos) com o intuito de analisar e incentivar a analise dessas obras de tamanha importância pra cultura cinematográfica mundial.
Além disso, continuaremos contando com a colaboração do Julio, principal responsável pelos últimos posts desse blog. Contaremos ainda com a participação de mais uma pessoa que tratará de expandir o próprio conceito desse blog, escrevendo principalmente sobre literatura. Ela se chama Karla Louise e está terminando sua graduação em letras (português/hebraico) além de outras atividades extra acadêmicas.
Obrigado a todos por continuarem a frequentar o blog apesar do período de poucos posts e esperamos que possamos gradativamente retornar às atividades e amplia-las.

Até breve!

Fergie e a consciencia social

2007-12-27T08:08:00.000-08:00

Esta notícia tive de reproduzir, porque vemos a “consciência social” das pessoas de renda alta. Escutava muito isso quando fazia cursinho, mas as pessoas não entendem o que é não ter oportunidade na vida, acham que uma pessoa que vive na favela por exemplo tem condições claras e objetivas de ascensão social, óbvio que o meio nunca é determinante mais que exercer uma grande influencia sobre os indivíduos não tenha dúvida, e complementando, é evidente que alguns conseguem sair deste meio com dignidade, porém o número é muito menor do que seria minimamente aceitável. As pessoas carentes, mas do que a violência física, sofrem de outra tão cruel quanto que é a moral.

Acho a Fergie muito gostosa, se é inteligente não sei, e também com um corpo e peitão desses... hã, mas retomando o raciocínio, o que ela falou não é nada de novo, ao menos ela tornou público seu real pensamento, que é o mesmo de muitas pessoas da elite pelas pessoas carentes, pois por trás dos valores morais, escondemos nossos maiores preconceitos. Quem observa de fora não tem a mínima idéia do que se realmente pensa por trás dos discursos burgueses, nas políticas e, sobretudo, na cabeça destas pessoas. Engana-se quem pensa que o mundo real quem detém o poder são os poderes visíveis e as leis escritas. O mais importante não é dito, nem escrito e nem contabilizado.

A matéria foi publicada na Revista Isto É de 26/12/07

A cantora Fergie se comparou a princesa Diana numa entrevista a revista americana Blender. “Sou como Lady Di, a princesa do povo. E sou um pouco mais humana que outros artistas porque não tenho medo de mostrar minhas falhas”. É antigo o desejo da cantora de ser coroada pelo povo e, segundo a própria assessoria, ela participa de projetos sociais para mudar a sua imagem diante do público que muitas vezes a julga “oportunista”. As tentativas, no entanto, muitas vezes pioram ainda mais as coisas.

Fergie é extremamente atrapalhada com as palavras. Em seu último programa social com menores necessitados do Brooklyn, dando aulas de estética visual para meninas, ela disse: “Não é porque essas meninas são sem futuro que elas precisam andar mal vestidas. Têm de aprender desde cedo que o importante é mostrar no look alguma rebeldia e liberdade de escolha, não importa se é com uma blusa de mil dólares ou um saco de farinha reciclado”. A imprensa americana fez duras críticas à cantora e lhe deu um novo adjetivo: fútil.

Nacho Libre

2007-12-21T18:29:00.000-08:00

Eu sou fã de luta livre... e sou fã de Jack Black (Veja o clipe Low do Foo Fighters)... os dois elementos juntos em um filme só poderia proporcionar boas risadas....

Nesta hilariante comédia Ignácio (Jack Black) é o cozinheiro de um monastério que resolve tentar a carreira de luta livre, de dia ele alimenta as crianças e de noite ele se veste como um super-herói. Apesar de servir humildemente a Deus, o jovem e inquieto monge sofre por não poder ajudar mais as crianças do convento, que vivem se alimentando de migalhas doadas à instituição, e por ter sido castrado de seu grande sonho de infância, tornar-se um importante “luchador” do esporte mais adorado em todo o México, a luta livre.

Para ajudar os órfãos a comerem melhor, sem revelar sua identidade, ele adota o codinome Nacho, usa uma máscara improvisada e roupa colante. Decide, então, entrar numa competição que oferece prêmios em dinheiro.

Usando um disfarce em um bico, ele é expulso pela igreja que cuida do orfanato. Quando ele vence um famoso lutador do México chamado Luchador e distribui o seu dinheiro para os orfanatos, ele acaba tornando-se um herói local.

Nesse meio tempo aparece em seu caminho uma bela freira que desperta uma paixão proibida, chega a inventar até uma música para ela, na qual a letra diz que... é sei lá... veja e tire suas próprias conclusões, pois pode ser impróprio para o horário...

Os méritos para o sucesso do filme são diversos, fazendo você dá risada do inicio ao fim. A começar pelo excelente roteiro; um humor fortemente anárquico através de cenários e figurinos multicoloridos que deu uma cara cartunesca ao filme, além de personagens e lutas hiper bizarras que permeiam os melhores momentos da obra. Finalmente temos as atuações de Jack Black e Héctor Jiménez que de inimigos passam a companheiros de luta, formando uma “imbatível” dupla. Black com sua “exuberante” barriga e Jiménez com sua força descomunal.

Nacho Libre é uma homenagem e também uma sátira a um esporte que é essencialmente engraçado e performático, a Luta Livre brow!!!. O esporte teve grande popularidade e relevância no Brasil até a década de 80, quando o popular programa Telecatch ainda era exibido semanalmente em canais de televisão como Rede Manchete e SBT, hoje quem gosta do esporte acompanha via Youtube, ou pelo canal FX, ou ainda pelos games que são lançados anualmente... no entanto, o SBT recentemente adquiriu os direitos de transmissão de WWF (a luta livre americana) e prometia estreá-lo dia 15 de dezembro, depois como é característica da emissora, adiou para janeiro a estréia... agora é esperar...

O filme estreou no Telecine Premium, acho q fica em cartaz o mês inteiro, assista porque é muito engraçado.

GREVE DOS ROTEIRISTAS: EPISÓDIOS INÉDITOS DAS SÉRIES ESTÃO CHEGANDO AO FIM

2007-12-20T06:42:00.000-08:00

A greve dos roteiristas americanos chega a quase um mês e meio de duração e segue fazendo estragos na programação das emissoras americanas. A maioria das séries só tem mais um ou dois episódios inéditos para exibir e depois sabe-se lá quando volta ao ar. Porque, mesmo com um desejado fim da greve, vai levar semanas até que os estúdios tenham prontos novos episódios...

Veja abaixo a situação atual de vários seriados na TV americana:- "24 Horas" - O sétimo dia de cão de Jack Bauer pode ter seus primeiros 12 episódios indo ao ar no começo do ano que vem, e o restante ficaria para o outono americano a partir de setembro. -

"30 Rock" - O único episódio inédito da segunda temporada, o décimo, vai ao ar em 10 de janeiro.-

"Desperate Housewives" - O décimo episódio do quarto ano é o único inédito, e deve ser exibido nos EUA em janeiro.-

"CSI" - Só há mais dois episódios inéditos, ainda sem data certa para exibição.-

"Family Guy" - Em janeiro, a Fox americana optou por alternar episódios inéditos e reprises.-

"Grey's Anatomy" - Só há mais um episódio inédito da quarta temporada (o 11º), que vai ao ar em 3 de janeiro.-

"House" - Os três únicos episódios novos da série do doutor enxaqueca só deverão ser exibidos no ano que vem - e um deles irá passar na TV americana logo após do Super Bowl, a final do campeonato profissional de futebol americano. No total, 12 episódios foram produzidos.-

"The Office" - A quarta temporada da série parou no oitavo episódio. -

"Supernatural" - O último e pisódio inédito vai ao ar em 17 de janeiro nos EUA.-

"Private Practice" - O spin-off (série que deriva de outra) de "Grey's Anatomy" centrado na nova vida da doutora Addison teve apenas nove episódios exibidos.-

"Pushing Daisies" - O último episódio inédito é o nono, e foi exibido na semana passada.-

"Samantha Who?" - A série só volta em janeiro, e tem mais três novos episódios , somando 12 episódios.-

"Os Simpsons" - O número de episódios inéditos é o suficiente para compôr uma temporada completa.-

"Ugly Betty" - A segunda temporada da série ainda tem três episódios inéditos, totalizando 13 episódios.-

"CSI:NY" - Tem mais três episódios inéditos, que devem ir ao ar em janeiro.-

"My Name is Earl" - O último episódio inédito vai ao ar em 10 de janeiro.-

"Scrubs" - A série terá seu último episódio pré-greve exibido em 7 de fevereiro. Para amenizar o impacto dos tempos de "vacas magras", as emissoras americanas têm ao seu favor as previsões de estréias de algumas novidades e as de temporadas de atrações já conhecidas do público: -

"Cashmere Mafia" - Misto de drama e comédia protagonizada por Lucy Liu, a série tem sete episódios e deverá estrear no começo do ano.-

"Jericho" - A segunda temporada volta à TV americana em fevereiro e terá sete episódios.-

"Law & Order" - A série policial começa sua 18ª (!) temporada no dia 2 de janeiro.-

"Lipstick Jungle" - Estrelada por Brooke Shields e Kim Raver (a Audrey de "24 Horas"), será lançada na TV americana dia 7 de fevereiro.-

"Lost" - A quarta temporada da trama de Jack e companhia estréia no dia 31 de janeiro nos EUA, e pode ter apenas oito episódios caso a greve se prolongue.-

"Medium" - A quarta temporada começa nos Estados Unidos dia 7 de janeiro, e tem nove episódios já prontos.-

"The New Adventures of Old Christine" - Em 28 de janeiro começa a terceira temporada, que tem pelo menos oito episódios produzidos.-

"Terminator: The Sarah Connor Chronicles" - A primeira temporada da atração inspirada na heroína dos filmes da série "O Exterminador do Futuro" tem 13 episódios completos, e chega às telinhas dos EUA dia 13 de janeiro.

Fonte: Séries Etc.

Radiohead pára com o download

2007-12-09T05:55:00.000-08:00

Depois do dia 10, disco In Rainbows, oferecido pela banda de graça na internet, só será distribuido oficialmente em CD

A banda inglesa Radiohead anunciou nesta quarta-feira, 5, que vai encerrar o serviço de download do seu disco mais recente, In Rainbows. O último dia para os internautas darem seu preço pelo disco, ou até baixá-lo de graça, é segunda-feira, 10.

O serviço estava disponível desde outubro.O grupo também anunciou que vai parar de produzir a edição especial de In Rainbows, que vinha com dois vinis e um livro, vendida por oitenta libras (mais de R$ 300).

O estoque restante está à venda na loja virtual da banda.Quem perder a oportunidade de baixar legalmente o álbum, só poderá adquirir o disco quando ele for lançado em CD, em 31 de dezembro.

Fonte: Rolling Stone

Turn My Way - E o imediatismo da vida moderna

2007-12-06T17:22:00.000-08:00

My Way - New Order
Take my hand
And don't let go
Trust this man
And let it flow

Don't take me down
Cause I'm not done
Don't steal my crown
Before it's won
The wide expanse
The wheel of chance
Will turn my way
The sky will not be gray
I don't wanna be like other people are
Don't wanna own a key, don't wanna wash my car
Don't wanna have to work like other people do
I want it to be free, I want it to be true

Take my hand
And don't let go

Trust this man

And let it flow

I drank in every bar in town
I filled my cup when I was down
I saw the things I wanted to see
Became the man I wanted to be
But then somehow I lost my way
I've got to get back there today

I don't wanna be like other people are

Don't wanna own a key, don't wanna wash my car

Don't wanna have to work like other people do

I want it to be free,

I want it to be true (3X)

I don't wanna be like other people are
Don't wanna own a key,
Don't wanna wash my
lie awake at night, or wait until it's light
I want it to be free,
I thought that I was right

Tought that I was right
Tought that I was right
Tought that I was right
Tought that I was right
Tought that I was right

Com o imenso imediatismo da vida moderna, muitas vezes nos esquecemos de dar valor as coisas que são realmente importantes, e isto ocorre em praticamente em todas as esferas de nossa vida social. Pensando nisto, lembro que dias atrás, vai, to mentindo cerca de uns três meses atrás, cheguei da faculdade bastante cansado, estressado com a rotina massacrante de ter de ler um número expressivo de textos em um período curto de tempo. Em casa, liguei o pc e cliquei no Media Player, escolhendo todas as músicas que tinha e deixando de modo aleatório. Deitei na cama ficando a escutar várias musicas aleatoriamente, estava quase dormindo até que toca uma música bem construída, com um andamento fantástico e praticamente desconhecida, logo me levantei e fui ver que música era.

A musica como podemos observar acima era Turn My Way do New Order e faz parte do álbum Get Ready. O mais interessante é que eu tinha esta música há tempos e nunca a havia escutado, pelo menos não com a atenção de agora. Neste sentido fiquei depois me perguntando sobre outros tantos álbuns que escutei e não dei a devida atenção, às vezes chegando ao absurdo de avaliá-lo como ruim sem ao menos tê-lo escutado inteiro uma única vez. A condenação precede o julgamento, pois o que está em jogo não é a apuração ou a “verdade”, mas a consolidação e a universalização de uma visão prévia que se espera tornar geral e aceita. Logo então para escrever este post refleti que este deve ser também uma das razoes de os tradicionais Vinis ainda serem hoje tão cultuados. Ouvimos muita coisa e muita coisa ruim e não mais paramos para sentir de fato a mensagem de uma música, filme, livro, queremos sempre tudo para ontem. Com a Internet se por um lado nos proporcionou acesso a inúmeras bandas surgirem por outro não existe mais um filtro, que seleciona aqueles que realmente são bons dos ruins.

A música é um veículo privilegiado de expressão, criação e reflexão sobre valores e idéias de uma sociedade, e devemos elucidar que a natureza de suas produções e suas influências ajudam a modelar o caráter e a direção da cultura norte-americana – e não somente ela. O rock infelizmente hoje perdeu a aura de estranhamento e desajuste com o meio social, não é mais um símbolo de resistência contra aos rumos da nossa sociedade, que cada vez mais se fragmenta, esvaziando de sentido os laços de humanidade.

Problematizar a realidade social vivida, como a música faz de modo brilhante, por essência, é uma forma de intervenção no mundo, uma tomada de posição, uma decisão, por vezes, até uma ruptura com o passado e o presente. O discurso que nos é dado ver é o da mídia nos alimentando com uma imagem de avanço e progresso, contudo, parece que não se anda levando em consideração o que realmente o ser humano procura ou busca, difícil encontrar um propósito para vida, parecem que os roqueiros de hoje esqueceram o que faz do rock, rock. Discutindo com um colega certo dia nos questionamos qual foi o último cara que você viu quebrar uma guitarra no palco?

Em uma análise sociológica, você não pode apenas tentar se pôr no lugar daquele que está falando e deste modo pensar ver toda a complexidade do espaço social a partir apenas deste ponto de vista. Não basta conhecer os fatos sociais formalmente, é preciso entender as relações que regem determinada conjuntura, devemos ir para além das aparências. A mais cruel camuflagem para a violência dos códigos é o hábito. Não é à toa que o pensamento mais conservador é defensor do ‘respeito às regras’, ou seja, a contratos que regem direitos, que muitas vezes são para poucos. Supõe que não haja alternativas, é necessário entender a conjuntura histórica / tensão permanente, estranhamento e fascínio e sensação de inquietação.

Praticamente tudo atualmente é configurado num clima de rendição ideológica, com as pessoas se esquivando das responsabilidades pela miséria, pela violência, pelas guerras, pois transformar é agir contra uma lógica de mundo que, no fundo, é desejada pelas pessoas, ou isto não é verdade? Quem observa o faz sempre de um certo ponto de vista, o que não situa o observador em erro. Muito difícil encontrar um saída para alem das estruturas estabelecidas. O erro na verdade não é ter um certo ponto de vista, mas absolutizá-lo e desconhecer que, mesmo do acerto de seu ponto de vista, é possível que a razão ética nem sempre esteja com ele. Não devemos estar sempre demasiado convicto de nossas certezas.

Condenam-se esta prática e seus agentes, antes de se tentar entender o que acontece com as pessoas, inseridos em um contexto de perda de valores, de frustrações, de falta de expectativas, de violência. Daí a crítica permanente presente à crueldade do sistema capitalista, ao cinismo de sua ideologia fatalista e a sua recusa inflexível ao sonho e a utopia, hoje a vida humana praticamente não tem um propósito, algo que a música a todo momento nos faz refletir, será que realmente estou afim de seguir as normas que nossa sociedade nos obriga a cumprir?

É importante ressaltar ainda que musicas não são teses, e sim obras artísticas; portanto, seu significado não só é aberto como sujeito a diferentes interpretações em circunstâncias e pontos de vista não necessariamente excludentes.

Um dos impulsos mais freqüentes das praticas sociais é a naturalização. Sua tendência é de apresentarem os fatos sociais como eternos, imutáveis, distantes e obrigatórios. Deste modo, o meio social muitas vezes nos ofusca a capacidade de refletir, de sonhar, de acreditar na capacidade de mudança. Contudo, devemos pensar que todos os modelos de organização das sociedades foram construções sociais, podemos ter esperança, pois tudo que foi socialmente construído, também pode ser desconstruído.

Nossas ações individuais são limitadas, apenas atuando em conjunto, ou estando em uma posição dominante, é possível mudar as realidades, contudo, nunca devemos desconsiderar a capacidade de resistência dos agentes. Por isso é interessante observar na letra quando ele fala que não quer fazer o que outras pessoas fazem, não quer ter de lavar o carro, ter suas próprias chaves, não quer ter de trabalhar, algo totalmente utópico nos dias de hoje.

Deste modo, nesta música o New Order soube exprimir ao mesmo tempo com simplicidade e profundidade, além do seu sentimento pessoal, todo o sentimento de sua época. Condensou tanto as idéias e as emoções do homem comum de forma simples e cheia de significados, como não ouvia há muito tempo.

Concluindo, os fatos sociais nunca são simples, pelo contrário, são sempre complexos e muitas vezes contraditórios. Um determinado valor vai sendo confirmado por determinadas regras, e existem sempre múltiplos agentes envolvidos no envolvimento na estrutura dos fatos. A violência simbólica, assim, é a aceitação dos princípios de percepção, classificação e hierarquização dos dominantes pelos dominados, camuflando e naturalizando a dominação. Os dominados passam a atuar de acordo com estes princípios, colaborando-os e reforçando-os na sua tentativa de se encaixar neles. Por outro lado, caso tentem desvencilhar-se deles, podem reforçar sua condição subalterna. Sendo assim apesar de tentarmos muitas vezes fugir destas estruturas de nossa sociedade, muitas vezes acabamos simplesmente por reproduzi-las.

O propósito da musica é nos conduzir a pensar sobre as relações sociais existentes. O silêncio ao qual estamos habituados sobre esses fatos ilude a ponto de supor que não existem ou que não possuímos responsabilidade sobre eles; assim, equivocadamente, passa-se a acreditar que são valores permanentes aos seres humanos. Deste modo, nega-se a debatê-los e eles se tornam um assunto deixado de lado, quando deveriam ser combatidos. Apesar das estruturas sociais serem complexas, rígidas e desiguais, nunca são perpetuas, uma prática pode ser abandonada pelos agentes, além disso, o agente sempre possui alguma liberdade, podendo transformar a realidade.

Os mecanismos narrativos carregados de estranhamento, na forma de reação do compositor (não quero ter de trabalhar...) e a conseqüente reação do meio externo (então você vai morrer de fome), dão pistas de outras instancias significativas pelas quais o ouvinte tropeça e acaba questionando a si mesmo, compreendendo não apenas o dado pela letra d musica, mas relacionando com sua própria condição no mundo real. Fazendo uma analogia, recentemente vendo um episódio dos Simpsons, o Homer faz a seguinte indagação a Marge: “É assim que você imaginava sua vida quando casado?”. Querendo dizer que todos temos muitos sonhos mas quem na realidade realiza ao menos parte dele?

A crítica de Turn My Way permanece atual sendo inevitável a comparação com a realidade presente. Grande Música.

Trabalho dos roteiristas de Hollywood é muito mais que escrever histórias

2007-11-12T05:07:00.000-08:00

Na indústria do entretenimento, escrever é muito mais do que colocar palavras numa página. Os milhares de membros da Writers Guild of America (associação norte-americana de roteiristas), que entraram em greve por causa de um desacordo contratual na última segunda-feira, não largaram apenas roteiros de cinema e TV – eles também estavam criando textos para o programa de perguntas e respostas “Jeopardy!” e falas para “Dancing with the stars”.

Eles também editam o trabalho de seus colegas, dando mais vida ao texto como “formadores de opinião” de cinema ou fazem com que relacionamentos que estão acabando numa novela entrem nos eixos de novo quando desempenham o papel de editores de roteiro. Eles podem trabalhar sozinhos ou fazer parte de uma sessão de brainstorming completamente livre. As semanas de trabalho deles podem ser de organizadas 40 horas ou de mais de 80 horas, em ritmo alucinado.

O pagamento pode ser de US$50 mil por um roteiro original ou ultrapassar US$1 milhão para um roteirista de primeira linha ou roteirista-produtor encarregado de um programa de TV que é um sucesso. E, ao contrário do que se acredita, nem todos os roteiristas estão alocados na ensolarada Los Angeles: dos 12 mil roteiristas registrados na Writer´s Guild norte-americana, cerca de 4 mil pertencem à associação do leste dos EUA.

A maioria dos reality shows não pertencem a nenhum sindicato e filmes independentes podem ser feitos fora do escopo da associação, mas muito do que o público assiste é trabalho de roteiristas associados a ela. Seu esforço também aparece em DVDs, com a grande brecha de compensação para mídia antiga versus digital como cerne das disputas contratuais. O caminho que os roteiristas trilham em sua carreira pode ser tão dispare quanto seus empregos, como demonstrado com os cinco roteiristas abaixo.
Bill Scheft, que há muito tempo escreve os monólogos do "Late Show with David Letterman", da rede Americana de TV CBS.

Nascido em Boston, se formou em Latim em Harvard (“achei que a Igreja ia voltar ao poder”, diz ele brincando) antes de embarcar numa breve carreira como cronista esportivo e uma mais longa como comediante do estilo standup em Nova Iorque. Ele se candidatou cinco vezes ao Letterman Show, então na NBC, sendo rejeitado em todas elas. Em sua sexta tentativa, quando o programa precisava de um monólogo, Scheft foi contratado. Isso foi há 16 anos.

Seu objetivo era “ficar sozinho numa sala escrevendo piadas”, disse Scheft, 50 anos. Essa é uma descrição literal de suas condições de trabalho. “Eu adoro o “Dick Van Dyke Show”, mas isso acabou solidificando uma idéia pré-concebida das pessoas sobre a maneira como as coisas funcionam”, disse ele. Roteiristas de sitcom discutem idéias entre si; esse não é o procedimento num programa noturno, em que os redatores geralmente trabalham sozinhos.

“Cinco caras numa sala trabalhando num texto não gera tanto material quanto cinco caras trabalhando em cinco salas diferentes”, disse Shceft, parte de um quinteto de redatores que ajudam a produzir o monólogo de Letterman. Os roteiristas trabalham com um contrato de 13 semanas e se ele não for renovado, são avisados com um mês de antecedência. Para garantir seu seguro médico, eles precisam atingir a faixa salarial de US$35 mil. “Muita gente já entrou e saiu desde que estou lá”, disse Scheft.

Courtney Simon, editora de roteiro de "As The World Turns."

Simons estudou teatro na Universidade de Indiana e seguiu seu sonho de ser atriz com uma longa participação na novela “Search for Tomorrow”. Quando outra atriz decidiu tentar escrever para a TV em 1980, ela levou Simon junto. “Eu gostei e passei a trabalhar a partir daí”, disse Simon, que tem trabalhos de roteirista e editora em nove programas, entre eles “All my children”, “General Hospital” e “Guiding Light”.

Atuando como editora de roteiros em “As the world turns” desde 2000, Simon é responsável por ler cada roteiro verificando a continuidade, qualidade e fazendo “as edições de texto normais que devem ser feitas”. Ou seja, o estúdio a convoca para escrever cenas. Trabalhando quase sempre em casa, Simon vai ao estúdio uma vez por semana para se encontrar com o produtor executivo do programa, com um representante da rede de televisão e com o roteirista chefe.

Uma equipe de argumentistas produz idéias gerais para uma semana de programas, e cada um desses argumentos é encaminhado a um roteirista diferente. O roteiro então é encaminhado para as mãos de Simon, num processo que deve fluir suavemente para produzir uma hora de angústia para cada dia da semana do ano. Férias são raras. “Tento não trabalhar nos finais de semana”, disse Simon, “quando dá”.

Andrew Price, redator de "Jeopardy!"

Price, 45 anos, foi aconselhado pro sua mãe a ser contador porque era bom com matemática. “Foi a última vez que dei ouvidos a minha mãe”, disse ele. Um trabalho num laboratório de fotografia em Nova Iorque quando estava recém-saído da faculdade lhe rendeu uma produção de vídeo para artistas de performáticos, depois, trabalho de assistente de produção em filmes e comerciais.

Ele foi indicado para um emprego na MTV, onde trabalhou como redator e supervisor de roteiro e ganhou mais em treinamento do que em salário (chegando ao máximo de US$850 por semana). Ao se mudar para Los Angeles no início dos anos 90, ele começou a escrever como freelancer, vendendo roteiros para séries incluindo "Star Trek: Voyager" e um filme para o Disney Channel chamado "The Luck of the Irish."

Com um produtor com quem ele havia trabalhado, foi trabalhar em “Jeopardy!” – um

dos poucos game shows com cobertura da associação de escritores – na posição de roteirista chefe há 10 anos, Price também foi para lá, começando como pesquisador. Há três anos, ele se tornou parte de uma equipe de 10 pessoas. “O que quer que te interesse naquele dia” pode acabar se tornando uma das categorias do show, disse Price.

Se sua filha está estudando anfíbios, ele disse, os telespectadores que assistem a “Jeopardy!” recebe a mesma aula. Se por um lado o salário variando entre US$75 a US$100 é relativamente modesto em termos de Hollywood, há outros benefícios, incluindo uma atmosfera agradável para crianças. “Me sinto em casa aqui”, disse ele.
Devon Shepard, roteirista das séires “Weeds” e “Everybody Hates Chris”.

Quando o talk show de Dennis Miller foi cancelado, um assistente de produção decidiu fazer comédia standup testando seu material com platéias numa barbearia do centro sul de Los Angeles. Rob Edwards e Bennie Richburg, roteiristas de “The Fresh Prince of Bel Air” pararam, provaram um pouco da sagacidade cômica de Shepard e o convidaram a ser roteirista trainee do novo show de Patti LaBelle, o “Out All Night”, da NBC. De lá ele passou para sitcom “Fresh Prince”, de Will Smith. “Eu não olhei mais para trás”, disse Shepard, membro da Writer´s Guild há 16 anos. Outros créditos do roteirista incluem “The Waylans bros.”, “Mad TV” e, mais recentemente, “Weeds”.

Ele foi consultor de produção na sitcom “Everybody hates Chirs”, produzida por Chris Rock. No começo, há a idéia para uma história. Os roteiristas e produtores tanto de “Weeds” como de “Chris” se reúnem no estúdio para apresentar tramas e subtramas. Quando uma idéia é aprovada, ela é encaminhada para um roteirista da equipe. Roteiristas de séries ganham no mínimo US75 mil por temporada e em geral têm uma garantia contratual de que escreverão um ou dois roteiros, o que pode lhes render US$17.500 por roteiro. “Gosto de escrever em casa”, disse Shepard. “Eu não consigo escrever no escritório. Há muitas distrações”.

Warren Leight, produtor executivo da série "Law & Order: Criminal Intent."

Leight, 50 anos, de Nova Iorque, estudou comunicação na Universidade de Stanford “na ilusão de que iria me formar e me tornar jornalista profissional”. Em vez disso, ele escreveu artigos como freelancer, escreveu para um grupo de comediantes, para a TV e para alguns cineastas de segunda linha antes de se voltar para o teatro.

Sua peça de 1999 “Side Man” foi nomeada ao prêmio Pulitzer e ganhou um prêmio Tony. Selecionado para se juntar ao drama “Law & Order” em 2003, Leight começou como membro da equipe de redatores e – porque “ninguém queria subir na hierarquia” – acabou se tornando o produtor e responsável por gerenciar o programa no dia-a-dia. “Sou o cara que tem a responsabilidade final e não tem mais pra quem passar a bucha”, disse ele.

Em sua semana de trabalho de 65 horas, em média, menos que as 80 e poucas de quando começou, ele assiste aos ensaios e formula recriações instantâneas de texto, planeja episódios futuros com o roteirista designado para escrevê-los e apaga diversos incêndios. Uma locação, por exemplo, pode não ser mais possível ou um dos astros “pode estar tendo um dia ruim e eu tenho que aliviar suas preocupações”, disse Leight.

Tradução: Luiz Marcondes

Coppola toma partido de roteiristas e critica grandes estúdios

O diretor de cinema americano Francis Ford Coppola tomou partido, nesta quinta-feira (8), na greve de roteiristas nos Estados Unidos ao criticar os grandes estúdios por monopolizar os ganhos que os filmes e outras produções fora de cartaz rendem aos executivos.

"Cedo ou tarde, as grandes companhias vão ter de reconhecer que esta prática de ficar com este dinheiro a mais não é aceitável", disse o diretor de "O Poderoso Chefão" num fórum empresarial realizado na capital mexicana.

"Agora os filmes não fazem dinheiro só nos cinemas, mas com os DVDs e os lucros conexos", declarou Coppola.

Apesar das volumosas bilheterias de alguns filmes ("quantidades impressionantes") uma vez deduzidos os custos de filmagem e publicidade, elas acabam "não sendo tão" grandes, afirmou o cineasta.

A margem de lucro real, disse Coppola, está nos chamados lucros conexos, gerados a partir da comercialização de DVDs e da exploração do filme em outras plataformas.

Os roteiristas de cinema e televisão dos EUA, em greve desde segunda-feira, exigem que as redes de TV dividam com eles os ganhos obtidos com o download de séries na internet e venda de DVDs.

Preparados para greve longa

A indústria televisiva e cinematrográfica, representada pela Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTP), afirmou, após a suspensão das negociações com o sindicato dos roteiristas, o Writers Guild of America (WGA), que os produtores estão preparados para uma greve prolongada

"A greve se fundamenta numa divisão mais justa dos ganhos conexos (...), porque neles estão o lucro", disse o veterano diretor.

Coppola declarou ainda que os altos salários dos executivos e os bônus que eles ganham são pagos com o lucro abundante gerado pelo mundo do cinema.

O diretor também destacou o lado positivo de produzir seus próprios filmes, como forma de evitar gastos supérfluos, que acabam no "bolso do irmão de alguém do estúdio".

Fonte: G1

Imprensa americana começa a especular sobre indicados aos Oscar

2007-11-12T04:53:00.000-08:00

A crítica cinematográfica dos Estados Unidos começou a especular sobre alguns dos favoritos para a próxima edição do Oscar, e se divide entre os recém-estreados O Gângster e Onde Os Fracos Não Têm Vez.

Apesar de afirmar que 2007 não foi, por enquanto, um ano de favoritos destacados que farão furor na cerimônia de prêmios da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, a imprensa especializada ressalta a qualidade de alguns filmes já estreados.

"Definitivamente, não há nenhum favorito. Mas isso é bom e aumenta nossas expectativas", afirma o presidente da distribuidora Miramax, Daniel Battsek, ao The Wall Street Journal.

O crítico do jornal nova-iorquino, Sam Schechner, prevê que Francis Ford Coppola e Mike Nichols, dois clássicos de Hollywood, retomarão o caminho do Oscar com Youth Without Youth e "Jogos Do Poder.

Mas as maiores apostas até o momento recaem sobre as mais recentes obras do britânico Ridley Scott e dos irmãos Joel e Ethan Coen.

O Gângster e Onde Os Fracos Não Têm Vez são filmes que dividiram as atenções da crítica graças, em parte, às atuações de seus protagonistas, Denzel Washington e Russell Crowe, de um lado, e Javier Bardem, de outro.

"A atuação de Denzel Washington como o 'chefão' do Harlem é digna do Oscar", afirma Carrie Rickey, crítica do Philadelphia Enquirer. "É um duelo emocionante. A expressão de aço de Washington pode derrotar a personalidade corrosiva de Crowe? Há um empate", acrescenta Rickey, que, no entanto, acredita que a estatueta para Crowe poderia vir por outro filme - o faroeste Os Indomáveis.

No caso de Bardem, tudo são elogios para seu papel na filme dos Coen, no qual encarna - em suas próprias palavras - a violência personificada.

"Bardem, com sua pele pálida e o pior corte de cabelo do mundo, está estupendo em seu papel, um monstro que será lembrado por anos. Por trás de seus olhos se esconde o mal, revestido com um perverso senso do humor", comenta o crítico Peter Travers, da revista Rolling Stone.

Anthony Breznican, crítico do USA Today, lembra outro nome presente nas apostas americanas: o do ator Viggo Mortensen, "carismático e ao mesmo tempo repulsivo" em seu papel de mafioso russo em Senhores do Crime.

Também se destacam os papéis de George Clooney em Conduta de Risco e de Tommy Lee Jones, em No Vale das Sombras.

Entre as mulheres, há previsão de indicações para Jodie Foster por Valente e Angelina Jolie por O Preço da Coragem, respectivamente. Mas, por enquanto, as grandes disputas estão no campo da animação. Uma estréia da próxima semana nos EUA, Beowulf, de Robert Zemeckis, surge como óbvia indicada, mas não isenta de polêmica.

Sua inclusão nesta categoria causou certa polêmica na indústria porque o Zemeckis utilizou uma técnica denominada "performance capture", que usa animação tridimensional, digitaliza os atores - incluindo suas vozes - e os transforma em imagens geradas por computador.

Concorrem com ele filmes como Shrek Terceiro, Bee Movie - A História de Uma Abelha, Ratatouille e Os Simpsons - O Filme.

Por enquanto, são apenas especulações, mas é quase certo que muitos desses títulos estarão presentes nos envelopes que serão abertos pela Academia de Hollywood em 22 de janeiro, dia em que serão anunciados os indicados ao Oscar.

Primeiro trailler de Righteous Kill

2007-11-09T08:35:00.001-08:00

Veja o trailler clicando aqui

Saiu finalmente o primeiro trailler do filme que finalmente juntou em cena dois dos maiores atores vivos no planeta: De Niro e Al pacino. Os dois astros já trabalharam em outros filmes juntos. Em “Fogo Contra Fogo”, dividiram apenas duas cenas e no clássico “Poderoso Chefão – Parte II” participaram da produção, mas não atuaram em uma mesma cena.

A história deste longa-metragem independente mostrará dois policiais veteranos de Nova York (De Niro e Pacino) tentando resolver seus próprios conflitos enquanto caçam um serial killer que faz justiça com as próprias mãos. Escrito por Russell Gewirtz (“O Plano Perfeito”) e dirigido por Jon Avnet (“Justiça Vermelha”), o filme tem estréia prevista para 2008. Confira as imagens abaixo:

Em breve um artigo especial sobre Robert De Niro e os personagens que marcaram sua carreira, sua parceria com Scorsese, um pouco de sua vida pessoal, sua aventura como diretor e seus projetos futuros no cinema. Aguardem!

Exposição de arte expressionista no RJ

2007-11-07T17:44:00.000-08:00

Paisagem Brasileira

Depois de 20 anos, o Rio de Janeiro recebe novamente uma mostra de Lasar Segall (1891-1957), artista russo naturalizado brasileiro, e considerado um dos maiores expoentes da arte moderna brasileira. A retrospectiva “Corpo Presente” conta com quadros inéditos do artista, como “Retrato de Lucy”, comprado pelo governo da França em 1938 e que será visto no Brasil pela primeira vez, e “Ancião de Barba Branca”, exposto ao público pela primeira vez. Segall também é reconhecido internacionalmente como um dos maiores pintores expressionistas.

A mostra é uma homenagem aos 50 anos da morte do artista, e foi organizada pelo empresário Max Perlingeiro, diretor da Pinakotheke Cultural, galeria de arte em Botafogo, na zona sul do Rio. São 93 obras, entre pinturas, desenhos, gravuras e esculturas. “Segall era um artista muito completo e dominava todas as formas de expressão das Belas-Artes”, disse o empresário em entrevista ao SRZD.“A exposição abrange todo o período expressionista europeu até suas últimas obras, realizadas nos anos de 1950. Foram excluídas da exposição as obras de seu período mais soturno, inspiradas na guerra”, destaca Max.

Duas amigas

Além das obras de arte, estão expostas fotos e esboços do artista. Os visitantes poderão assistir ainda a um documentário com depoimentos de brasileiros ilustres, como Vinícius de Moraes. Um conteúdo multimídia, desenvolvido especialmente para a exposição, está à disposição do público na entrada da galeria.

Como forma de complementação didática, além de visitas guiadas para estudantes e um trabalho pedagógico direcionado a professores, será disponibilizado um caderno de arte-educação criado pela pedagoga Nereide Schilaro Santa Rosa, com o intuito de orientar os professores para um melhor aproveitamento das visitas escolares.

Também foi lançado especialmente para a exposição o livro “Corpo Presente. A convicção figurativa na obra de Lasar Segall”, com textos de Vera D’Horta, curadora do Museu Lasar Segall, em São Paulo, de Max Perlingeiro e do empresário Celso Lafer, especialista em Lasar Segall. O livro tem 288 páginas, com 200 imagens entre fotografias, documentos e obras do artista, com direito a acabamento em capa dura.

O legado de Segall

As obras iniciais de Segall são interpretadas erroneamente como expressionistas, de acordo com Perlingeiro. “Alguns historiadores dizem que o período é totalmente expressionista. Até 1914, no entanto, ele estava impregnado com a atmosfera do impressionismo alemão e francês, e muito influenciado por Cezànne e Van Gogh”, explicou. “Os quadros ‘Retrato de Margarete’ e ‘Leitura’ (1913 e 1914, respectivamente) mostram justamente essa transição para o expressionismo, com uma personalidade própria.”

O quadro “A Floresta” (1912), também presente na mostra, é uma das poucas obras identificadas como parte da primeira exposição modernista do Brasil, em 1913, “quando Segall vem pela primeira vez ao Brasil, e expõe em São Paulo e Campinas. Imagine o espectador vendo uma obra totalmente diferente do que era produzido pelas Belas-Artes. Antes, o que havia era arte clássica, personagens claros”, afirmou Perlingeiro. Segundo o empresário, a segunda vinda de Segall para o Brasil, desta vez para fixar residência, transformaria não só seu estilo como a Arte Moderna Brasileira.

“Quando veio para o Brasil pela segunda vez, em 1922, Mário de Andrade escreveu um artigo para um jornal falando da vinda de um grande artista, preconizando a influência que faria por aqui”, disse. “Houve resistência por parte da corrente clássica de pintores positivistas da escola de Belas-Artes, e por parte dos acadêmicos. Por outro lado, modernistas como Tarsila do Amaral, Anita Malfati e Di Cavalcante o receberam de braços abertos. Só em 1931, o Salão de Belas-Artes abriu espaço para a Arte Moderna.”

Pinturas de sua fase mais brasileira, de 1924 a 1928, também podem ser admiradas na mostra carioca. “Ele se impressiona muito com o exotismo do Brasil, a folha de bananeira e o mulato, e pinta esses temas exaustivamente”, comenta Perlingeiro. “Era de uma brasilidade muito grande, ele realmente assume o personagem de uma nova pátria, que ele estava adotando.”

Segall também realizou trabalhos em bronze, mármore e pedra-sabão, além de lito e xilogravuras, entre outras técnicas. “Após começar a trabalhar com esculturas, os quadros também ganharam uma certa tridimensionalidade. Além do uso das formas, Segall começou a usar areia e outros materiais em suas pinturas, criando texturas.”

Vida e arte

Lasar Segall nasceu em 21 de julho de 1891, na comunidade judaica de Vilna, na Lituânia, onde começou a estudar desenho. Posteriormente, passa a morar na Alemanha, onde aprimora sua arte. Por causa de seus irmãos, que já moravam no Brasil, conhece o país em 1913. Somente em 1923, Segall se muda para São Paulo, após ter conquistado reconhecimento no exterior. Automaticamente, passa a conviver e criar laços de amizade com modernistas brasileiros, como Mário de Andrade, que já acompanhava seu trabalho por revistas e jornais.

As obras Paisagem brasileira (1925), Menino com lagartixa (1924), Rio de Janeiro (1927) e Mãe cabocla (1944) demonstram o início de Segall no que foi denominada sua “Arte Brasileira”, quando passa a usar motivos e cores locais, como figuras de negros, plantas tropicais e favelas.

Segall casa-se Jenny Klabin em 1925, sua ex-aluna de desenho de quando veio pela primeira vez ao país, em 1913. Dois anos mais tarde, naturaliza-se brasileiro. Do casamento com Jenny, nascem dois filhos, Maurício e Oscar. Passional, suas companheiras foram um tema recorrente em sua produção artística. A primeira esposa, Margarete Quack, foi retratada em algumas de suas primeiras obras; mas quando conhece a pintora paulista Lucy Citti Ferreira, chega a produzir cerca de 50 obras usando-a como modelo.
Em 1937, dez obras de sua autoria são incluídas na Exposição de Arte Degenerada, organizada pelos nazistas em Munique para desqualificar a Arte Moderna. Em 1942, Ruy Santos produz um filme sobre sua obra, “O artista e a paisagem”.

Segall morreu em 2 de agosto de 1957, vítima de doença cardíaca. Sua morte é lamentada por diversos expoentes nacionais, como Candido Portinari, que assim o descreve: “Ele foi um artista de rara honestidade, fiel até o fim ao seu ofício e incapaz de subordinar sua inspiração aos fatores momentâneos de sucesso”. Em 1967, é criado em São Paulo o Museu Lasar Segall, em sua antiga residência.

A retrospectiva “Corpo Presente” acontece na Pinakotheke Cultural do Rio de Janeiro, situada na rua São Clemente, 300, em Botafogo, na zona sul do Rio, até 21 de dezembro. A galeria funciona de segunda a sexta-feira, das 10h às 19h, e aos sábados das 11h às 18h. A entrada é gratuita. Visitas escolares podem ser marcadas pelo telefone (21) 2537-7566 ou pelo e-mail professor@pinakotheke.com.br.

Fonte: SRZD

Johnny and June

2007-11-02T18:03:00.000-07:00

Cerca de umas três ou quatro semanas atrás, para ser mais preciso no feriado antes deste, com a velocidade que anda a vida humana parece até que faz muito tempo, voltei para Sorocaba rever meus pais e meus amigos. Antes de vir já havia combinado com meu primo Luis ir ao Recreativo Campestre ver o show do Natirutz, realmente deve ter sido um saco o show, porém fazia e ainda faz um bocado de tempo que não vou a esse lugar que marcou e muito boa parte de minha adolescência com excelentes shows de bandas tradicionais do rock nacional, praticamente vi todas as bandas tanto do mainstream como algumas independentes passarem por aquele lugar, realmente este é um dos fatos que traz certa nostalgia. Então pensei vou lá tomo umas bier, chaveco umas minas e fico de boa, até porque infelizmente hoje toda aquela aura que existia naquele lugar acabou, a radio 89fm que patrocinava os eventos, foi vendida, e se antes sua programação já era ruim, hoje em dia é impossível escutá-la, para não ser no mínimo deselegante. Pois bem, certa hora da noite, fui me arrumar para ir ao show e bem que me liga meu primo dizendo que não ia ao show alegando que arrumou um bico no dia seguinte.

Depois de xingá-lo um monte, resolvi ir até a locadora pegar uns filmes, algo que devido a faculdade não havia fazendo a algum tempo, não que tenha perdido muita coisa, mas enfim, chegando lá, loquei três filmes. Babel; que queria ver a algum tempo, Estrada da Perdição; do mesmo diretor de Beleza Americana, e que também queria ver há algum tempo, e um que me chamou a atenção, porém que nunca vi ninguém comentando sobre ele: Jonhy and June, um filme sobre a vida de Jonhy Cash, lendário roqueiro norte americano, que havia sido lançado em DVD recentemente, depois de ter concorrido ao Oscar entretanto ter passado batido pelos cinemas.

Pois bem fui assisti-los. Babel decepcionou bastante, esperava muito mais, Estrada da Perdição é um filme legal apenas isto. Como não estava muito de noite ainda, resolvi então ver o tal azarão da noite: Jonhy and June, este sim surpreendeu, fez valer a noite e é a razão deste post.

Pois bem, quem afinal foi Jonhy Cash? Hã!!! Como que você não conhece? Jonhy Cash foi um dos artistas mais foi um cantor e compositor americano de música country, conhecido por seus fãs como "O Homem de Preto". Ta e dai? Teve uma carreira que durou quase cinco décadas, ele foi para muitas pessoas a personificação do country. Sua voz sepulcral e o distintivo som "boom chicka boom" de sua banda de apoio "Tennessee Two" podem ser reconhecidos instantaneamente por inúmeras pessoas. Humf, e....? Foi um artista imensamente popular, desde o inicio de sua carreira como um pioneiro do rockabilly e rock and roll nos anos 50 à sua transformação em um representante internacional da música country e até sua reconquista da fama nos anos 90 tanto como uma lenda viva como ícone do country alternativo, Cash influenciou incontáveis músicos e deixou um trabalho igualado apenas pelos maiores artistas de sua época.

Legal, sendo assim porque não fazer um filme sobre a sua história, pois bem, o filme foi realizado por James Mangold, conta com Joaquin Phoenix no papel de Johnny Cash e de Reese Witherspoon como June Carter. John Carter Cash, filho de Johnny Cash e June Carter foi Produtor Executivo e o grande mentor do projeto que, é baseado nas auto-biografias do próprio Cash: Man In Black e Cash. Este filme foi rodado após a morte de Cash. Apesar disso, este chegou a ter conhecimento do início do processo de pré-produção nos últimos tempos em que viveu. Walk the Line deve o seu nome à canção original de Cash: I Walk The Line.
Em vida, Cash escreveu duas autobiografias, ‘The Man in Black’ e ‘Cash: An Autobiography’, esta última em parceria com Patrick Carr, que acabaram por servir de base para o roteiro que deu origem a este filme, escrito por Gill Dennis e pelo diretor James Mangold. Os roteiristas inclusive estiveram com Cash e June por horas e horas de conversa a fim de deixar o script o mais fiel possível. O problema maior foi reduzir mais de setenta anos de uma vida em pouco mais de duas horas, e optaram por começar a história do menino pobre descobrindo seus talentos, enfrentando um pai autoritário e encerrá-la quando ele finalmente estabiliza sua carreira e sua vida matrimonial.

A narrativa do filme começa em 1955, com Cash um guitarrista arredio entrou naquele que logo seria o famoso Sun Studios, em Memphis. E foi um momento que deixara marcas profundas na cultura americana. Com a fúria de seus acordes na violão, uma intensidade de aço e uma voz profunda , Cash cantava canções sobre dores de amores e sobrevivência que eram cheias de energia, cheias de vida, e algo nunca ouvido antes.

Aquele dia deu início a carreira de Johnny Cash. Como pioneiro de um som intimista e original que abriria o caminho para as futuras estrelas do rock, country, punk, folk e do rap, Cash começou também sua agitada transformação pessoal. No período mais volátil de sua vida, ele passou de um destrutivo pop star ao famoso ícone representado pelo "Homem de Preto", enfrentando seus próprios demônios, lutando pelo amor que o reabilitaria e aprendendo a andar sobre o fio da navalha que separa a redenção da destruição.

O roteiro foca a vida de Johnny Cash, no período entre 1955 e 1968, durante o qual ele se tornou reconhecido e perseguiu a mulher de seus sonhos, pela qual era apaixonado desde a infância, quando, ainda garoto pobre, fantasiava sobre a já famosa June Carter ao escutá-la através do rádio. Ainda assim, o filme não consegue deixar de soar episódico: depois de passarmos pela infância do cantor e testemunharmos a morte de seu irmão, saltamos para sua adolescência e o acompanhamos brevemente em sua passagem pelo exército, antes de finalmente conhecermos sua primeira esposa e observarmos seus esforços para se tornar cantor profissional. Neste sentido, Dennis e Mangold fazem um recorte, que parece como uma coletânea dos melhores momentos da vida de Cash, criam uma narrativa que encaixa os incidentes de maneira orgânica, natural.

O filme conta a trajetória do cantor Jonny Cash para a conquista de June, também cantora, suas vidas são contada desde a infância, passando pelo inicio da carreira, o grande sucesso que ele conseguiu fazer, como ele se envolveu com as drogas e acabou com toda a sua carreira e como ele conseguiu dar a volta por cima. A narrativa enfoca também a relação conturbada entre Johnny Cash e o pai, por exemplo, criticando o filho, Ray Cash mostra-se incapaz de valorizar as conquistas deste, chegando a culpá-lo pela morte do irmão e a lamentar-se por Deus ter “levado o filho errado”. Inicialmente, a responsabilidade pelo comportamento monstruoso do sujeito poderia ser atribuída ao seu alcoolismo, mas, mesmo depois de largar a bebida, ele se mostra igualmente impiedoso com Johnny. A origem do rancor – principalmente se considerarmos que o protagonista se esforça ao máximo para honrar o pai, oferecendo-lhe conforto e respeito. Intrigante é perceber que, em nos momentos finais, o filme parece sugerir que os dois homens encontraram uma paz relativa.

O retorno ao sucesso veio com a eterna parceira June Carter que co-escreveu ‘Ring of Fire’, a música que fez com que ele retornasse às paradas, e que o salvou da dependência de anfetaminas. Recém-divorciada, June, que sempre foi uma espécie de musa para Cash, conseguiu com que ele se livrasse da dependência e redescobrisse sua fé. Durante um show, foi pedida em casamento pelo próprio, depois de muito hesitar aceitou. Logo em seguida Cash lançou seu álbum de maior sucesso ‘Johnny Cash at Folsom Prison’, gravado dentro do presídio.

A trajetória do relacionamento Jonhy e June estabelece uma estrutura muito legal e conferindo peso ao filme. Reese Whiterspoon encarna June Carter com uma energia impressionante, sendo particularmente feliz ao retratar a capacidade desta em usar o humor como forma de criar uma figura pública cativante e vivaz, embora, em sua vida particular, se questionasse com relação ao próprio talento e fosse vítima do preconceito por ter se divorciado em uma época na qual isto ainda era visto com maus olhos por uma sociedade conservadora e machista. Mas, ainda mais importante, Whiterspoon retrata a ética moral de June Carter e convence o espectador de que, afinal de contas, nada seria melhor para Johnny Cash do que se casar com aquela mulher.

Um filme muito bom e que conta de forma muito interessante um pouco da historia da vida de Johnny Cash e sua esposa Junne Carter. Passou quase despercebido, e foi sem motivos muito criticado, na realidade ele é um filme muito bom e é uma boa dica para dias chuvosos como hoje

Ensaio sobre....Cinema!

2007-10-30T05:44:00.000-07:00

Acredito que já seja conhecido de todos que frequentam o blog que recentemente acontecia nas ruas de São Paulo as filmagens do novo filme de Fernando Meirelles chamado "Blindness" baseado na obra do escritor portugues José Saramago "Ensaio sobre a cegueira". Adotando a mesma atitude que em seu trabalho anterior "O Jardineiro Fiel", o Diretor brasileiro montou um blog de seu novo filme, contando nele detalhes sobre produção, o roteiro e as gravações do seu novo longa metragem. Acontece que o último post do Meirelles é quase que uma aula sobre cinema, onde ele conta detalhadamente o modelo de filmagem que adotou e suas vantagens na hora da edição do filme, além de uma analise breve do custo benefício de tal modelo. Em meio a detalhes pessoais e algumas peripécias das gravações, eis o mais novo (e divertido!) relato de Fernando meirelles sobre sua mais nova empreitada:

No foto: Don McKellar (de camiseta vinho), Winnie (continuista), eu, Cesar Charlone, Julianne Moore, Rhaul (dolly grip), e, de costas, a careca do Chris Davenpoort (preparador de elenco). Sobre o monitor, meu roteiro de capa azul (que já não está mais entre nós)

"Já eram 4h37 da madrugada e os pardais começaram a piar sem graça. Ouvir passarinho cantando antes de ir dormir, em geral, me deixa deprimido. Comecei a rir de bobeira, arranquei o fone do ouvido, desliguei o walkie-talkie e desisti. Estávamos em 10 pessoas no câmera-car do Stanley, rodando pelo centro de São Paulo, sonados, depois de 14 horas de filmagem na rua. Eu olhava para os quatro monitores que transmitiam o sinal das duas câmeras que estavam na pick-up, e de outras duas escondidas dentro do carro que o Don Mc’Kellar dirigia, e torcia por oito segundos de alguma imagem que completasse a cena em que o Ladrão fica cego, mas sempre alguma coisa atrapalhava. Atrás do carro do Don/Ladrão vinha um comboio com uma limusine branca enorme, um táxi destes amarelos e outros carros simulando uma rua movimentada em alguma cidade do mundo. O Don tinha que seguir o câmera-car mantendo a mesma velocidade e uma distância fixa, tarefa complicada nas ruas de S. Paulo, cheias de faróis, mais complicada ainda pelo fato dele não dirigir regularmente e nunca ter guiado um carro com marchas. Isso já seria um bom desafio, mas havia um agravante, o Don é míope mas seu personagem não é, então tinha que fazer tudo isso sem óculos e para completar, a cada 10 segundos, o Serjão, eletricista, o ofuscava direcionando um refletor para seus olhos simulando faróis de outros carros. A cerejinha neste bolo de convite-ao-acidente é que ele dirigia um carro protótipo da Fiat, movido a benzina, e cada vez que parava num sinal o carro morria e não pegava mais. Quando ouvi o primeiro pardal, olhei o relógio e me dei conta que estávamos parados há quatro minutos esperando o Fiat se mover. Cansados, sem reação, apenas olhávamos para o carro lá, paradão. Contávamos só com a ajuda da Analia, operadora de câmera que estava escondida no banco de trás do Fiat com o Don e poderia ajudá-lo. Então, o César anunciou que, além de não falar inglês, a Anália não sabia dirigir. Nosso bote salva-vidas naufragou. “Xeque-mate”, pensei. E joguei a toalha.

Minha disposição para este tipo de gincana já não é mais a que era. Madrugadas, movimentos de grua complicados, muitos figurantes, cenários enormes, cenas com muitas situações paralelas a serem mostradas me dão uma certa preguiça. Filmar com muitas câmeras também complica bem. O Gui, som direto, que o diga. Ele vive sinucado sem ter por onde entrar com seu microfone. “Tem câmera por todo lado”. Reclama. “Dá seu jeito!”, respondo. E ele vai dando.

Rodar com muitas câmeras é bom por não termos que repetir a mesma cena 40 vezes para conseguir diversos ângulos, e é ótimo pois dá muita cobertura para o montador; mas, durante a filmagem, muitos ângulos simultâneos pode ser dispersivo. Neste filme, o César Charlone e eu aprimoramos uma boa maneira de trabalharmos com quatro câmeras, pode até ser chamado de método, tem uma certa lógica, contrariando o que pensam os assistentes de direção e parte da equipe. Eis o “método” (que obviamente não é sempre seguido com o rigor que descrevo aqui):

Para planos gerais da cidade, ou imagens com muitos detalhes, estamos usando uma câmera chamada Vista Vision. Ela roda em 64mm, gera uma imagem bem definida e estável. Em geral, esta câmera só trabalha em algumas externas, onde é usada apenas para um ou dois ângulos pré-determinados e depois descansa o resto do dia. Ela consome negativo como um Dodge Dart consumia gasolina – ou, para quem não sabe o que é um Dodge Dart, como um deputado consome verba de representação. Vorazmente.

Depois, temos a câmera A, uma 35mm que conta a história. Quando é possível criar uma imagem instigante e narrativa ao mesmo tempo, ótimo. Se não for possível, esta câmera tem que priorizar a clareza da história, ou seja, mostrar o lugar onde estão os atores, cobrir os diálogos e as reações dos personagens deixando claras as intenções da cena. É meio convencional às vezes, mas resolve.

Rodando ao mesmo tempo, temos sempre uma câmera B, que tenta contar a mesma história de forma mais indireta. Cobre a cena através de reflexos, pelas costas dos atores, faz os closes, busca enquadramentos menos óbvios. Mostra a nuca em vez do rosto, uma sombra em vez do corpo do ator. Sugere a história mais do que a mostra. Se a câmera A é prosa, a câmera B é poesia. Desta câmera deverão sair “os melhores momentos” do filme, mas como no futebol, sabemos que só a jogada de efeito não funciona. É preciso ter uma câmera “A” levantando para esta “B” cortar.

Finalmente, há uma câmera 16mm que entregamos ao acaso, ou para Deus, como diz o César. Usamos basicamente para desperdiçar negativo. Ela em geral fica amarrada com fita crepe num canto e quase sempre roda sem operador, é acionada por quem estiver mais perto. O aproveitamento das imagens desta câmera-do-acaso é baixo. É como lançar uma rede sem grandes expectativas para eventualmente puxarmos imagens inesperadas. E acontece. Curioso que sempre chamamos esta atitude de buscar imagens ao acaso de “pescaria”, achei que nós tivéssemos inventado esta expressão, mas descobri agora, com o canadenses , que eles também usam a mesma expressão: “Fishing”.

O uso de câmeras simultâneas não é muito habitual no Brasil, pois aparentemente encarece um filme. É preciso mais equipe de câmera, gasta-se mais com aluguel de equipamento ou com negativo. Mas se computarmos a redução do numero de diárias que isso gera, acho que a conta se fecha a favor. Neste caso tínhamos orçado 57 dias de filmagem mas devemos terminar o filme em 50. Essa semana economizada está diretamente relacionada ao monte de câmeras e (talvez) esta economia compense os custos extras mencionados. Mas, mesmo que não haja vantagens econômicas, essa maneira de filmar vale a pena. Ela nos permite quase nunca repetirmos um mesmo enquadramento em duas horas de filme e libera o ator que, nem que queira, consegue interpretar para a câmera, já que está cercado. Também me livra do chato (e às vezes inútil) trabalho de decupar o filme. O que fazemos é montar a cena como se fosse teatro, sem pensar em câmeras e depois cobrimos o máximo possível. A decupagem acontece na sala de montagem, o que é uma vantagem, como tenho constatado, pois muitas vezes entre a imagem bem enquadrada da câmera A, que foi previamente planejada, ou a mesma cena meio encoberta da câmera B temos usado a segunda opção na montagem. Neste filme, que é sobre olhar, mas não ver, esconder um pouco o que se passa ajuda a colocar o espectador no mundo dos personagens cegos, quero crer. De qualquer maneira, eu dificilmente planejaria um enquadramento onde um ator cobre o outro intencionalmente. Esses momentos acontecem por sorte e às vezes são ótimos.

O César, em geral, defende que a história seja contada mais pelas imagens e sons e reclama da quantidade de palavras do roteiro. Certamente o Marco Antonio Guimarães, que vai fazer a trilha, apoiará esta visão. Atores e roteirista gostam de diálogos e às vezes não entendem o exagero de posições de câmera que usamos. Eu tento ter o máximo dos dois mundos. Apoio sempre sugestões de novos pontos de vista que não haviam me ocorrido e incentivo os atores a aumentar seus textos para ajudá-los a entrar na história. Faço isso mesmo sabendo que cortarei o excesso de palavras na montagem, ou que dificilmente usarei um determinado ângulo que está sendo rodado. Mas nunca se sabe, então arrisco. O tempero entre a narrativa das palavras e das imagens vai ser encontrado na montagem, que é quando realmente o filme toma forma. Já aprendi que numa sala fechada, tranqüila e concentrada, nem sempre a decisão que me pareceu mais acertada no set prevalecerá, então, na dúvida entre uma opção ou outra, rodo as duas.

Admiro a capacidade de abstração de diretores que conseguem pensar seus filmes de ponta a ponta com antecedência, diretores que desenham storyboards e depois cumprem à risca o que planejaram. Já tentei fazer isso, mas fico tão focado em fazer o que planejei que acabo não vendo as idéias vivas que acontecem no set. Já filmei muito como um clarinetista que toca seguindo uma partitura, hoje acho que filmo mais como jazz. Você me entende."

Postado por Blog de Blindness às 12:11

O amor segundo Babenco

2007-10-29T09:15:00.000-07:00

Adaptado de: O Globo impresso

Diretor retorna à sua Argentina natal para filmar "O passado", com o astro Gael Gacía Bernal

Aos sorrisos, o ator mexicano Gael García Bernal, de 28 anos, e o argentino naturalizado brasileiro Hector Babenco, de 61, diretor de "O passado", que estreou dia 26 de outubro, cumprimentam-se com um abraço caloroso. O filme foi exibido no Auditório do Ibirapuera na quinta-feira, 18, dando largada a 31ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, que vai até 1º de novembro.
Juntos em solo paulistado, Babenco e Gael se abraçam e sentam lado a lado, indirefentes à expectativa que cerca o novo longa-metragem do diretor de "Carandiru", que é ambientado em sua Argentina natal. Comparações com a produção - que, em 2003, arrastou mais de 4,5 milhões de pagantes aos cinemas - seriam injustas com o diálogo cinematográfico que Babenco travou com o romance homônimo do argentino Alan Pauls. O atual projeto, essencialmente intimista, não tem a mesma dimensão mercadológica que tinha o drama calcado numa das maiores tragédias brasileiras.
- Eu olhava o livro de Pauls e não via um longa-metragem. Mas Babenco, com sua experiência, extraiu um filme dele - elogiava Gael, o Che Guevara de "Diário de Motocicleta" (2004), que também exibe na Mostra seu primeiro trabalho como realizador, o longa "Déficit". - Babenco fez um filme sobre um homem que vive um autismo emocional.
- Quando telefonei para Pauls, dizendo que queria filmar "O passado", ele me disse: "Hector, você está louco. Não imagino alguém querendo fazer este filme". Mas eu não me interessava pela dimensão literária do romance, e sim pelo que estava vivo naquele texto. Com ele, estou visitando o Hector que ficou reprimido aos 28 anos. Para isso tive de ir ao espaço geográfico onde este homem ficou. Por isso, o filme foi feito na Argentina - explica o cineasta sobre a saga de desastres existenciais que cercam o tradutor Rímini (Gael Garcia) ao separar-se de Sofía (Analía Couceyro) após 12 anos de união.
A trama tem tudo o que se espera de um melodrama rasga-coração. Ao sair de casa na tenativa de refazer sua vida, Rímini divide sua cama com muitas mulheres. Passa de uma modelo ciumenta a uma colega experiente e apaixonada. Mas nenhuma das relações resistirá à sombra de Sofía.

Diretor tentou evitar o melodrama

O enredo até sugere que Babenco fez um bolero filmado, mas "O passado" flui para uma direção mais "desidratada", segundo o diretor:
- Eu sabia que estava lidando com os elementos do melodrama, que é um gênero genuinamente latino. Na história, há o abandono, a separação, a vulgaridade, a vingança. Mas eu não podia revisitá-los de uma forma clássica, uma vez que as telenovelas já esgotaram todas as formas triangulares e quadrangulares do amor. Precisava de uma coisa mais seca, sempre em elipse, Era uma maneira de descobrir o filme que havia no livro. Não sou um diretor que faz filmes para ilustrar teses. As teses são descobertas quando faço os filmes.
Com um orçamento de cerca de R$11 milhões, o filme chega ao circuito nacional com 60 cópias. Na abertura da mostra, quando passou para convidados no lotadérrimo Auditório do Ibirapuera, ele comoveu a multidão.
- É um filme muito bonito. Fico muito emocionado com ele - elogiava o cineasta Bruno Barreto, um dos muitos realizadores que saíram da exibição tocados.
Se o longa de Babenco repoduzir em suas exibições as reações que provocou na Mostra, um novo êcito de bilheteria pode se juntar às melhores performances nacionais de 2007, como "Primo Basílio", "Tropa de Elite" e "A grande família - o filme".
Escolado na reestruturação do mercado mexicano, Gael García Bernal traz números de público bastante similares aos das rendas nacionais recentes ao fazer uma analogia entre as cinematografias do Brasil e do México.
- Muitos filmes têm sido feitos hoje em dia no Méximo. E o melhor é que temos público para eles - diz o ator que estréia seu "Déficit" por lá e por aqui em 2008. - Os cineastas mexicanos contam com um instituto de cinema forte. Graças ao apoio do instituto, pelo menos 15 longas chegam ao circuito anualmente.

Paulo Autran (ao centro) em seu último filme

Uma fuga dos habituais temas sociais
Diretor diz que precisava filmar algo diferente de "Carandiru" e "Pixote"

Gael García Bernal não especula resultados para "O passado". Nem Hector Babenco. Por ter majoritariamente as loações em Buenos Aires - há só uma seqüência do filme ambientada em São Paulo -, a língua falada no longa é o espanhol, e não o português. Isso tem levado línguas ferinas a questionar o uso da expressão "filme brasileiro" para o filme, apesar de seu DNA nacional ser irrefutável. Babenco, que considera esse debate "xenófobo", lembra que co-produções multinacionais são fenômenos globais no audiovisual:
- Todo o cinema europeu da atualidade é feito em co-produção. Os filmes asiáticos também trabalham nesse sistema com a europa. Eu não vejo problema nisso, desde que não se deturpe a qualidade do produto final. E o produto final, o filme em si, me parece mais importante do que os meios com que ele é realizado.
(...)

Trailer:

“Quem são os fascistas do cinema?” por Bráulio Mantovani

2007-10-28T18:31:00.000-07:00

Colocarei aqui um texto de Bráulio Mantovani (talvez, o melhor roteirista do Brasil), responsável pelo roteiro de Cidade de Deus e, mais recentemente, Tropa de Elite. Excelente texto que nos dá uma idéia um pouco maior das características do ofício de roteirista e das responsabilidades que escrever um roteiro de cinema contém. Esse artigo foi retirado do blog dos Autores de cinema, que estreou recentemente e foi divulgado aqui no blog, vale a pena conferir o site e o blog que contém muitas informações sobre a profissão e tem como objetivo ser um espaço divulgador para aqueles que desejam saber um pouco mais do maravilhoso trabalho desses profissionais ou até mesmo aprender com os que lá se encontram, ou seja, os melhores. Eis o texto:

"

Quando Cidade de Deus estreou nos cinemas, alguns críticos, acadêmicos e também espectadores atacaram o filme com virulência. Lembro-me de ter lido sobre o suposto “darwinismo social” do filme. Houve quem qualificasse o roteiro de “subtarantino”. Entrou em moda um slogan acadêmico muito pejorativo, de cujo enunciado não quero me lembrar, como diria Cervantes.

Tropa de Elite ainda nem foi lançado e nós, autores do filme, estamos sendo chamados fascistas. Há gente que vai mais longe, associando a suástica ao filme. Por quê? Porque a “mensagem” do filme seria a seguinte: os culpados pela situação da segurança pública no Rio de Janeiro são os jovens de classe média e alta que consomem maconha. E por causa do filme, vão ser transformados em bodes-expiatórios, como aconteceu com os judeus durante o terror nazista. E os culpados disso são os autores do filme.

Eu já esperava que a polícia (ou parte dela) tentasse impedir a exibição do filme, como de fato tentou. Mas eu nunca imaginei que alguém pudesse pensar que o Tropa de Elite tivesse o poder de desencadear uma cruzada contra os jovens universitários que usam drogas. Mesmo porque a droga faz parte da história, mas não é o tema do filme. O produto ilegal poderia ser CDs ou DVDs piratas, remédios falsificados, qualquer outra coisa. O tema do filme é a polícia militar carioca. E esse tema é tratado no filme pelo ponto de vista de um personagem que é policial. O narrador da história é violento. E age com violência e crueldade porque foi treinado para agir assim. O Capitão Nascimento acredita que o Rio é uma cidade em guerra. E não faz caso para a Convenção de Genebra. Há quem o considere um herói. Não é o meu caso. Um personagem que espanca um garoto para obter informações (o fogueteiro, que vigia o morro) não pode ser um herói, na minha opinião. Mas nem por isso é um monstro, desprovido de humanidade. E é por isso que as ações violentas do personagem são, para mim, tão assustadoras.

Muitos dos que consideram o filme fascista (e por extensão, seus autores e, em alguns casos, o público) fundamentam suas conclusões em certas reações por parte da platéia que esteve presente em uma única exibição oficial do filme. Pelo que me contaram, alguns espectadores aplaudiram a execução do personagem do traficante Baiano no fim da história. Talvez, outros tenham sentido vontade de aplaudir as execuções da estudante e do diretor da ONG levadas a cabo pelo próprio Baiano na favela, algumas cenas antes. Quem sabe, parte da platéia tenha comparado as duas execuções e pensado: “caramba, os traficantes e o Bope agem segundo uma mesma lógica perversa: quem quebra a lei (seja a lei do tráfico ou do estado) tem que ser torturado e executado”. Outras pessoas podem ter pensado muitas outras coisas. O público não é uma massa indistinta que atua em coro. Cada espectador reage ao que vê de acordo com o seu próprio sistema de valores. Há espectadores cuja reação diante de um filme é a de questionar suas opiniões e crenças. Outros buscam apenas encontrar elementos que sirvam para reafirmar o que já pensam. As reações do tal público não são unívocas. E os autores de qualquer obra não têm controle sobre elas.

O que está acontecendo com Tropa de Elite aconteceu também com o filme Baixio das Bestas. Soube por relatos de meus colegas da AC (Autores de Cinema) — a associação dos roteiristas brasileiros de longas-metragens — que no debate sobre o roteiro do filme, que ocorreu no festival de Brasília do ano passado, o roteirista Hilton Lacerda foi acusado de misógino e homofóbico. Quer dizer que porque Baixio das Bestas expõe a misoginia e a homofobia, com coragem, verdade e muito talento, os autores do filme (roteirista e diretor) são misóginos e homofóbicos?

Os que nos chamam fascistas devem pensar que um filme sobre a violência policial só pode ser feito sob o ponto de vista das vítimas dessa violência. Parecem raciocinar segundo uma regra que define que bandidos cruéis, policiais violentos, misóginos e homofóbicos têm que ser retratados como monstros e interpretados por atores sem carisma. As imagens da miséria brasileira só podem ser mostradas na tela como faziam os grandes mestres do cinema novo. Essa maneira de pensar me faz lembrar de uma reflexão de Roland Barthes sobre a língua, em sua famosa Aula: “a língua (…) não é nem reacionária, nem progressista; ela é simplesmente: fascista; pois o fascismo não é impedir de dizer, é obrigar a dizer”. Felizmente, o cinema tem suas próprias e muitas gramáticas."

Breve análise sobre "O ano em que meus pais sairam de férias"

2007-10-27T18:10:00.000-07:00

O cinema da retomada tem reconstruído nas telas a história do regime militar brasileiro, período trágico e recente, entretanto esquecido dentro da nossa sociedade. Discutir hoje o golpe militar de 1964 e seus desdobramentos é parte essencial para que nos lembramos que pessoas lutaram e morreram para que tivéssemos a arbitrária, contudo estável democracia de hoje. Em tempos nos quais revolucionários e utopias estão em baixa, continuamos “cordiais” na periferia do capitalismo, com inúmeros problemas sociais e mantendo esperança de que nosso Estado extremamente burocrático e endividado lance mais um “pacotaço” mágico para que enfim, da noite para o dia, ingressarmos no primeiro mundo. Dos filmes que abordam o tema aquele que me angariou mais simpatia foi “O Ano Em Que Meus Pais Saíram De Férias” de Cão Hambúrguer, explico, um golpe militar ou uma revolução, movimenta inúmeros rumos de vida simultaneamente, porém nem todas as pessoas se preocupam de fato com política ou assumem uma ideologia, pelo contrário elas estão preocupadas com outros assuntos: renda, família, futebol, religião, relacionamentos, mas são afetadas pelas decisões políticas do meio social independente da vontade, sendo assim, o grande mérito desta produção foi não fazer um filme sobre a ditadura e sim tendo ela como exterior, onipresente e coercitiva, demonstrada partindo de um simples garoto que teve os pais exilados para o social revelando como o regime através do medo e da força afetou e deixou cicatrizes na vida de inúmeras pessoas tão diferentes entre si.

O Brasil pensa seu “povo” como acomodado e alienado, esquecendo que esta característica esta enraizada na estrutura paternal e na baixa instrução; que reduz a flexibilidade intelectual, as perspectivas e a capacidade de raciocínio articulado, além disso, existem as políticas assistencialistas. Mobilizações são consideradas como sinônimo de perigo e merecem uma única resposta: a repressão policial ou o desprezo. A colonização deixou no inconsciente coletivo a sensação de que desenvolvimento é sinônimo de extrair e comercializar. Fala-se em fraqueza da sociedade civil para designar a ausência de entidades e organizações sociais que articulem demandas e reivindicações. Esperar que o Brasil vá as ruas exigir mudanças é desconhecer a realidade do país. Os veículos de comunicação de massa monopolizam as informações e o consenso é confundido com unanimidade enquanto a discordância é posta como ignorância, atraso ou com receio, pois entraria em conflito com as opiniões das “pessoas de bem”. Tudo isso não começou com a ditadura, existia antes e permanece.

"O ano em que meus pais sairam de férias" é um excelente filme, muito acima de qualquer filme americano que estreou no cinema este ano e isto nao é querer fazer média e sim reconhecer o valor desta obra. É uma pena que poucos assistiram, ainda vou escrever mais sobre o cinema nacional, que tem produzido gratas surpresas mesmo com pouco dinheiro e e expectativa.

A Lei Ancine tem seus prós e contras, se por um lado financia produçoes de qualidade como esta, por outro, o filme "fica pago", ou seja nao precisa dar lucro, entao é exibido apenas em festivais que ocorrem na maioria dos casos só em grandes centros, eu confesso, vi o filme em casa, o baixei da net, como muitos outros o fizeram e fazem.

Ai caimos na discussao que é semelhante a da profissao de socólogo, temos de mostrar mais nossos trabalhos, pois só assim teremos o reconhecimento que tanto necessitamos e almejamos.Talvez este seja o filme até hoje com mais chances de conquistar o Oscar. Tropa de Elite é um grande filme, no entanto seria no mínimo injusto ele competir, tendo em vista que foi lançado as pressas, uma manobra política no mínimo arbitrária. Fica desde já registrada a torcida.

Aquecimento para o Chris Cornell

2007-10-27T14:44:00.000-07:00

Devido a saída do Chris Cornell do Audioslave, muitas pessoas se perguntam o que ele possivelmente tocará nos shows aqui do Brasil. Por isso, tentei pegar alguns shows recentes para termos uma idéia do que estar por vir. (Clique nos nomes dos shows para baixá-los!)

Tem o Unplugged in Sweden (pass: killthemusica) que apesar de ser do ano passado, vale muito a pena ser conferido.

Set List: 01 - Doesn't Remind Me, 02 - Like a Stone, 03 - Wide Awake, 04 - Fell on Black Days (Soundgarden), 05 - Be Yourself, 06 - Billie Jean (Michael Jackson Cover), 07 - Original Fire, 08 -Redemption Song (Bob Marley Cover), 09 - Peace Love And Understanding (Elvis Costello Cover), 10 - All Night Thing (Temple of the Dog), 11 - Black Hole Sun (Soundgarden) , 12 - Call Me a Dog (Temple of the Dog) e 13 - Thank You (Led Zeppelin Cover).

Outro show é do de Minneapolis (08/04/07).

Set list: 01 - Introdução, 02 - Spoonman, 03 - Outshined, 04 - Hunger Strike, 05 - Like A Stone, 06 - No Such Thing , 07 - Zero Chance, 08 - Burden In My Hand, 09 - Pretty Noose, 10 - Seasons, 11 - Call Me A Dog (Acústico), 12 - Doesn't Remind Me, 13 - What You Are, 14 - Poison Eye, 15 - Billie Jean, 16 - Rusty Cage, 17 - Intervalo, 18 - Wide Awake (Acústico), 19 - Black Hole Sun, 20 - Arms Around Your Love e 21 - Jesus Christ Pose.

Também peguei o show que ele fez em Berlim no dia 20 de maio deste ano.
Setlist:

Parte 1: 01 - Spoonman, 02 - Outshined, 03 - Show Me How To Live, 04 - You Know My Name, 05 - Arms Around Your Love e 06 - Hunger Strike.

Parte 2: 07 - What You Are0, 8 - Rusty Cage, 09 - Be Yourself, 10 - Seasons e 11 - I Am The Highway.

Parte 3: 12 - Scar On The Sky, 13 - Can't Change Me, 14 - Wide Awake, 15 - Doesn't Remind Me e 16 - Billie Jean.

Parte 4: 17 - Zero Chance, 18 - My Wave, 19 - Jesus Christ Pose, 20 - Black Hole Sun e 21 - Say Hello 2 Heaven.

Também tem o show de Los Angeles do dia 11 de julho. Parte 1 e parte 2.

Set list: 01 - Sunshower Intro / Let Me Drown, 02 - Outshined, 03 - Show Me How To Live, 04 - No Such, 05 - You Know My Name, 06 - Be Yourself, 07 - Say Hello 2 Heaven, 08 - What You Are, 09 - Rusty Cage, 10 - Safe And Sound, 11 - Finally Forever (Acústico), 12 - Fell On Black Days (Acústico), 13 - Like A Stone (Acústico), 14 - Doesn't Remind Me (Semi-Acústico), 15 - Cochise, 16 - The Day I Tried To Live, 17 - Can't Change Me, 18 - Spoonman, 19 - Jesus Chris Pose, 20 - She'll Never Be Your Man, 21 - My Wave, 22 - Burden In My Hand e 23 - Black Hole Sun.

Existe também o Live in Seattle que é o do Msn, do dia 08 de maio.
Setlist:

Parte 1: 00 - Intro, 01 - Spoonman, 02 - Outshined, 03 - Original Fire e 04 - No Such Thing.

Parte 2: 05 - Say Hello 2 Heaven, 06 - Mission, 07 - You Know My Name e 08 - Seasons.

Parte 3: 09 - Scar On The Sky, 10 - Can't Change Me, 11 - Sunshower e 12 - She'll Never Be Your Man.

Parte 4: 13 - Rusty Cage, 14 - Billie Jean, 15 - Black Hole Sun e 16 - Jesus Christ Pose.

Parte 5: 17 - Like A Stone, 18 - Burden In My Hand, 19 - Cochise, 20 - Safe And Sound e 21 - Hunger Strike

Vídeos desse show no YouTube: Spoonman, Outshined, No such thing, Say hello 2 heaven, Mission, You know my name, Scar on the sky, Can't change me, Sunshower, She'll never be your man, Rusty Cage, Billie Jean, Black hole sun, Jesus Christ pose, Burden in my hand, Safe and Sound e Hunger Strike.

Para informações atualizadas sobre a turnê dele com fotos e detalhes dos shows, vale a pen conferir o blog Chris Cornell Brasil.

Vale ressaltar que o Carry on, cd solo dele, está disponível no outro post junto com outros vídeos.

Agora é só esperar até dezembro para o show e ver o que ele preparou para os fãs brasileiros.

Novidades oficiais sobre "Anjos e Demônios"

2007-10-26T07:36:00.000-07:00

Ambigrama Ilumminati com os quatro elementos da natureza escritos (earth, air, fire e water). Note que se girarmos a figura de ponta a cabeça podemos ler exatamente a mesma coisa (o que define este tipo de figura)

Depois de alguns meses sem novidades expressivas, a revista Variety resolveu quebrar o silêncio. Segundo o site, a empresa responsável pela produção, a Columbia Pictures, já confirmou o inicio dos trabalhos no filme para fevereiro de 2008.
O roteiro da produção, escrito por Akiva Goldsman, deve estar pronto até o dia 31 de outubro. Tal data-limite fora imposta por marcar o fim do atual acordo dos estúdios de Hollywood com o Sindicato dos Escritores da América (WGA), um dos catalizadores da famigerada greve que poderá paralisar a indústria cinematográfica norte-americana no meio do próximo ano. O casting da produção já começou, porém o único nome confirmado até o momento é o de Tom Hanks, que viverá novamente o especialista em símbolos religiosos Robert Langdon.
O diretor do longa, Ron Howard (que também capitaneou "O Código Da Vinci"), está assegurando para si um ano bastante agitado. Além desta produção, o cineasta ainda precisa comandar a pós produção de outro de seus lançamentos, a adaptação para o cinema da peça "Frost/Nixon", cujas filmagens foram encerradas há menos de uma semana. No entanto, isso não deve atrasar o desenvolvimento de "Anjos e Demônios", cujo lançamento está marcado para dezembro de 2008.
A película conta a história de uma antiga sociedade secreta, os Ilumminati, que jurara vingança à igreja católica séculos atrás, ressurge aos olhos do mundo após todos pensarem que ela já havia se extinta séculos atrás. O especialista em simbologia de Harvard, Robert Langdon (Tom Hanks), é chamado à Europa no maior centro científico do planeta (CERN) para desvendar um assassinato que suspeita-se ter envolvimento de uma organização secreta. Porém, o que parecia apenas um assassinato, mostra-se o início de uma catastrofe que marcaria pra sempre a história do mundo e, principalmente, da igreja católica. Envolto a muito mistério, reviravoltas, arte, ciência e religiosidade, Anjos e Demônios, que vendeu milhares de cópias mundo afora, promete ser um dos grandes lançamentos cinematográficos do próximo ano.

Curiosidades:

* O vice-presidente da Sony Pictures, Jeff Blake, revelou ao Times Online irá adaptar 'Anjos e Demônios' como se fosse uma sequência à 'O Código Da Vinci'.

* O roteirista Akiva Goldsman receberá US$ 4 milhões, sendo que os roteiristas mais bem pagos de Hollywood recebem no máximo US$ 2 milhões.

*Desta vez Tom Hanks esta querendo 50 milhões de dólares, mais uma porcentagem do lucro do filme em bilheteria. Caso feche contrato para estrelar no filme, Hanks será o personagem mais caro de Hollywood até o momento.

Sobre o livro

Sinopse: Antes de decifrar 'O Código Da Vinci', Robert Langdon, o famoso professor de simbologia de Harvard, vive sua primeira aventura em Anjos e Demônios, quando tenta impedir que uma antiga sociedade secreta destrua a Cidade do Vaticano. Às vésperas do conclave que vai eleger o novo Papa, Langdon é chamado às pressas para analisar um misterioso símbolo marcado a fogo no peito de um físico assassinado em um grande centro de pesquisas na Suíça. Ele descobre indícios de algo inimaginável: a assinatura macabra no corpo da vítima - um ambigrama que pode ser lido tanto de cabeça para cima quanto de cabeça para baixo - é dos Illuminati, uma poderosa fraternidade considerada extinta há quatrocentos anos. A antiga sociedade ressurgiu disposta a levar a cabo a lendária vingança contra a Igreja Católica, seu inimigo mais odiado. De posse de uma nova arma devastadora, roubada do centro de pesquisas, ela ameaça explodir a Cidade do Vaticano e matar os quatro cardeais mais cotados para a sucessão papal. Correndo contra o tempo, Langdon voa para Roma junto com Vittoria Vetra, uma bela cientista italiana. Numa caçada frenética por criptas, igrejas e catedrais, os dois desvendam enigmas e seguem uma trilha que pode levar ao covil dos Illuminati - um refúgio secreto onde está a única esperança de salvação da Igreja nesta guerra entre ciência e religião.

Clique aqui para compra-lo!

Novidades sobre Batman - Dark knight

2007-10-25T05:31:00.000-07:00

O site alemão Kino.de teve a oportunidade de entrevistar Christopher Nolan ("Insônia") e Charles Roven, diretor e produtor de "The Dark Knight", respectivamente. Os dois partilharam alguns pequenos detalhes sobre a produção, seqüência de "Batman Begins", sucesso de 2005.

Dentre as novidades estão o fato de que o vídeo do filme, que acompanhará as cópias IMAX de "Eu Sou a Lenda" nos EUA, mostrará os cinco primeiros minutos da nova aventura do Cavaleiro das Trevas.

Já sobre a fita em si, foi dito que, em determinado momento, Batman (Christian Bale, de "Psicopata Americano") sairá de Gotham rumo à Hong Kong em uma caçada a um gângster. Será a primeira vez que veremos, no cinema, o herói agindo fora de sua cidade-natal, mas não a primeira vez de Bruce Wayne fora dos EUA, lembrando o seu treinamento mostrado no filme anterior.

Uma novidade no visual do Homem-Morcego será a inclusão, no novo uniforme deste, de lentes brancas, que servirão como um sonar, deixando o visual do personagem um pouco mais próximo ao da sua contraparte dos quadrinhos publicados pela DC Comics.

Nolan declarou que não veremos a origem do Coringa (Heath Ledger, de "Casanova") no longa, mas sim sua evolução de bandido comum até se tornar o gângster mais temido de Gotham. Os primeiros cinco minutos da fita, acima referidos, tratarão justamente dessa ascenção do personagem.

Ainda sobre o filme, o compositor Mel Wesson, que trabalhará na trilha do filme, mais específicamente nas músicas adicionais da película, declarou em seu site oficial que está ansioso a voltar a colaborar com a dupla Hans Zimmer e James Newton Howard, principais compositores da produção. Wesson afirmou que já está trabalhando em algumas idéias desde setembro, mas que ainda tem um longo cronograma a cumprir para o projeto.

Enquanto isso, a vela presente no site promocional do longa, o WhySoSerious ("Por que tão sério?"), continua a queimar, dando a entender que uma atualização no site está prevista para este Halloween, em 31 de outubro próximo.

Na nova fita, Batman aumenta os riscos em sua guerra ao crime. Com a ajuda do Tenente Jim Gordon (Gary Oldman, de "O Profissional") e do Promotor Harvey Dent (Aaron Eckhart, de "Obrigado Por Fumar"), o herói procura desmantelar as organizações criminosas restantes que infestam as ruas da cidade. A parceria se prova efetiva, mas logo eles se encontram vítimas de um reino de caos liberado por uma mente criminosa ascendente conhecida por aterrorizar os cidadãos de Gotham como o Coringa.

Retornam, para este segundo filme da nova franquia do homem-morgeco, Morgan Freeman ("A Soma de Todos os Medos") como o diretor das Empresas Wayne e inventor Lucius Fox, e Michael Caine ("Filhos da Esperança") como o fiel mordomo de Bruce Wayne, Alfred.

Ainda no elenco está Maggie Gyllenhaal ("Secretária"), substituindo Katie Holmes no papel da amiga de infância de Bruce Wayne, Rachel Dawes. O filme estréia nos EUA em 18 de julho de 2008.

Fonte: Cinema com rapadura

A voz do Soundgarden, Audioslave e Temple of the Dog em turnê solo no Brasil.

2007-10-24T09:17:00.000-07:00

Chris Cornell que saiu recentemente do Audioslave e está com um cd solo (faça o download clicando aqui!) e com uma turnê mudial, resolveu dar uma paradinha no Brasil em dezembro deste ano.

Foram confirmados dois shows dele aqui: um no Rio de Janeiro dia 12/12 e outro em São Paulo dia 13/12. No Rio de Janeiro, o show será no Citibank Hall e os preços variam de R$ 60,00 (meia entrada - pista) a R$ 100,00 (meia entrada - camarote). Já no Credicard Hall, em São Paulo, os preços variam de R$ 70,00 (inteira - platéria superior) a R$ 250,00 (inteira - camarote setor 1). Os ingressos serão vendidos a partir do dia 29/10 até o dia 04/11 como pré-venda exclusiva para clientes Citibank.

Em julho deste ano, fui a um show dele em Boston. Realmente vale a pena conferir mesmo se você nunca ouviu falar dele. Foi um dos melhores shows que já fui concorrendo com o do Pearl Jam na Apoteose. Destaque para a versão de Billie Jean, do Michael Jackson, que regularmente está no seu setlist. Quem quiser conferir alguns vídeos do show de Boston que eu fui é só clicar aqui!

Fonte: Ticketmaster

Jogos Mortais IV

2007-10-24T08:58:00.000-07:00

Por Livia Brasil
criticas@cineclick.com.br

Quando vi Jogos Mortais III, acreditei que a série de terror não poderia ficar pior, mas estava enganada. O roteiro de Jogos Mortais IV foge do padrão criado na trilogia, abrindo um abismo entre os demais, principalmente em relação ao primeiro, de 2004. É simples explicar esta diferença: os roteiristas não são os mesmos. Leigh Whannell, responsável pelos anteriores em parceria com James Wan (em Jogos Mortais e Jogos Mortais III) e Darren Lynn Bousman (em Jogos Mortais II), cedeu sua vaga para os inexperientes Patrick Melton e Marcus Dunstan.

Jogos Mortais IV acompanha dois oficiais do FBI especialistas em traçar perfis psicológicos de criminosos. Eles ajudam o veterano detetive Hoffman (Costas Mandylor) a desvendar os crimes do serial killer Jigsaw (Tobin Bell). O comandante Rigg (Lyriq Bent), da SWAT, é seqüestrado e arrastado para um jogo mortal. A dupla do FBI entra imediatamente em ação e passa a seguir uma trilha de cadáveres deixada pela cidade. As pistas os levam a Jill, que era casada com John Kramer antes de se tornar um assassino.

A única característica que se manteve intacta foi o fato do enredo mostrar diversas histórias que se cruzam no decorrer do filme, sem esquecer dos flash-backs. Porém, a dupla exagerou na dose, criando um dos filmes mais confusos e sem sentido na história do cinema de horror.

O espectador se perde na enorme quantidade de armadilhas e assassinatos, sem saber se o filme está no passado - seja recente ou mais distante - ou se os acontecimentos são relacionados ao presente. Nas produções anteriores, essa técnica é utilizada para criar grandes reviravoltas na história até chegar o momento do grand finale; tanto que essa criatividade levou a série a ser considerada uma inovação no gênero. Desta vez, Jogos Mortais IV termina sem a menor pretensão de causar impacto. Pelo contrário, passa despercebido.

Mesmo assim, o filme possui seus pontos positivos. Os fãs vão adorar conhecer os detalhes da história de Jigsaw, ou melhor, John Kramer, descobrindo o verdadeiro motivo que o levou a se transformar em um assassino em série. Outra razão para ir ao cinema é conferir a direção de Darren Lynn Bousman. Quem gostou da linguagem visual repleta de cortes e efeitos de edição de Jogos Mortais II e III, pode ficar tranqüilo, pois o diretor manteve a mesma linha. Pelo menos esteticamente, Jogos Mortais IV continua seguindo o mesmo padrão de qualidade. As armadilhas são sangrentas e perturbadoras, mas em menos quantidade que o terceiro. Mesmo por que seria difícil superar o banho de sangue que lavou as telas do cinema nos longas anteriores.

De forma geral, a impressão é que as boas idéias acabaram e Jogos Mortais IV se tornou um filme de terror comum que, se não fosse continuação de um grande sucesso, poderia ser lançado diretamente em DVD.

fonte: msnentretenimento

___________________________________________________________________

Esperar para ver mais um maravilhoso filme dessa história tão fantástica! Pelo que a Livia falou, acho que nem vou me contorcer todo no cinema como aconteceu no III. Hahahha...

=)

Empresa de 'Tropa de Elite' investe até R$ 7 mi em 2º longa

2007-10-24T07:46:00.000-07:00

Premiado como diretor e produtor de documentários, José Padilha, 41 anos, alcançou o grande público com Tropa de Elite, primeiro longa-metragem de ficção com a Zazen Produções, sociedade de Padilha com Marcos Prado, fundada há 10 anos. Agora a produtora prepara seu segundo longa de ficção, com orçamento de até R$ 7 milhões.

O sucesso na realização dos documentários permitiu à produtora ingressar no mercado de longas de ficção, que exige mais recursos, diz Padilha, formado em administração de empresas pela PUC-RJ e com curso de economia política, literatura inglesa e política interna-cional em Oxford, na Inglaterra.

Depois de mostrar os bastidores do Batalhão de Operações Policiais Especiais (Bope), a Zazen mergulha no universo da juventude brasileira ligada à musica eletrônica e drogas sintéticas. O segundo longa de ficção da produtora, Posto 9 (nome provisório) será produzido por Padilha e dirigido por Prado, em dobradinha invertida em relação à Tropa.

A Zazen, contudo, não vai abandonar suas origens e segue na produção de documentários, como Povos Selvagens, Fome e 68 Destinos, e também negocia a venda dos direitos de Tropa de Elite para minissérie televisiva.

Posto 9 vai tratar da ligação dos jovens da classe média carioca com a criminalidade, mostrando a saga de dois amigos que se envolvem com o tráfico internacional de drogas sintéticas no Rio. "A idéia veio da curiosidade de entender o comportamento e costumes dessa juventude, desse universo globalizado e conectado, e porque a droga sintética e a música eletrônica caem tão bem para essa geração", diz Prado.

Inspirado numa conversa com o psiquiatra lacaniano Jorge Forbes, Prado diz que o filme vai mostrar uma "luz no fim do túnel", com a esperança de que esses jovens deverão "tornar as relações de trabalho e relacionamento mais verdadeiras e menos hipócritas".

Com orçamento estimado entre R$ 5 milhões e R$ 7 milhões, Posto 9 está em fase de captação de recursos e as filmagens devem começar no final de 2008. "Com menos de R$ 5 milhões não dá para fazer um filme bem produzido", conta Prado. Um dos maiores custos do filme será na produção das festas rave, o que vai exigir dezenas de figurantes.

Paralelamente a Posto 9, Prado vai dirigir o documentário 68 Destinos, sobre a histórica "Passeata dos 100 mil", realizada no Rio em 1968 em protesto contra a ditadura militar. A convite do fotógrafo Evandro Teixeira, que registrou o evento, o diretor vai entrevistar 68 pessoas que se reconheceram na foto do dia da passeata. O filme está em fase de pesquisa e captação de recursos e deve chegar ao cinema em 2009.

Outros dois documentários, dirigidos por Padilha, estão em fase de pós-produção e estréiam em 2008. Povos Selvagens trata da exploração dos índios Yanomami por antropólogos americanos e franceses, conforme denúncia do livro Trevas em El Dorado, de Patrick Tierney. O filme tem exibição garantida em TV no Reino Unido (BBC), França e Alemanha (Arte), Austrália (SBS), Finlândia (YLE) e Dinamarca (TV2). O documentário Fome aborda a questão da fome no Brasil, mostrando o drama das suas vítimas.

Com parte dos recursos bancados pela Petrobras e BNDES, o filme foi rodado em Fortaleza e no município de Choró, no Ceará. "O objetivo é mostrar a fome do ponto de vista de quem passa fome, e não dos intelectuais ou economistas", destaca Padilha.

As negociações para a venda dos direitos para a adaptação de Tropa de Elite em minissérie televisiva devem ser fechadas somente no próximo ano. Padilha, que está de férias e diz não ter pressa para fechar o negócios, informa que canais de TV (aberta e fechada), do Brasil e do exterior estão interessadas. Entre elas estariam a Rede Globo, Rede Record e HBO. Filmado com orçamento de R$ 10,5 milhões, Tropa contabiliza 1,28 milhão de espectadores, em menos de 20 dias no cinema, além da estimativa de mais de 1 milhão de pessoas que assistiram a cópia pirata.

A produtora The Weinstein Company deve lançar o filme em janeiro de 2008 nos EUA. "Mas o filme já está em Moçambique (na África), onde a cópia pirata está bombando", brinca Padilha. O diretor se mostra satisfeito com a repercussão do filme, que suscitou a discussão sobre a necessidade de reorganizar as corporações policiais no Brasil.

"É uma cultura completamente militarizada, que vem da época da ditadura e que não é adaptada à realidade atual do Brasil. Se o filme conseguir colocar a estrutura policial na agenda política, terá um papel importante", diz Padilha, que também estuda propostas de estúdios para dirigir filmes na Europa e Estados Unidos. "Mas caso aceite alguma das propostas, quero manter no exterior a ideologia da Zazen Produções, de realizar somente filmes socialmente engajados e relevantes."

Gazeta Mercantil

Associação de roteiristas brasileiros lança seu site

2007-10-24T04:58:00.000-07:00

A associação Autores de Cinema, que tem como sócios 25 dos principais roteiristas cinematográficos do Brasil, lançou na última sexta-feira seu site: www.autoresdecinema.com.br.

O objetivo é divulgar o trabalho da associação, criada no ano passado para valorizar o trabalho do roteirista no país. A AC tem como presidente Di Moretti ("Latitude Zero") e como tesoureiro Bráulio Mantovani ("Cidade de Deus", "Tropa de Elite"). Este último participa de bate-papo no UOL nesta quarta-feira, às 15h, e deve falar dos filmes que escreveu e também da AC.

Além de Moretti e Mantovani, a associação conta com nomes como Jorge Durán ("Proibido Proibir"), Luiz Bolognesi ("Bicho de 7 Cabeças") e Claudio Yosida ("De Passagem"), entre outros.

Além de notícias, dicas e um blog, o site oferece também o download de alguns roteiros produzidos pelos sócios, como os de "Cabra Cega", "Latitude Zero" e "Cidade de Deus".

Fonte UOL

###

Vale lembrar que nos Estados Unidos está havendo uma greve dos roteiristas pois eles exigem maios reconhecimento sobre sua obra, com salários da altura dos salários dos diretores de cinema. Não tenho certeza se esses fatos estão relacionados, mas essa semana a continução do filme "superman" acabou de perder os seus dois roteiristas o que deve acabar por adiar ainda mais o projeto. Inclusive o Fernando Meirelles apoiou recentemente em seu blog essa atitude dos roteiristas de hollywood e também deu uma "aula" sobre influência do roteiro no conteúdo final do filme além da estóri narrada pelo mesmo, citando, inclusive, o filme de Martin Scorsese "Os Bons companheiros" como sua Bíblia de roteiro. Esse texto do Fernando Meirelles pode ser conferido clicando aqui.
Abaixo, um pequeno trecho do blog:

"Ou seja, qualquer decisão do roteirista pode transformar o filme radicalmente não só em seu conteúdo, mas em seu formato. Há uma pequena guerra nos EUA no momento, entre os roteiristas e os estúdios. Eles querem ser reconhecidos como autores dos filmes no mesmo patamar que os diretores com cachês e prestígio igual. Acho mais do que justa esta reivindicação. Só porque o que escrevem vai para o lixo no final da filmagem não quer dizer que seu trabalho não tenha a mesma, ou às vezes maior, importância do que o trabalho do diretor." Fernando Meirelles

Roteiros disponíveis no site www.autoresdecinema.com.br:

Vale a pena conferir esse site que conta também com biografias dos roteiristas associados, notícias e textos relativos à profissão de roteiristas.

Documentário investiga estrela-mirim dos quadros

2007-10-23T19:22:00.000-07:00

'Pintora aos 4 anos' narra ascensão e queda da pequena Marla Olmstead.
Filme tem sessões nesta e na próxima terça (23 e 30) na Mostra.

“Até uma criança poderia fazer isso.” Mistura de preconceito e desconfiança com relação a quem dita hoje as regras no lucrativo e hermético mercado das artes, a observação é das mais corriqueiras quando se depara com uma pintura abstrata ou uma peça qualquer exposta em uma galeria de arte contemporânea. Mas no caso dos quadros de Marla Olmstead, que chegaram a ser vendidos por US$ 25 mil, a observação que antes poderia soar ofensiva ganha outro sentido: trata-se da mais pura verdade (ou não?).
“Pintora aos 4 anos”, documentário de Amir Bar-Lev que está sendo exibido na 31ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, conta a história da menina que virou manchete nos principais jornais e canais de televisão dos Estados Unidos em 2004 depois que suas pinturas foram descobertas por um galerista americano e descritas não apenas por ele mas por muitos especialistas e críticos de arte como obras de “um verdadeiro gênio” das artes. Em sua primeira exposição individual, Marla Olmstead, então com apenas 4 anos, teve todas as suas telas – enormes pinturas a óleo coloridas e... abstratas – vendidas para compradores que a comparavam a Jackson Pollock, Monet ou Picasso .

Incentivada pelo pai, ele próprio um pintor frustrado e sem talento, a menina vai produzindo um quadro após o outro e, em menos de um ano, torna-se um dos nomes mais quentes das artes americanas: no momento em que o popular programa de televisão “60 Minutes” decide fazer um perfil da menina-prodígio, o número total de pessoas na fila de espera para comprar uma pintura de Marla já chegava a 200. Dois dias após este mesmo perfil ir ao ar, entretanto, o número de encomendas chegou a zero.

Com a mesma velocidade com que se tornou queridinha no mundo das artes, a reputação de Marla despencou no momento em que a reportagem do “60 Minutes” colocou em questão a autenticidade de suas pinturas. Os produtores do programa acreditaram ter reunido evidências para supor que o pai da menina, Mark, seria o verdadeiro responsável pela “genialidade” da garota – por genialidade entenda-se o fato de ela pintar como uma artista abstrata adulta. Uma câmera escondida instalada no porão da residência dos Olmstead mostrou o que parecia ser Mark “dirigindo” o processo de criação de Marla.
E é nesse momento que, com a mesma transparência com que antes demonstrava empolgação com a história de Marla, o diretor do documentário passa a revelar suas próprias dúvidas sobre a autenticidade. Ao longo de mais de um ano de filmagens, Bar-Lev não conseguiu registrar a realização sequer de um quadro do começo ao fim. Ao contrário, em todas as vezes em que tentou, o resultado foram pinturas infantis que não passavam do que se esperaria de alguém como Marla, ou seja, de uma menina de 4 ou 5 anos. Seria ela apenas uma marionete das pretensões artísticas de seus pais? Teriam seus compradores sido enganados por um galerista oportunista e marketeiro? E quanto ao documentarista: não estaria ele sendo usado pela família como mais uma forma de dar legitimidade e credibilidade à história de Marla?

Como a sempre recorrente pergunta sobre o que é ou não arte, “Pintora aos 4 anos” não oferece respostas prontas. Não por falta de empenho de seu diretor, dos pais da menina ou mesmo de seus críticos em tentar provar o seu ponto. É que, como diz um crítico do jornal “The New York Times” entrevistado no filme, a única verdade que existe é aquela que se deseja contar. Se as pinturas de Marla – ou pelo menos creditadas a ela – um dia vão valer US$ 20 milhões ou se estarão destinadas a enfeitar a geladeira dos Olmstead daqui para frente, só o tempo e os próprios compradores serão capazes de dizer.

31ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo
“Pintora aos 4 anos”, de Amir Bar-Lev
Terça (23), 17h, Unibanco Arteplex 1
Terça (30), 19h, Cine TAM

Fonte: G1

The Police abre camarim para repórter na França

2007-10-22T17:06:00.000-07:00

Sting, Andy Summers e Stewart Copeland falaram ao "Fantástico" sobre show no Brasil.
Trio, que volta depois de 25 anos, toca no dia 8 de dezembro no Maracanã.

Quase 25 anos atrás, antes do estouro dos irlandeses do U2, o título de maior banda do mundo pertencia a três músicos: o baixista e vocalista Sting, o baterista Stewart Copeland e o guitarrista Andy Summers. Se no palco eles mostravam entrosamento perfeito, fora dele, Sting e Stewart Copeland brigavam sem parar.

A banda acabou logo depois e Sting sempre disse que só voltaria ao The Police se recebesse antes um atestado de insanidade mental. E não é que em fevereiro deste ano, pouco tempo depois de lançar um CD de música medieval, Sting resolveu reformar a banda?

A turnê chega ao Rio para um show no Maracanã, no dia 8 de dezembro: 25 anos depois da única visita do grupo ao Brasil.

O programa "Fantástico" encontrou o trio em Paris, também num palco normalmente reservado ao futebol: o Stade de France. Tivemos acesso exclusivo aos camarins. Andy Summers nos recebe tocando uma música bem brasileira: “Lamento", de Tom Jobim. Pergunto se ele tocou só porque a repórter Sônia Bridi é brasileira.

“Não! Eu adoro bossa nova desde adolescente. Já toquei dezenas de vezes no Brasil sozinho e com amigos brasileiros”, explica o guitarrista.

E o que será que ele está achando de tocar no Maracanã, um templo sagrado do futebol? Bem-humorado, Andy Summers pergunta se a repórter acha que ao invés de tocar eles deveriam jogar futebol.

Uma coisa mágica nesse reencontro musical é que ao construir uma ponte do passado para o presente, o grupo abre caminho para o encontro das gerações. Pais e filhos assistem o show juntos. Um pai conta que viu The Police ao vivo, há 25 anos e diz que jamais imaginou que um dia poderia trazer as filhas para o show.

Esparadrapo

De volta ao camarim, encontro o baterista Stewart Copeland cuidando de uma marca registrada: o embrulho de esparadrapo que ele faz para não machucar os dedos. Questionado sobre como é tocar de novo no The Police, Stewart explica que só hoje, com a idade que tem, entende como Sting e Andy foram importantes na vida dele, mesmo com todas as brigas. Será que isso quer dizer, então, que eles continuam brigando?

“Com o Andy não tem problema. Já Sting e eu é que brigamos o tempo todo”, confessa.

Pelo visto, nada mudou. Num camarim muito zen, Sting, que admite:

“Depois de 25 anos, é como se o tempo não tivesse passado. Nós continuamos iguaizinhos. Temos nossas discussões, mas é muito bom tocar com eles novamente. E hoje somos uma banda melhor do que 25 anos atrás”.

Na hora do show, o público parece concordar. A repórter se despede entregando a eles um presente enviado por um certo senhor chamado Edson Arantes do Nascimento.

“Autografada pelo Pelé? Fala sério! Eu achei que ele fosse argentino”, brinca Stewart.

A piadinha só mostra que ele conhece muito o Brasil onde vai tocar.

Fonte: G1

Coppola busca a juventude em seu primeiro filme em 10 anos

2007-10-22T16:57:00.000-07:00

O diretor Francis Ford Coppola diz que tem muito em comum com Dominic Matei, o protagonista de seu primeiro filme em dez anos, Youth Without Youth. Isso pode soar surpreendente, vindo do criador premiado com o Oscar de Apocalypse Now e da trilogia Poderoso Chefão, já que Matei é um professor romeno de linguística, entrando na terceira idade, que sente que desperdiçou sua vida, perdeu a mulher que amava e não conseguiu criar uma grande obra acadêmica.

Pouco antes do início da 2a Guerra Mundial, Matei (o ator britânico Tim Roth) é atingido por um raio e se torna jovem novamente, tendo uma segunda chance de realizar seus sonhos.

Nas notas de produção, Coppola diz que, quando leu o livro em que o filme é baseado, ele estava, como o protagonista do livro, "começando a sentir-se no final de estrada", frustrado por não conseguir concluir o roteiro de "Megalopolis", projeto sobre uma utopia, no qual vem trabalhando há anos.

"Eu estava tentando me encontrar como roteirista e encontrar meu lugar na indústria do cinema, porque não queria mais ser o tipo de diretor de entretenimento que tenho sido ¿ queria ser alguém que só faz filmes pessoais", disse Coppola, 68 anos, a jornalistas após uma exibição do novo filme para a imprensa.

"Quando eu era jovem, nunca esperei ter o tipo de sucesso que acompanhou 'Chefão'."

"Foi apenas mais tarde, quando fiquei mais velho, que pensei: se eu vivi a vida de um diretor mais velho quando era jovem, talvez possa ter a vida de um diretor mais jovem quando sou velho ¿ e isso me levou ao tema do livro de Mircea Eliade."

O filme, que fará sua estréia no sábado no festival de Roma, é baseado num romance curto do escritor romeno Mircea Eliade.

Reações Divididas

Coppola financiou o filme com a renda de sua vinícola na Califórnia e filmou na Romênia "como se eu estivesse fazendo um filme de estudante", com elenco e equipe técnica quase inteiramente locais e um van equipada para transportar todos os equipamentos.

O resultado é uma história complexa que mistura os ingredientes de um thriller de espionagem, incluindo cientistas nazistas loucos que estudam mutações genéticas, com reflexões filosóficas sobre o tempo, a linguagem e a reencarnação.

A reação dos críticos ao filme foi dividida. Alguns acharam o filme errático e demasiado ambicioso.

Mas Coppola, que depois de seus triunfos iniciais já teve sua justa parcela de fracassos, disse que o artista nunca deve se preocupar com a primeira reação do público a seu trabalho.

"Quando você se aventura em terreno novo, quando filma um autor como Eliade, já sabe que será algo diferente de Shrek, Homem Aranha ou outros filmes que têm sucesso imediato."

"Leva tempo para o público decidir se é bom ou ruim. Você sabe que no caso de Apocalypse Now, por exemplo, só agora as pessoas estão decidindo o que pensam do filme?"

Indagado se cogitaria em revisitar seus clássicos dos anos 1970 ou fazer um Poderoso Chefão 4, Coppola respondeu com um "não" categórico. Acho que qualquer remake é um desperdício de energia e recursos."

Trailer do filme Youth without Youth

Fonte: Reuters

Ao lado da família, Coppola apresenta filme em Roma

2007-10-21T14:45:00.000-07:00

Francis Ford Coppola participou da exibição de seu último filme, Youth Without Youth, neste sábado, no Festival de Roma. O cineasta americano estava acompanhado da mulher, Eleanor, e dos filhos, Sofia e Roman.

Youth Without Youth, que traz no elenco Tim Roth, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz e André Hennicke, é uma reflexão sobre o homem, o tempo, a linguagem e como isso tudo foi visto pela metafísica e a filosofia oriental.

Foi o próprio Coppola quem financiou o filme. "Sempre senti que o cinema estava mais relacionado com a poesia que com uma ficção narrativa e pode, portanto, usar essa expressão maravilhosa que é a metáfora", disse ele em Roma.

O diretor disse também que Youth Without Youth chocará quem acompanhou seu trabalho anterior. Segundo ele, às vezes leva tempo para que o público aceite muitas das grandes obras da música, da ópera, da literatura.

Fonte: Terra

DiCaprio apresenta documentário sobre crise ambiental

2007-10-21T14:36:00.000-07:00

Ator produz e narra 'A última hora', exibido na Mostra de Cinema.
Filme serve como alerta, mas tem mensagem positiva.

Já virou hábito o envolvimento de estrelas hollywoodianas em causas sociais, mas Leonardo DiCaprio resolveu ir além. Seguiu os passos do agora vencedor do Nobel da Paz, Al Gore, e produziu o documentário “A última hora”, em cartaz na Mostra de Cinema de São Paulo, sobre causas e conseqüências do aquecimento global, e como a situação pode ser revertida.
Narrado por DiCpario, o documentário (veja o trailer) faz uma colagem de imagens de catástrofes ambientais mundiais –com muito foco nas cenas de Nova Orleans inundada após o furacão Katrina- e depoimentos de consagrados especialistas nas mais variadas áreas e assuntos.

Entre os entrevistados estão, por exemplo, o ex-presidente soviético Mikhail Gorbachev, o cientistas Stephen Hawking e autoridades em projetos de sustentabilidade como William McDonough e Bruce Mau.

Para quem não tem conhecimentos aprofundados sobre as questões ambientais nem noção da medida exata das conseqüências do que está acontecendo atualmente no mundo, o filme esclarece e serve ainda como alerta.
Mas vai além: os entrevistados de “A última hora” mostram projetos, segundo eles viáveis, de transformar o planeta –com seus veículos, empresas e residências- em sustentável. E de mudar o uso e as fontes de energia.

O documentário peca em não abrir espaço para pontos de vista divergentes, mas termina bem, com visões otimistas sobre o destino da humanidade e mensagens que incentivam uma vida mais saudável e menos consumista.

MOSTRA INTERNACIONAL DE CINEMA DE SÃO PAULO
"A última hora", de Nadia Conners e Leila Conners Petersen
Domingo (21), às 14h30, no HSBC Belas Artes
Segunda-feira (22), às 17h30, no Unibanco Arteplex
Quinta-feira (25), às 16h, no Unibanco Arteplex

fonte: G1

Cinemmus

2007-10-21T07:21:00.000-07:00

O blog está com um novo sistema de marcadores. Ao invés de separar por tema, vamos separar por "área de interesse". Ou seja, agora estamos divididos em Cinema, Música e Artes.
Isso, além de deixar o layout do blog mais limpo, facilita pra quem quer ler só sobre música ou só sobre cinema, por exemplo.

Dúvidas, reclamações, elogios ou sugestões?
É só deixar seu comentário!

J.K. Rowling revela que Dumbledore é gay

2007-10-21T06:55:00.000-07:00

Fonte: G1 Pop & Arte

A autora de Harry Potter acabou com os rumores sobre a opção sexual de um de seus personagens: o mágico e diretor da escola Hogwarts. J.K. Rowling contou que Albus Dumbledore é gay.

Ao ser questionada por um fã durante um evento no Carnegie Hall de Nova York, onde foi promover o sétimo e último livro da série, "Harry Potter e as Relíquias da Morte", na sexta-feira à noite, a autora revelou que Dumbledore encontra o “seu verdadeiro amor”. “Dumbledore é gay”, afirmou ela.

A revelação foi feita durante sessão de autógrafos do último livro da série, ‘Harry Potter e as Relíquias da Morte’, que chegará ao Brasil traduzido para a língua portuguesa em novembro.

Fãs de Harry Potter discutiam sobre a preferência sexual de Dumbledore na internet. A polêmica cresceu devido ao fato dele nunca estar próximo de uma mulher e ter um passado misterioso.

Segundo a escritora, Dumbledore era apaixonado por seu adversário, Gellert Grindelwald, a quem tinha derrotado numa antiga batalha entre bruxos do bem e do mal.

Após a surpresa inicial causada pela revelação, a platéia começou a aplaudir, e a escritora comentou: "Se soubesse que a notícia os faria tão felizes, teria dito antes".

"O amor pode nos cegar", acrescentou a escritora, segundo quem Dumbledore tinha sofrido uma "terrível decepção" e seu amor por Grindelwald tinha sido para ele uma "grande tragédia".

Segundo a "BBC", Rowling contou ao público que enquanto trabalhava no projeto do sexto filme da série, "Harry Potter e o Príncipe Mestiço", viu que o roteiro mencionava o interesse de Dumbledore por uma moça.

A escritora decidiu então esclarecer as coisas e informou ao diretor do filme, David Yates, da condição gay do personagem.

Coppola nega ter criticado De Niro, Pacino e Nicholson

2007-10-20T16:11:00.000-07:00

O cineasta americano Francis Ford Coppola afirmou, neste sábado, em Roma que "admira e respeita" os atores Robert de Niro, Al Pacino e Jack Nicholson e negou tê-los criticado, como foi publicado.

» Coppola critica De Niro, Al Pacino e Jack Nicholson

"As críticas apareceram na imprensa há dois dias e fiquei muito surpreso, porque não é verdade", disse Coppola em entrevista coletiva, após a exibição de seu último filme, Youth without Youth (Juventude sem Juventude) - o primeiro em dez anos -, no Festival de Cinema de Roma.

"Eu não tenho nada além de admiração e respeito. Eles são três dos melhores atores da atualidade e meus amigos, por isso tenho mais que admiração por eles", afirmou. Coppola fez a declaração sem que ninguém perguntasse sobre o assunto, mas se antecipando às questões que poderiam surgir.

O diretor de Apocalipse Now e O Poderoso Chefão destacou que não podia sequer entender o que aconteceu nem por que tinham atribuído a ele tais afirmações. Sobre De Niro e Pacino, disse: "Eu não os fiz, eles me fizeram".

Já de Nicholson, afirmou que "é extremamente inteligente". Coppola disse que acredita que o Daily News tenha distorcido suas declarações, tirando-as do contexto e estampando manchetes como "estes atores são vagos" ou "desperdiçam talento".

Sobre Youth without Youth, o cineasta, de 68 anos, revelou que sempre quis fazer um "cinema autoral" e o resultado foi este filme, muito diferente de seu trabalho anterior.

"Sempre quis ser um diretor autoral. Quando éramos jovens fomos inspirados pelo grande cinema da Europa, da Itália, da França, que tinha tantos bons diretores, e também os japoneses", disse, ao explicar este trabalho, mais na linha do cinema de autor do que de uma grande produção de Hollywood.

"Quando jovem nunca pensei que teria o êxito que tive com O Poderoso Chefão e sempre tive a vontade de escrever roteiros sobre coisas interessantes e fazer filmes de uma forma muito pessoal", acrescentou.

"Sempre senti que o cinema estava mais relacionado com a poesia que com uma ficção narrativa e pode, portanto, usar essa expressão maravilhosa que é a metáfora", prossegue.

Youth without Youth, que traz no elenco Tim Roth, Alexandra Maria Lara, Bruno Ganz e André Hennicke, foi financiado pelo próprio diretor, "o que não quer dizer que tenha sido de baixo custo", e é uma reflexão sobre o homem, o tempo, a linguagem e como isso tudo foi visto pela metafísica e a filosofia oriental.

No entanto, a metafísica e as emoções, ao contrário da ação, não são fáceis de serem mostradas no cinema, como afirmou um dos responsáveis pela montagem do filme, Walter Murch, também presente na entrevista coletiva.

"A ação é muito fácil, representa a si mesma. Já o pensamento não, por isso é preciso buscar uma forma externa para representá-lo. Em qualquer filme deste tipo, a riqueza do filme vem da de simbologias, imagens e idéias que interagem", disse Murch.

Consciente de que o filme chocará os que acompanharam seu trabalho anterior, Coppola pediu "tempo", porque quando se faz "uma nova obra que não tem semelhança com as que já foram lançadas é preciso que o público decida se é boa ou ruim".

Lembrou ainda que "às vezes leva tempo para que o público aceite muitas das grandes obras da música, da ópera, da literatura", por isso disse que os artistas não podem fazer filmes pensando apenas na reação imediata das pessoas.

Fonte: terra

Jack White e Eddie Vedder juntos em filme

2007-10-20T15:12:00.000-07:00

Fonte: MTV e UOL

O filme "Walk Hard: The Dewey Cox Story" (Pise Firme: a história de Dewy Cox, em tradução livre) terá Jack White, da dupla White Stripes, como Elvis Presley. O longa-metragem dirigido por Jake Kasdan é uma paródia de “Walk The Line”, filme que retrata a vida de Johnny Cash e de sua mulher June Carter e de outros momentos marcantes na música contada através de um personagem chamado Dewey Cox.

Na história, os Beatles são interpretados por Jack Black (Paul McCartney), Paul Rudd (John Lennon), Justin Long (George Harrison) e Jason Schwartzman (Ringo). O líder do Pearl Jam, Eddie Vedder, faz uma ponta no filme apresentando um show.

“O John C. Reilly me ligou e perguntou se eu aceitaria. Eles filmariam em alguns dias. Eu disse ‘Ok, mas em que ano é para ser?’, e eles disseram que era 1957, então estava ok”, contou White. “Eu pensei que fosse apenas ser alguma coisa para a TV a cabo, mas ele disse ‘Não, este será um dos maiores filmes que esta produtora vai lançar neste ano’”.

White disse ainda que achou o roteiro de “Walk Hard” bastante engraçado. “É uma paródia de biografias musicais, e o John C. Reilly interpreta um personagem que passar por vários períodos diferentes, e em um certo momento ele toca com o Elvis. E esse sou eu”, explicou.

Rapidinhas [Cinema]

2007-10-19T09:03:00.000-07:00

Fontes: G1, terra, cinema com rapadura

"Tropa de Elite" vira polêmica até mesmo na Espanha

O El País publicou: "A polícia aparece como é, corrupta, às vezes mancomunada com os traficantes, aos quais vende inclusive armas; mas também imprescindível para lutar contra o narcotráfico. Os traficantes aparecem sem romantismo, terrivelmente violentos e dispostos a semear o terror e a morte para manter o controle do mercado".
Se algumas pessoas ficam indiferentes ao filme, outras já o aplaudem de pé. Fato é que "Tropa de Elite" realmente parece ter mexido com os cidadãos brasileiros, e agora promete conquistar o mundo. "Além do mais, é uma bofetada na classe média que consome drogas: diz sem meias palavras que cada cigarro de maconha ou cada grama de cocaína que se compra contribui para que floresçam mais traficantes, mais violência, e mais mortes", encerra o El País.

Benniof roterizará adaptação de biografia de Kurt Cobain

Segundo a Variety, a Universal Pictures adquiriu os direitos de adaptação da biografia do falecido líder da banda Nirvana, Kurt Cobain (-1994), "Heavier Than Heaven" ("Mais Pesado que o Céu"). A obra foi escrita pelo jornalista Charles R. Cross e terá o roteirista David Bennioff ("A Passagem") como responsável pela adatação para o texto cinematográfico.
O filme será co-produzido pelas companhias Working Title e Reveille Motion Pictures. Os produtores da fita serão Eric Fellner ("Vôo United 93"), Tim Bevan ("Orgulho e Preconceito"), Ben Silverman (da série de TV "The Office") e Graham Larson ("O Último Samurai"). A viúva de Cobain, Courtney Love, atuará como produtora executiva.

Diretor Brian de Palma repudia cortes em filme sobre o Iraque

O veterano diretor de Hollywood Brian de Palma criticou o que classificou de a censura do seu novo filme sobre o Iraque e o efeito negativo dos interesses empresariais norte-americanos sobre a guerra.
Redacted (o título significa "cortado" ou "editado") é baseado na história verídica de um grupo de soldados norte-americanos que estupraram e mataram uma garota iraquiana de 14 anos e assassinaram membros de sua família.
"Redacted foi censurado. É irônico", disse de Palma, que ficou célebre por filmes como Scarface e Os Intocáveis, em entrevista. "Lutei de todas as maneiras para impedir que as fotos foram censuradas, mas perdi."
Ele culpou "as seguradoras" por exercer controle demais sobre a distribuição do filme. O presidente da Magnolia, Eamonn Bowles, admitiu que a distribuidora não poderia segurar o filme se as fotos não editadas fossem incluídas. Elas foram consideradas chocantes demais para serem publicadas em jornais e matérias de televisão.

Paramount anuncia o elenco completo do novo longa de Star Trek

A Paramount confirmou nesta quinta-feira que os atores Chris Pine e Karl Urban estão escalados, ao lado de Zachary Quinto, para viver o trio principal do novo longa da série Star Trek para cinema, que será focado na juventude dos tripulantes da nave Enterprise.

Chris Pine, da comédia Sorte no Amor, vai viver o jovem capitão James T. Kirk, personagem imortalizado por William Shatner, enquanto Urban, mais conhecido por sua participação na trilogia O Senhor dos Anéis, interpretará o médico de bordo, dr. Leonard "Magro" McCoy.

O novo filme de Star Trek, o 11º para cinema, conta ainda com Zachary Quinto (o vilão de Heroes) no papel do lendário Sr. Spock. O ator original do alienígena de orelhas pontudas, Leonard Nimoy, deve fazer uma participação especial na produção.

Eric Bana (de Tróia e Munique) vai viver o vilão da trama, que tem produção e direção de J.J. Abrams, criador das séries Alias-Codinome Perigo e Lost.

Completam o elenco os atores Simon Pegg (engenheiro Scotty), John Cho (Sulu), Zoe Saldana (Uhura) e Anton Yelchin (Chekov).

Filme de 'Wolverine' tem data de estréia oficial

O filme inspirado no personagem Wolverine, da série X-Men, já tem data de estréia confirmada: 1 de maio de 2009, segundo informações do site Movie Hole.

Além da notícia, o diretor Gavin Hood afirmou que o projeto terá o título de X-Men Origins: Wolverine, indicando que mais longas-metragens mostrando as origens dos heróis - e dos vilões - chegarão em breve.

Além de Wolverine, outro personagem de X-Men vai ganhar um filme em breve: o vilão Magneto, interpretado por Ian McKellen.

'Control' é filme de amor com boa música, diz diretor

2007-10-19T08:58:00.000-07:00

Fonte: G1

Foi um acordo fechado com um aperto de mãos. E, 28 anos depois, resultou em “Control”, filme sobre a vida e o suicídio de Ian Curtis, líder da lendária banda Joy Division, que será exibido nesta sexta-feira (19), primeiro dia da Mostra de Cinema de São Paulo.

O ano era 1979. Foi em uma estação de metrô londrina que os membros da banda e o fotógrafo Anton Corbijn (então com 24 anos) apertaram as mãos, depois de uma sessão de fotos de dez minutos que se tornou um dos ensaios mais famosos do rock ’n’ roll.

Em maio de 1980, Curtis morreu, aos 23 anos. Àquela altura, com apenas dois álbuns lançados, o Joy Division já tinha mudado a música, com sua combinação de pós-punk e dark, letras pessoais apoiadas por um som rígido e cavernoso.

Corbijn tornou-se um fotógrafo renomado, criando imagens memoráveis de U2, Depeche Mode e R.E.M. Ele ainda dirigiu vídeos dessas bandas e de outras, incluindo Nirvana.

Em um DVD lançado em 2005, com uma compilação dos vídeos de Corbijn, Peter Hook, baixista do Joy Division (e do New Order) disse, meio brincando: “Nós fizemos dele o que ele é ele, sabia? Ele não seria nada sem a gente”.

Aos 52 anos de idade, Corbjin afirmou à agência de notícias Associated Press que ele decidiu fazer sua estréia na direção de longa-metragem motivado por “uma ligação emocional com a história, e pensei que isso poderia compensar alguma falta de conhecimento sobre como fazer um filme”.

“Ao mesmo tempo, eu quis encerrar uma parte da minha vida, onde tudo o que eu faço ainda tem influências de minha adolescência. Então, talvez essa decisão englobe tudo isso.”

História de amor

O filme de Corbijn é uma incomum biografia que se concentra no casamento precoce de Curtis e suas aflitivas crises de epilepsia. Os ataques de Curtis (incluindo um no palco) são mostrados como a principal razão de seu suicídio, considerando os efeitos de seus medicamentos, freqüentemente misturados a álcool.

“Control” foi aplaudido em vários festivais de cinema, inclusive em Cannes, onde o diretor recebeu três prêmios. Corbjn estava inflexível em não classificar “Control” como um “filme de rock”.

“É um filme sobre um garoto que tinha um sonho e tentou realizá-lo, mas termina num ponto em que ele se encontrava infeliz. É uma história de amor, com músicas boas. É assim que vejo, nessa ordem”, explicou o diretor.

Escrito por Matt Greenhalgh, o filme é baseado no livro "Touching from a distance", de Deborah Curtis (interpretada por Samantha Morton), mulher do vocalista. Os dois se casaram em 1975 e tiveram um bebê quatro anos depois. Curtis, no entanto, teve um caso com uma mulher chamada Annik Honore, também mostrada no filme.

“Embora eu nunca tivesse visto Anton antes, o fato de ele ser conhecido pela banda e de ter vivido no Reino Unido por tanto tempo me pareceu uma grande vantagem, muito melhor do que lidar com um completo estranho”, afirmou Deborah.

Cantar e fumar muito

O papel de Curtis foi dado a Sam Riley, selecionado por meio de testes. Riley, líder da banda 10.000 Things, já havia , coincidentemente, feito uma breve participação em "A festa nunca termina" –filme de 2000, que retrata a Factory Records e a cena musical de Manchester, com o Joy Division e outras bandas.

Em entrevista dada por telefone, de Londres, onde está filmando sua nova produção, Riley disse: “Não pude acreditar que tinha conseguido aquela oportunidade. Ele [o diretor] me disse que não sabia se conseguiria encontrar exatamente o que estava buscando: um ator desconhecido que soubesse cantar e fosse capaz de fumar muitos cigarros”.

Riley estudou o pequeno material disponível sobre Curtis, tendo prestado máxima atenção em seu inconfundível movimento de braço enquanto dança. Já que isso é uma das poucas características que as pessoas imediatamente reconhecem em Curtis, era importante para criar autenticidade.

Corbijn elogiou o ator e disse que ele fez o filme melhor do que o esperado.

Filmado em preto-e-branco, "Control" tem a maioria de suas músicas apresentadas ao vivo –e para essas cenas, Riley e uma banda tocaram eles mesmos as canções.

“Quando ouvi a música vindo da bateria, do baixo, da guitarra atrás de mim, da banda verdadeira, me deu um clique. Nos sentimos como ‘canalizando’ o som de alguém tão pomposo, mas àquela altura eu não estava mais pensando nisso."

Corbijn incialmente estava relutante em fazer "Control", preocupado de ser acusado (como aconteceu em sua carreira de fotógrafo) de ter ligação apenas com a música. Ele também esperava que esse fosse seu único filme, mas a experiência despertou nele a vontade de repetir a experiência.

Embora "Control" encerre um capítulo da vida do diretor, também foi responsável por abrir um novo, como cineasta. "Esse filme foi uma das melhores coisas que aconteceram na minha vida.”

MOSTRA INTERNACIONAL DE CINEMA DE SÃO PAULO

"Control", de Anton Corbijn
Quando: sexta-feira (19), às 18h40

Onde: IG Cine (Rua Fradique Coutinho, 361, tel. 5096-0585)

Francis Ford Coppola ataca estrelas da trilogia do Poderoso Chefão

2007-10-18T06:31:00.000-07:00

Francis Ford Coppola tem criticado Robert De Niro e Al pacino duas das estrelas da lendária trilogia do Pordeoro chefão, alegando que eles estão na sombra das atuações do passado. Coppola, que possui em parceria um vinhedo, acusou seus dois antigos colegas de trabalho de perder o rumo profissional. Ele também apontou suas critícas para Jack Nicholson, estrela de "O iluminado", obra prima de Stanley Kubrick, alegando que Nicholson agora só gasta seu tempo com os "poderosos e chefões" de Hollywood.
Ambos Pacino e De Niro têm se mostrado dispostos a pegar os cachês de blockbusters em anos recentes, um fato que parece ter irritado Coppola, 58, que se orgulha de seus apoios independentes. Pacino agora é "muito rico, talvez porque nunca gasta seu dinheiro; sempre o guarda embaixo do colchão", disse Coppola à GQ magazine. Por outro lado De Niro, que se tornou estrela de boxes como "mafia no divã" e "entrando numa fria", é agora "saudável e poderoso" - aparentemente um erro sob o ponto de vista de Coppola.
Copolla dirigiu Al Pacino em O Poderoso Chefão (1972) e Pacino e Robert De Niro em O Poderoso Chefão II (1974). Ele trabalhou com Jack Nicholson em The Terror (1963), produção na qual não foi creditado.

Coppola no set de "O poderoso chefão"

O cineasta afirmou não conhecer mais nenhum desses atores. "Eu não sei mais se eles querem as mesmas coisas", disse ele. Copolla citou Pacino como exemplo. "Ele sempre quis fazer teatro e disse que nunca iria para Los Angeles, mas agora todos eles moram lá", completou. "Conheci Pacino e De Niro quanto eles estavam começando. Os dois eram jovens e inseguros. Agora, Pacino é muito rico e De Niro se inspirou no Zoetrope (estúdio de Coppola) e se tornou estrela de boxes como "mafia no divã" e "entrando numa fria", é agora "saudável e poderoso" - aparentemente um erro sob o ponto de vista de Coppola. "Nicholson era - quando eu o conheci e trabalhei com ele - sempre brincalhão. Ele tinha um pouco de maldade. Ele é inteligente. Sempre foi ligado aos caras importantes e chefes dos estúdios", disse ele.
Comparando o entusiasmo em atuar desses dois mestres do cinema, Pacino e De Niro, com jovens estrelas como Spaniard Javier Bardom, Coppol diz: " Eu não sinto esse tipo de paixão em fazer um papel ou de estar ótimo no filme vindo destes dois caras". E ainda acrescentou: "Eu acho que se tivesse um papel que De Niro estivesse louco pra fazer, ele iria atrs disso. Eu não acho que Jack iria. Jack (Nicholson) tem dinheiro, influência e garotas e eu acho que é um pouco como Marlon Brando, exceto pelo fato que Brando atravessou por alguns momentos difíceis".

Fonte: Telegraph Newspaper online

Led Zeppelin - O possível retorno da lenda

2007-10-17T18:06:00.000-07:00

Que o Led Zeppelin fará um show bem em breve acho que não é novidade mais pra ninguem (caso seja pra você, clique aqui e se informe), mas alguns membros da banda deram declarações afirmando o desejo de produzir material novo e, de certa forma, indiciando um ressurgimento da banda que encerrou suas atividades após a morte do magistral baterista da banda John Bonham. Acompanhe notícia que saiu no site de música do G1:

Led Zeppelin pode gravar novo material, diz Jimmy Page

"Ficaria surpreso se isso não acontecesse", declarou o guitarrista.
Remanescentes do grupo tem show marcado para o dia 26 de novembro.

Do G1, em São Paulo

O guitarrista Jimmy Page disse que os membros remanescentes do Led Zeppelin podem gravar material novo depois do show de reunião do grupo, marcado para o próximo dia 26 de novembro, em Londres.

"Olha, eu ficaria surpreso se não houvesse [novo material] - você sabe, eu conheço bem o jeito que nós somos", contou o guitarrista a Sun Media.

A banda inglesa, que se separou em 1980 após a morte do lendário baterista John Bonham (substituído na futura apresentação pelo seu filho, Jason), fará uma performance em homenagem ao fundador da gravadora Atlantic, Ahmet Ertegun, que morreu no ano passado. O dinheiro arrecadado no show será destinado a uma fundação que concede bolsas escolares.

"Basicamente estamos nos concentrando neste show", disse John Paul Jones, baixista e tecladista. "É para onde toda a energia está sendo direcionada. Digo, quem sabe, mas um passo de cada vez", afirmou.

"Nós somos músicos... assim que começarmos a tocar vamos criar uma maneira de levar as coisas. E será divertido. Essa é a intenção da coisa toda", declarou Jimmy Page.

Momento da reunião

"Nós tivemos um encontro secreto para experimentar se era possível e se todos queriam fazer isso, se havia algum desejo", afirmou Jones.

Os dois não quiseram comentar as músicas que o Led Zeppelin vai tocar no show em Londres, mas disse que estão tocando "as canções de sempre nos ensaios". Pode haver uma parte acústica no show, cujo formato deverá ser definido nos próximos encontros de preparação.

[FIM]

Aguardaremos então!!!

Entrevista com Brian de Palma

2007-10-16T09:41:00.000-07:00

Fonte: Folha on line Por: Pedro Butcher (crítico da Folha, em Veneza)

Em setembro do ano passado, quando estava no Festival de Toronto para apresentar “Dália Negra”, Brian De Palma foi procurado por um representante da produtora HDNet Films com uma proposta: desenvolver um filme de U$ 5 milhões, sobre qualquer tema, desde que realizado em vídeo digital de alta definição.

De Palma respondeu que concordaria, se encontrasse um assunto adequado ao formato. Pouco depois, tomou conhecimento de um incidente da Guerra do Iraque em que soldados americanos de um posto de controle estupraram uma garota de 14 anos, massacraram sua família, atiraram no rosto dela e incendiaram seu corpo. “Como esses garotos podem ter chegado a esse ponto? Procurando respostas, li blogs de soldados, assisti a seus vídeos amadores, surfei pelos seus websites e pelo material postado no YouTube. Estava tudo lá, e tudo em vídeo”.

O resultado desse trabalho foi exibido pela primeira vez na sexta-feira passada, na competição do Festival de Veneza, provocando alto impacto. “Redacted”, que também será exibido no Festival de Toronto e tem estréia garantida no Brasil, é a recriação ficcional desse episódio brutal na forma de um documentário multiforme, reproduzindo os meios de captação e reprodução da imagem digital hoje: diários filmados, documentários amadores, câmeras de vigilância, testemunhos online. Na verdade, trata-se praticamente de uma refilmagem de “Pecados da Guerra”, que De Palma realizou em 1989, sobre um episódio muito semelhante ocorrido na Guerra do Vietnã.

Inconformado com a repetição de erros do passado e com a situação da mídia nos Estados Unidos hoje, De Palma fez um filme profundamente político, não só pelo seu conteúdo, mas também pela proposta de uma reflexão em torno do estatuto da imagem nos dias de hoje. “Redacted” significa “editado”, numa referência à forma como a informação sobre a Guerra do Iraque vem sendo veiculada pelos grandes meios de comunicação _“na base da omissão, da mentira e da censura”, nas palavras do diretor. Em entrevista à Folha, Brian De Palma transbordou sua indignação com a guerra e criticou, ainda, a indústria do cinema americano.

Folha - Depois da primeira exibição de “Redaced”, a platéia parecia um tanto atônita, sem saber como reagir ao filme. Você já acompanhou uma projeção pública? O que achou da reação?
Brian de Palma - Antes de Veneza, mostrei o filme para poucos amigos, produtores e distribuidores. Notei essa mesma reação, em todas as exibições que fiz. Não sei bem por que, talvez por ser algo novo as pessoas ainda não saibam exatamente como processar o que viram. Quando você faz algo inovador, é natural que perguntem o que é isso. Mas, na verdade, só estou apresentando um material na forma como eu o descobri. Procurei determinadas informações, e a forma do filme evoluiu naturalmente dessa pesquisa. Fiz “Redacted” da maneira que me pareceu a mais correta para expor o tipo de material que encontrei.

Folha - Como foi o trabalho de pesquisa?
De Palma - Basicamente, usei as ferramentas de busca da internet. Juntei mais de cem páginas de material e descobri tudo o que você vê no filme, não inventei absolutamente nada. O que selecionei e o que ficou na versão final é baseado em material de plena confiança. Está tudo lá. Nem sempre pudemos identificar a origem de certos materiais, que por isso não foram usados. Mas apenas por uma questão legal, não duvidei da veracidade deles.

Folha - Além da pesquisa virtual, você chegou a conversar com soldados?
De Palma - Sim, vários. A pesquisa não se limitou à internet. E o mais impressioannte é que as histórias são as mesmas, exatamente as mesmas do Vietnã! Os veteranos se fazem as mesmas perguntas, dizem as mesmas coisas: “O que fomos fazer lá? Todo mundo parece me odiar! Que diabos é isso? Meu amigo expliodiu atrás de mim!”. É exatamente a mesma história que contei em “Pecados da Guerra”.

Folha - Você encontrou muitas barreiras legais enquanto desenvolvia este filme?
De Palma - Sim. Precisei consultar advogados para saber o que poderia ser usado o tempo todo. O material que cai na internet não é de domínio público se você for fazer um filme de ficção. E isso é uma loucura. Nunca entendi direito como funciona essa legislação. Em nosso país, se você faz uma obra de ficção baseada em algo que supostamente aconteceu de verdade, pode facilmente ser processado pelas pessoas que viveram a história _mesmo depois de essa história ter sido publicada, impressa e transmitida pela televisão infinitas vezes. O argumento utilizado é que o cinema é um meio comercial, mas então eu pergunto: a televisão não é um meio comercial? É difícil entender porque perdemos tanto tempo com isso... Gostaria, por exemplo, de usar uma frase dita por um soldado numa determinada situação, mas não pude fazê-lo. Tudo, no filme, é ficcionalizado, mas não menos verdadeiro.

Folha - Como foi esse processo de “ficcionalização”?
De Palma - No fundo, fácil, porque na verdade já fiz esse filme antes. Conhecia o material dramático. Só me reaproximei daquela história em um novo país, o Iraque, sem precisar me afastar do material real que chegou às minhas mãos.

Folha - Por que a maior parte dos americanos não chegou a esse material, se ele está todo disponível na internet?
De Palma - Isso é curioso. Não sei por que, mas toda a forma como a informação circula mudou, e muita gente ainda não sabe como chegar até ela. Do Vietnã para cá, acho que o aspecto do mundo que sofreu a maior transformação foi a mídia, que hoje não informa, mas esconde a informação. É preciso fazer um filme sobre isso: o que aconteceu com a mídia? Que tipo de transformação se efetuou? A primeira Guerra do Golfo, por exemplo, foi impressionante. Parecia um show de fogos de artifício. Ninguém via onde as bombas caíam, eram apenas luzes no céu. Mas, Deus do céu, aquelas bombas estavam caindo sobre pessoas!

Folha - Ter feito esse filme em vídeo foi um ato político?
De Palma - Não, o vídeo não é político por ser vídeo, é apenas um meio que está aí, disponível. O fato é que surgiu toda uma nova indústria criativa a partir do vídeo e da tecnologia digital e nós não fazemos idéia de onde ela vai parar. Toda vez que me conecto na internet, descubro alguma coisa nova. Há correspondentes de televisão em várias partes do mundo que transmitem programas ao vivo, de suas próprias casas. Hoje, cada um pode ter seu próprio programa de TV. Isso é uma revolução.

Folha - Antes desse filme, você já estava amplamente familiarizado com a internet?
De Palma - Sim, adoro computadores, sou muito interessado no desenvolvimento da tecnologia, nas novas formas de captar e usar a imagem. Está tudo mudando muito rápido. Presto atenção na minha filha para saber o que está aparecendo.

Folha - Como você espera que seu filme seja recebido nos Estados Unidos?
De Palma - Fiz esse filme o mais silenciosamente possível, não queria que a notícia vazasse e algo pudesse atrapalhar nosso processo de trabalho. Tenho certeza de que “Redacted” vai desagradar muita gente. Sua primeira exibição está sendo aqui no Festival de Veneza. Acredito que, nos Estados Unidos, a reação vai ser bastante polarizada. A direita vai chamá-lo de propaganda comunista. Será uma reação forte. Já está sendo, aliás, antes mesmo do filme ser exibido.

Folha - Qual será, na sua opinião, o desenvolvimento da guerra a partir de agora? Haverá uma retirada em um curto espaço de tempo?
De Palma - Não. Essa guerra ainda vai durar muito tempo. Provocamos um caos e agora fica difícil sair dele. Alguém acreditou, algum dia, que nossa presença no Iraque tornaria algo melhor? Obviamente não sabemos nada! O que estamos fazendo lá? Mas a consciência do desastre está cada vez maior. Talvez com o novo Congresso, as coisas comecem a mudar. O desenrolar dessa guerra foi tão ruim e há tanta mentira que não há como evitar que as coisas venham à tona. É por isso que vamos ver mais filmes sobre esse assunto. Ainda não vi o filme de Paul Haggis [“In the Valley of Elah”, também em exibição em Veneza], mas tenho certeza de que é muito interessante. Oliver Stone vai fazer um novo filme sobre o Vietnã, e muitos outros estão vindo por aí.

Folha - Você é a favor de uma retirada imediata?
De Palma - Não sou político nem militar, não me considero com elementos suficientes para dizer qual a saída para essa situação. Só sei que não deveríamos estar lá, simples assim! O Oriente Médio é uma área complicada, que foi dividida e explorada. Árabes têm sido mortos há décadas. Já passamos por isso, lemos nossos livros de história, mas estamos nós de novo, invadindo, matando, estuprando, recolhendo todos os recursos. Até o Império cair e sermos expulsos. O que há de novo nisso? Minha maior esperança é que há um limite físico, no sentido de que não temos gente o suficiente para continuar mandando para a guerra.

Folha - Por que, no fim do filme, você exibe fotos reais e faz questão de deixar claro que essas fotos são reais, em uma cartela explicativa?
De Palma - Num filme como esse é preciso deixar claro o que é verdadeiro e o que é falso. Vivemos na era da reality TV, não quis reproduzir esse tipo de lógica no filme.

Folha - Você pretende continuar a fazer filmes políticos?
De Palma - Não sei. Estou muito indignado com o grau de corrupção nos Estados Unidos hoje. Certamente quero fazer um filme sobre isso. Também quero fazer outro filme usando essa mesma técnica, mas ainda não sei exatamente o quê.

Folha - Depois dessa experiência, você chegou a pensar em dirigir um documentário “puro”?
De Palma - Sim, se fosse um filme no estilo do cinema direto, o que sempre me interessou. Mas isso consumiria muito tempo; é preciso ficar dois, três anos acompanhando alguém para obter alguma coisa interessante, e tenho muitas idéias de ficção na minha cabeça.

Folha - Você acredita que seu filme possa mudar alguma coisa?
De Palma - Não quero mudar nada, mas espero, sim, fazer as pessoas entenderem melhor o que esses soldados têm passado e lutar para que esses fatos não sejam esquecidos. Moro numa região da Califórnia próxima do hospital dos veteranos. Vejo, todos os dias, veteranos caminhando nas ruas com um olhar absolutamente perdido, distante. Parece que estão caminhando por Marte... Não podem mais se comunicar, se relacionar com suas comunidades. As relações se destroçam depois de experiências como essa. É uma história terrível atrás da outra, o que deve continuar por décadas. Essas pessoas estão profundamente traumatizadas. Foi assim no Vietnã. Não temos idéia do tamanho do dano psicológico que sofreram.

Folha - É possível voltar à ficção depois de um filme como esse?
De Palma - Não sei... Quero ainda fazer muitos filmes, mas filmes que sejam do meu interesse, do coração. Estou cansado de lidar com todo o “mambo jambo” do cinema. Todos os executivos de Hollywood, hoje, vieram da televisão. Veja bem: há muita coisa boa na televisão, principalmente na TV a cabo, mas esses executivos simplesmente não entendem nada de cinema. Eles querem produzir coisas que possam passar no horário nobre.

Folha - Como está o projeto da continuação de “Os Intocáveis”?
De Palma - Ainda estamos procurando o ator ideal para interpretar Al Capone, mas não encontramos. Não tenho idéia se esse será meu próximo filme, mas esse projeto ainda está vivo.

Folha - Como vê as perspectivas de sua carreira, daqui para adiante?
De Palma - Qual é o objetivo de uma carreira cinematográfica hoje? Fazer um sucesso atrás do outro? Mas por quê? Depois que você juntou um certo dinheiro, qual é o sentido em ganhar mais dinheiro? Essa é a grande questão. Quando fiz “Missão Impossível”, meu filme de maior sucesso, Tom Cruise veio me perguntar se queria fazer “MI2”. Mas por quê? O que pode haver de interessante criativamente aí? Vejam Sam Raimi, um diretor tão talentoso, e o que ele tem feito? Vai passar o resto da vida fazendo “Homem-Aranha”! Vão fazer mais três filmes! Sinceramente, esse é um preço alto demais para ganhar 1 bilhão de dólares... Na minha idade, aproveito o que me resta. Estou feliz com os filmes que fiz, e quero fazer com que todos os dias sobre este solo que piso sejam bons dias.

(Esta é a versão integral da entrevista com Brian De Palma, cujos principais trechos foram publicados na capa da versão impressa da Ilustrada desta terça-feira.)

Um teaser trailler do novo filme do Brian De Palma "redacted" pode ser conferido clicando aqui.

"Tropa de elite" segundo o New York Times

2007-10-14T17:14:00.000-07:00

Aqui está uma tradução feita diretamente do site do Jornal americano The New York Times sobre o filme Tropa de Elite e a violência do RJ publicado hoje mesmo. Estava esperando desde o lançamento do filme alguma repercusão interessante do mesmo fora do país, bem, aqui está a visão americana de tudo que tem acontecido por aqui.

Uma unidade violenta da polícia, no filme e na cidade do Rio

RIO de JANEIRO, Oct. 14 — Para Antônia Dalva de Souza, um novo filme sobre a violenta Guerra entre as gangues de drogas do RJ e o batalhão de operações da policia militar acontece bem perto de casa.

Um membro do batalhão de operações especias da policia do estado, conhecido como BOPE, ficou de prontidão na favela Parada de Lucas no Rio de Janeiro durante uma ocupação em 2005 após oito seqüestros que tem como suspeitos traficantes de drogas.

Sua casa, que fica à beira do morro, com seus muros frageis e com buracos, estava perfurada por balas de policiais este ano. Uma cicatriz na parte superior de seu braço é devida à uma bala disparada em uma recente incursão da polícia, disse ela. Outra bala perdida matou a sua filha de 5 anos de idade, Joyce, em 1995, enquanto ela durmia em sua cama. Ela suspeita que a policia disparou o tiro.

“ Eles chegam atirando” afirma senhora Souza, de 32 anos. “Minhas crianças rastejam para debaixo de suas camas quando o tiroteio começa”.

Residentes da favela da Vila Cruzeiro, umas das mais violentas do Rio, dizem que eles estão sob cerco desde o ultimo mês pelos boinas negras, batalhão de operações especiais da policia, melhor conhecida como BOPE pelos brasileiros. Membros do batalhão rondam com veículos de armamento pesado carregando o símbolo da força, uma caveira e pistolas cruzadas, ou a pé, se movimentando assustadoramente, com a eficiência e velocidade de um gato.

Como todos os outros cariocas, senhora Souza também viu “Tropa de elite”, um novo drama brasileiro baseado na vida dentro da BOPE, que é repreendido com combate aos traficantes de droga da cidade.

O filme, que estreou em escala nacional na última sexta mas eu na última semana ofereceu pra o Rj e SP uma rara olhada no batalhão, que é mostrado como matador e torturador. O filme esta causando a reflexão de muitos brasileiros sobre até que ponto é aceitável a violência por parte dos policiais, especialmente no Rio, uma cidade com a taxa de homicídio seis vezes maior que a da cidade de Nova Iorque.

Em particular, tortura é apresentada no filme como um ato quase que constante na violencia urbana no Brasil, com oficiais de policia e traficantes competindo uns contra os outros na escala de brutalidade.

Mesmo antes de chegar nos cinemas, “Tropa de elite” já estava na trilha de se tornar um dos maiores filmes brasileiros. Uma versão pirateada do DVD foi vista por aproximadamente 11.5 milhões de pessoas, afirma o Ibope.

O esforço da policia para mantes o filme longe das salas de cinema falhou. O coronel da policia solicitou que José Padilha, diretor do filme, comparecesse para um questionamento na segunda-feira. Sr. Padilha disse sexta que isso fez parte de um esforço da policia para descobrir os oficiais que ajudaram à ele fazer “Tropa de elite”. Governador Sérgio Cabral do RJ o aconselhou a ignorar o chamado. “A policia está tentando perseguir todo mundo que trabalhou neste filme” disse Padilha.

Nenhum filme causou tamanho alvoroço aqui desde de “Cidade de Deus”, um aclamado filme de 2002 sobre as favelas do Rio, da perspective dos traficantes. “Tropa de elite” fez todo mundo que o assistiu promover debates questionando o uso de drogas pelos cariocas de classe média e alta como culpado pela guerra no Rio

O filme conta a história verídica de uma operação, os esforços do BOPE em 1997 para exterminar uma gangue de drogas que trabalhava na favela próxima à casa do arcebispo do Rio. BOPE foi responsável por manter a área segura antes da visita do Papa João Paulo II.

Durante a operação de quatro meses, BOPE matou 30 pessoas e prendeu 30, incluindo dois chefes de tráfico, disse Rodrigo Pimentel, um ex-oficial do BOPE que coordenou a operação e co-escreveu o livro no qual o filme é inspirado.

Tempos atrás, BOPE tinha aproximadamente 120 membros e é considerado o centro dos oficiais honestos do Rio. A força cresceu pra mais 400 atualmente, e sua reputação de ser incorruptível é moda.

Mas sua reputação para brutalidade é indisputável. Em uma cidade infestada de crimes violentos, o protagonista do filme, Capitão Nascimento, tem sido idolatrado pela maneira implacável e mortal que cuida dos criminosos.

Não é diferente do modo como os americanos tem crescentemente admirado o gente fictício Jack Bauer da série de TV “24 Horas”, em que com seu estilo sem barreiras trata das ameaças terroristas. Ambos os homens estão em profundos problemas. Capitão Nascimento, interpretado por Wagner Moura, sofre de ataque do pânico e luta em separar suas noites violentas de sua vida familiar.

O capitão e seus homens incessantemente estapeiam suspeitos de tráfico e cobrem suas cabeças com sacos plásticos até eles romperem em sangue. “bota na conta do Papa”, diz o capitão quando um companheiro de equipe pergunta à ele se queria que desse um fim na vitima torturada. Esta é uma frase que os membros do BOPE diziam freqüentemente durante a verdadeira operação, disse Sr. Pimentel.

Reações para o personagem capitão Nascimento tem se partido pelas classes sociais. “Ele traz segurança para nós, pessoas de classe média e alta” diz Aletea de Souza, professora de ed. Física, após uma sessão num domingo no Leblon. “Eu não diria que ele é um herói, mas ele é está no meio, entre o bem e o mal.”

Na Vila Cruzeiro, acham que o filme glorifica o BOPE. “ É um filme perigoso” diz Nanjo Van, eu dirige o Instituto brasileiro de inovações em saúde social, uma instituição não governamental na favela. “O BOPE esta torturando, e eles estão matando, e isso não esta certo.”. “Crianças nas favelas se vestem de preto e encenam sessões de tortura, colocando sacos plásticos na cabeça dos amigos” disse ele.

Padilha disse que a reação olho-por-olho para muitos brasileiros o surpreendeu. Ele disse que fez o filme para denunciar a violencia e a tortura. Wagner Moura, o ator, disse quês eu pensamento era “ Impossível que pessoas na Finlândia ou Suécia vejam estes policias como heróis, policia eu tortura e mata”, enquanto muitos brasileiros claramente respeitam o capto Nascimento.

Pimentel, que renunciou à BOPE em 1998 depois de 6 anos, disse que o filme chega num momento de muita violência para os cariocas. Um caso particularmente chocante foi a morte em fevereiro de João Helio, de 6 anos, que foi arrastado por mais de quatro milhas por um cinto de segurança após 2 adolescentes roubarem o carro de sua família.

Sr. Pimentel disse que ele se desiludiu com o BOPE após a operação do Papa. “A policia tem esquecido sua principal missão,” ele disse. “Nós não estamos lá para servir e proteger. Nós estamos apenas lutando uma guerra pessoal contra os traficantes.”

Fonte: New York Times
Tradução livre: Raphael Dias

Sintam-se à vontade para se expressarem e discutirem a repercussão que este filme está gerando no Brasil e, agora em dinte, no exterior, na parte de comentários desse post.

Exposição de Fotos de Marilyn Monroe

2007-10-13T16:39:00.000-07:00

A exposição foi aberta no Museu de Arte Moderna no Rio de Janeiro dia 11 de Outubro

Dolores Orosco Do G1

Depois de ser barrada na alfândega do aeroporto de Cumbica, em São Paulo, a nudez platinada de Marilyn Monroe poderá, enfim, ser apreciada pelos brasileiros. A inauguração da exposição “Marilyn Monroe – o mito”, que reúne 62 fotos da diva hollywoodiana, acontece nesta quinta-feira (11) no Museu de Arte Moderna do Rio só para convidados. [ no dia 12 foi aberta ao público em geral ]

As imagens que revelam a nudez de Marilyn Monroe, considerada até hoje um dos maiores símbolos sexuais do cinema, foram clicadas seis semanas antes de sua morte prematura, aos 36 anos, em 1962, pelo fotoógrafo americano Bert Stern.

O acervo de Stern conta com mais de dois mil negativos feitos em sessão que durou três dias e três noites.

As imagens, clicadas na suíte do luxuoso hotel Bel Air, em Los Angeles, mostram a atriz coberta apenas com lenços de seda transparentes. Para a exposição do MAM carioca foram selecionadas 62 fotos.

Além de ser o derradeiro ensaio fotográfico da diva, as imagens são de grande valor por revelar detalhes desconhecidos de Marilyn. Um deles é uma grande cicatriz no lado direito do abdome, resultado de um cirurgia na vesícula.

As fotos sugerem que durante as sessões foram consumidas incontáveis taças de vinho Château Lafite-Rothschild. A última foto do ensaio traz Marilyn adormecida cercada por várias garrafas vazias.

Entre cliques e devaneios etílicos na suíte do Bel Air, chegou até a “rolar um clima” entre fotógrafo e modelo.

“Houve um momento em que pensei em ficar na cama, em tirar minha roupa. Mas levantei”, contou Stern em entrevista recente. “Marilyn estava exausta, me chamou, e eu hesitei”.

O curador da mostra brasileira, Geraldo José Jordão, esteve com o fotógrafo, hoje com 78 anos, em Paris, e fez a pergunta que logo vem a cabeça de quem vê as fotos. “Perguntei se ele e Marilyn tiveram uma noite de amor e Stern disse que sofreu uma crise de timidez. Ele se diz arrependido disso até hoje”, conta Jordão.

Stern era esperado para a abertura da exposição no Rio, mas devido a um problema de saúde e cancelou a vinda. "Foi uma cirurgia no joelho, nada grave", conta o curador.

A montagem da exposição aconteceu durante a noite no MAM. Do Rio a mostra seguirá para São Paulo, onde ficará em cartaz de 25 de janeiro a 25 de março de 2008, na Galeria Estação São Paulo.

Primeira coelhinha

Antes do ensaio com Stern, a Marilyn só havia posado nua para um calendário quando ainda não era uma estrela. As fotos, que mostram a diva desnuda sobre um pano de veludo vermelho, foram publicadas na primeira edição da revista "Playboy" americana, no início dos anos 50.

Norma Jean Mortenson, o verdadeiro nome de Marilyn Monroe, nasceu em 1926, em Los Angeles, nos Estados Unidos. Tornou-se um dos maiores ícones de Hollywood ao estrelar filmes como “Quanto mais quente melhor”, “O pecado mora ao lado” e “Os homens preferem as loiras”.

A atriz morreu enquanto dormia em sua casa em Brentwood, na Califórnia. A versão oficial de sua morte, que gerou diversas especulações, afirma que Marilyn havia ingerido grande quantidade de tranqüilizantes.

Museu de Arte Moderna do Rio Onde: av. Infante Dom Henrique, 85,

Parque do Flamengo

Preço: R$ 5

Quando: de ter. a sex., das 12h às 18h. Sáb. e dom, das 12h às 19h.

Informações: (21) 2240-4944

Mais: g1

_____________________________________________________________

Bem, uma linda exposição dessa mulher que arrazou corações em todo o mundo na década de 50. Conquistou o presidente do Estados Unidos John Kennedy, logo depois de seu divórcio com o dramarturgo Arthur Miller em 20 de Janeiro de 1961, data da posse do J. Kennedy, escolhida pra não se manter a separação nas manchetes. Mas não adiantou. Marilyn já mantinha casos amorosos com o presidente bem antes de ele entrar na Casa Branca.

Que atrevida, hein?! Hahahaha...

Essa exposição das fotos está no Rio, cidade onde o nosso colaborador de blog, Raphael Dias, mora. Bem que ele poderia ir até lá e tirar umas fotos, né Dias?

Enfim, In Rainbows

2007-10-10T18:42:00.000-07:00

Estréio minha participação no Cinemmus com nada menos do que a resenha do disco novo de uma das minhas bandas preferidas. E quando falo em bandas preferidas, o Radiohead faz parte do meu time "a melhor banda do mundo", ou seja, o meu top 5.
É preciso que o leitor leve em consideração, portanto, o fator supracitado além do fato que ouvi o disco por 3 vezes antes da realização da resenha. Este fator é interessante pois fica como relato de primeira impressão dum disco novo, algo que pode mudar com o tempo, e caso o aconteça, escreverei novamente com impressões diversas.
Pois então, chega de enrolação! Segue a resenha:

Depois de 4 anos do lançamento do fantástico (como se tal adjetivo fosse atribuído a apenas uma das obras da banda, mas enfim...) Hail to the Thief, o Radiohead lança, em 10 de outubro de 2007, mais uma pérola, In Rainbows. Não cabe aqui analisar todo o frissom em torno do lançamento (e da forma como foi lançado), fato já analisado no post anterior pelo colega Raphael, mas sim, a música em si.
Como um todo, não dá para dizer ainda se o álbum tem um conceito temático definido, como o que acontece em Ok Computer (1997), por exemplo. Parte dessa indefinição vem do fato de que não há a disponibilidade das letras das músicas de maneira oficial. Na internet circulam versões, porém ouvindo atentamente, houveram mudanças.
No entanto, musicalmente, o download (iria usar a palavra "CD", ou a palavra "bolacha", mas, nesse caso, não foi possível!) soa conciso, fechado, coeso, o que, historicamente, é uma das qualidades da banda de Oxford. Nenhuma música é solta ou filler em seus projetos. Tudo tem seu lugar previamente calculado, específico.
Quanto à sonoridade, o disco segue o padrão de Hail to the Thief. As nuances eletrônicas se encontram em perfeita harmonia com os instrumentos convencionais. Porém, não há, aqui, nenhuma 2 + 2 = 5, onde as guitarras tomam a liderança. Não há nenhum momento onde se tenha a lembrança das eras do Pablo Honey (1993), ou The Bends (1995). Não há também, nenhuma experimentação mais aguda da banda. Quem já é familiarizado com o "mundo Radiohead", não terá grandes surpresas, o que para uns é bom, e para outros pode ser um pouco desapontador.
O disco tem uma atmosfera sóbria, por vezes sombria, com raríssimas exceções. Além disso, é interessante notar que nesse disco, mais do que nos anteriores, a banda cria diferentes climas, "etapas" dentro de uma mesma canção. Lembro de uma entrevista do Thom Yorke para um canal francês na turnê do Hail, onde ele dizia que a música Happiness Is a Warm Gun, dos Beatles (White Album, 1968), é uma grande inspiração para ele, pois em seus 2:43 de duração, soa como se tivesse 5 minutos, e como se fosse várias músicas diferentes. Pois bem, se era essa a intenção da banda, eles conseguiram, já que a faixa mais comprida de In Rainbows tem pouco de mais de 5 minutos de duração.
Abaixo, uma breve descrição faixa-a-faixa do álbum:

Faixa 1. 15 Step. O disco abre com batidas eletrônicas acompanhadas somente pelo tradicional vocal de Thom Yorke. E isso se mantém por praticamente 45 segundos! A primeira impressão é de que a música não terá nenhum tipo de harmonia. Porém, no tempo citado acima, entram bateria orgânica, guitarra e baixo. Aliás, por falar em baixo, sr. Colin Greenwood trabalhou muito bem. Suas linhas estão competentes como sempre, porém mais seguras e, por que não dizer, mais criativas. Ponto pra ele. Voltando à música, a banda trabalha com uma linha de guitarra que me lembra um pouco bossa nova, até 1:38, onde um clima mais denso toma conta rapidamente da música, para voltar apenas aos 2:23. A partir daí, os sintetizadores aparecem em primeiro plano, junto com uma linha de baixo matadora, e a(s) bateria(s) densas, formando uma típica música do Radiohead. Com certeza, se me dissessem que 15 Step fosse parte do Amnesiac (2001), eu acreditaria.

Faixa 2. Bodysnatchers. Com certeza, a faixa mais "animadinha" do disco. A bateria comandada pelo "loop humano" Phil Selway mantém-se constante durante toda a música, honrando seu título. As guitarras aparecem mais aqui, com solos e efeitos permeando as camadas sonoras. O som, apesar de feito basicamente pelos instrumentos "convencionais" (baixo, guitarra, bateria orgânica, vocal, teclado), soa meio granulado, meio mecânico, seguindo o padrão do resto do disco. Apesar disso, ao fim da faixa, Thom Yorke chega a levantar sua entonação e leva a um fim bastante interessante, onde a música meio que acaba de repente.

Faixa 3. Nude. Uma belíssima balada. O trabalho de guitarra na música é impecável, recomendo ouvi-la com fones de ouvido e prestando atenção no trabalho dos homens das 6 cordas. A música começa com uma leve orquestração, algo que pode lembrar Motion Picture Soundtrack. Logo em seguida, Colin Greenwood carrega a música numa ótima linha de baixo, que serve de corpo para o vocal de Mr Yorke. As guitarras aparecem, e a música segue até ao fim em seu lento andamento, com as orquestrações indo e vindo. Mais uma vez, a bateria mantém-se praticamente constante do início ao fim, com exceção do trecho começado em 03:08, onde pode-se ouvir total silêncio até 03:11, quando a canção volta, para seu fim, com as tradicionais vocalizações de Thom.

Faixa 4. Weird Fishes/Arpeggi. A cozinha trabalhando impecavelmente, mais uma vez. Bateria começando, novamente com uma linha permanente, baixo entrando em seguida, junto de um dedilhado de extremo bom gosto sendo tocado pelas guitarras. A música é, com certeza, um dos pontos altos do disco. Merece destaque a interpretação dos vocais, tanto o principal, quanto os vocais de apoio, provavelmente feitos por Ed O'Brien. O sentimento da música é passado por eles.

Faixa 5. All I Need. A típica música dos ingleses que começa "pequena" para crescer no fim. os instrumentos vão entrando aos poucos, para, aos 02:56, com a bateria sendo tocada na mais pura vontade, junto com um piano incisivo, e vocal destacado, compondo um final interessante.

Faixa 6. Faust Arp. Praticamente uma música voz & violão, porém recheada por sons sintetizados. Uma faixa curta, funciona meio que como uma vinhetinha.

Faixa 7. Reckoner. Começa com a meia-lua em destaque, o que dá a falsa impressão de que o que virá é uma faixa rock. As guitarras entram lentamente, e logo veremos que se trata de mais uma canção calma dos ingleses. A meia-lua segue, os vocais arrastados se dão até 02:23, quando a música enterra-se somente em piano e vocal praticamente chorado, tornando-se belíssima, com a inclusão de orquestrações. Em 03:18, o ritmo inicial retorna, para assim manter-se até o fim.

Faixa 8. House of Cards. A mais longa do disco. Curiosamente, mantém-se sempre no mesmo andamento, no mesmo clima. As guitarras novamente me lembram um pouco da bossa nova, junto com a bateria levada "no aro" pelo Mr Phil. Assim como em Faust Arp, a base da música existe, e sons adicionais, guitarras e sintetizadores, vão se sobrepondo em diferentes oportunidades. Uma ótima faixa.

Faixa 9. Jigsaw Falling into Place. A outra música com uma levada um pouco mais acelerada do disco. Conduzida em sua base por violão e baixo, contém alguns sons de guitarra que lembram a velha forma de Jonny Greenwood. Ou seja, a "guitarra que apita" aparece aqui por vezes. A música tem uma sonoridade bastante interessante, com algumas notas dissonantes.

Faixa 10. Videotape. O desfecho de In Rainbows não poderia ser melhor. Completamente carregada em piano e voz, e com trabalho percussivo interessantíssimo, Videotape é uma das melhores do disco. A impressão é a de que a banda gravou um som de percussão orgânico e depois editou de maneira eletrônica, o que dá um efeito de bastante estranheza. Muita qualidade para o fim do disco.

Enfim, ao fim da "versão virtual" de In Rainbows, já conto os dias para dezembro, onde teremos mais obras de arte de uma banda que simplesmente carece de adjetivos. Radiohead.

A revolução Radiohead

2007-10-10T06:08:00.000-07:00

Grupo inglês deixa que fã decida quanto vai pagar por download da música. Músicas do sétimo álbum já vinham aparecendo em versões ao vivo.

Fonte: G1

Download do cd: http://www.sendspace.com/file/5clqwi

Uma nova etapa no negócio da música pode ter início nesta quarta-feira (10): é o dia em que o Radiohead, nome de peso do pop, com milhões de cópias vendidas na carreira e ainda relevante para outros tantos milhões de pessoas, começa a disponibilizar seu trabalho pela internet ao preço que o fã ou qualquer interessado decidir. A quem se mostra descrente, o site oficial do Radiohead insiste: "Não, de verdade, [o preço] cabe a você".

O anúncio de "In rainbows", sétimo álbum da carreira do grupo da cidade inglesa de Oxford, foi recebido com espanto pela forma de levar a música ao ouvinte. Agora, ao abrir mão da estrutura de uma gravadora (ao menos nessa primeira e mais importante fase de lançamento), a idéia da banda já tem cara de revolução.

O site do quinteto liderado por Thom Yorke aumentou em 11 vezes o número de visitas e já é o mais visitado entre os dedicados à música no Reino Unido (antes estava na pouco sensacional 43ª posição), de acordo com medição do HitWise. O Google, por sua vez, diz que sua ferramenta de buscas registrou dez vezes mais interesse no nome "Radiohead" nos últimos dias. Oasis, Jamiroquai e Nine Inch Nails, nomes em patamares de popularidade próximos aos do Radiohead, já se inclinam a um modelo de comercialização parecido.

Além de apostar no esquema "quer pagar quanto?", a banda vai vender um box com o disco no formato físico, um vinil duplo e um CD multimídia com sete faixas extras, letras, imagens e outrs itens. O pacote terá o preço de 40 libras (cerca de US$ 80 dólares) e só será entregue próximo do dia 3 de dezembro. O CD normal só seria lançado em 2008 e aí sim entraria uma grande gravadora para distribuição e afins.

No todo, dizem especialistas no negócio da música, há uma radicalização para os dois lados: o reconhecimento de que o valor da venda tradicional de um trabalho perdeu muito nos últimos seis anos (a explosão das redes de trocas de arquivo se deu em 2001) e o lado da aproximação maior com os fãs, que estão dispostos a pagar uma quantia superior por versões "deluxe" dos discos.

O próprio caminho

Nome da era pré-download (o Radiohead lançou o primeiro disco em 1992), o grupo já havia resumido qual era a sensação de tomar o seu próprio caminho sem o poderoso auxílio de uma das grandes companhias do mercado musical (eles não renovaram o contrato com a Parlophone/EMI expirado em 2003): "É libertador e aterrorizante ao mesmo tempo", escreveu o grupo em um comunicado.

O G1 procurou Gilberto Gil, Pitty, Ivete Sangalo, Caetano Veloso, Zeca Pagodinho - artistas com nome estabelecido no mercado nacional, assim como o Radiohead no exterior - que alegaram problemas de agenda ou desconhecimento do assunto para comentar a iniciativa do grupo inglês e um possível paralelo desse modelo no Brasil.
Mesmo com os temores naturais de um artista que tem algo a perder, o Radiohead segue uma trilha arriscada que tem paralelo com os seus discos. O quinteto começou com um grande sucesso no primeiro disco, a partir da popularidade da música "Creep". Ainda no vácuo do sucesso do Nirvana, a faixa foi vendida como uma outra novidade quente do chamado "rock alternativo". Os críticos não perdoaram, e o Radiohead foi malhado por muitos.

Mudanças

A partir de "The Bends" (1995), as coisas começam a mudar. Público e imprensa se unem nos elogios a músicas como "Fake plastic trees". "Ok Computer" (1997) inscreve o Radiohead na galeria dos grandes discos da história, a julgar pelas freqüentes listas de "melhores de todos os tempos no rock", e vende mais de 4 milhões de discos no mundo inteiro.

"Kid A" (2000) e Amnesiac" (2001) tomaram caminhos mais experimentais. Como resultado, fãs e críticos tiveram, em geral, opiniões que variavam do entusiasmo pelo risco que a banda estava correndo a de que o Radiohead estava se afastando do fã comum de rock para embarcar em um cabecismo para poucos. "Hail to the thief" (2003) não teve muitas mudanças em relação aos dois anteriores.

"In rainbows" já tem várias de suas músicas conhecidas pelos fãs. O quinteto de Oxford apresentou quase todas as canções novas ao vivo, e versões de ótima qualidade estão largamente disponíveis na internet. Mas, claro, sempre é possível esperar uma ou outra surpresa. Sabendo que a banda segue uma trilha própria, que dificilmente se curva às demandas de fora, faz mais sentido a proposta atual da banda: cabe somente a você aceitar ou não entrar no universo do Radiohead.

===================================================================

Meus vinte centavos nessa estória....

É, parece que a cada 10 anos o Radiohead decide fazer uma grande mudança no cenário mundial. O "primeiro sete" da banda foi quando, em 1997, lançou o album Ok computer que é considerado pela maioria o album mais importante da década de 90, tanto pela sua inovação em riffs e melodia quanto pela qualidade das músicas e pela fluências das mesmas por todo o disco, ou seja, importante não só pela inovação mas também, e principalmente, pela incrível qualidade. Agora, em 2007, 10 anos depois, o Radiohead faz seu "segundo sete" quebrando completamente toda a estrutura fonográfica vigente nos dias de hoje "pirateando" o próprio cd, uma atitude indubitávelmente visionária que decide remar finalmente a favor da maré (e não contra, como a maioria das bandas) e aceitando finalmente a nova era em que vivemos onde um pré adolescente de 12 anos tem 300 músicas no ipod sem gastar um centavo. Eu acho que já estava na hora de algo do tipo acontecer, eu, por exemplo, não teria comprado nenhum dos cds originais que tenho se antes não tivesse baixado a mp3 na internet. É preciso conhecer pra gostar e isso parece óbvio. Hoje você tem oportunidade de conhecer um banda do sul da holanda ou do norte da irlanda que ainda vai lançar o primeiro disco e, se você gostar mesmo da banda, comprará o cd nem que seja juntando dinheiro e importando. Por algum motivo obscuro os críticos da tão famosa "pirataria" se recusam a enxergar que se as pessoas não conhecerem então elas jamais comprarão cds e muito menos irão a shows, já está na hora de a industria tomar as rédias dessa bagunça que é o mundo virtual e encontrar um meio termo. E aí vem a idéia genial do Radiohead que acerta três coelhos numa só: Cuida dos não-fãs permetindo-os a baixar o cd sem compromisso, de graça no próprio site deles e conhecer o novo trabalho da banda, cuida dos "menos" fãs que podem baixar o disco e mesmo assim contribuirem com um pouco nesse download com 1 euro, 2 , 5 ou quanto quiserem (e, vamos combinar, se as bandas ganhassem míseros 1 dolar por cd baixado estariam muito mais ricas) e ainda cuida dos super-fãs disponibilizando uma obra artística no formato de Box com disco de vinil duplo, o novo cd, mais 7 faixas bônus e ainda um trabalho gráfico com as fotos da banda e as letras das músicas. Revolução. Coisa de gênios.

Download do cd: http://www.sendspace.com/file/5clqwi

A Última Legião

2007-10-09T13:40:00.000-07:00

The Last Legion fitou nos meus olhos assim que vi o tal cartaz no CineMark. Esse é o começo da lenda do rei Artur – que eu amo! Assisti o filme e não me surpreendi muito.

O filme conta a história de Romulus Augustus, interpretado pelo ator infantil Thomas Sangster de “Simplesmente Amor”, “Tristão & Isolda”. Romulus com seus 12 anos de idade chega ao dia de sua coroação como novo imperador de Roma. É o dia em que o bárbaro Odoacer (Peter Mullan) vai até a cidade para fazer um acordo de apoio ao novo império e exige uma recompensa ao pai de Romulus, Orestes. Mas o pai rejeita o tal acordo e com receio de um possível ataque do bárbaro Odoacer, Orestes convoca Aurelius (Colin Firth, que também trabalhou em “Simplesmente Amor”, “O diário de Bridget Jones”, “Shakespeare Apaixonado”) da Quarta Legião para proteger seu filho.

Na mesma noite da coroação, Odoacer invade a cidade matando Orestes, a mãe de Romulus, e vários guerreiros. É ai que seqüestra o novo César e Ambrosinus (Ben Kingsley – “A lista de Schindler”, “A.I. - Inteligência Artificial(narrador)”). Eles são levados para a ilha de Capri ( uma ilha italiana que fica na baía de Nápoles).

Aurelius, seu exército e Mira (Aishwarya Raí), uma “aguerrida” do império bizantino, vão até a ilha de Capri salvar Romulus e Abrosinus. Lá, Ambrosinus encontra a espada mitológica de Júlia César, a lendária EXCALIBUR. Isso. Aquela que é mais forte que todas as outras espadas!

Libertando-os, eles fogem para a Grã-Bretanha, onde ajudam a defender aquelas terras na muralha de Adriano. Nesssa parte, resta A Última Legião. Sofrem mais um ataque do exército de Odoacer, conseguindo a vitória.

É. Parece que eu contei o final. Mas não. (risos) Alguém leu eu falando do rei Artur?

Olha... Quer saber? Assista-o em casa mesmo. Eu fui pro cinema porque adoro ver filmes épicos naquela telona, mesmo tendo sido de 110 minutos, eu gosto. Com cavaleiros, espadas cruzando umas nas outras, falando da Grã-Bretanha... Úi! É bom demais! O filme poderia ter sido muito melhor se seu tempo fosse aproximadamente 2h30min. Contaria com mais detalhes essa história, que na minha opinião, é fantástica.

Trailer: aqui

- As filmagens ocorreram entre 5 de agosto e 11 de novembro de 2005. O orçamento de foi de US$ 67 milhões.

Direção: Doug Lefler

Roteiro: Jez Butterworth e Tom Butterworth.

New York Times - Bob Dylan

2007-10-07T19:11:00.001-07:00

Quando montamos este blog, uma das coisas que achamos que seria legal fazer, é traduzir coisas que merecem ser trazidas para a nossa lingua para que mais pessoas desfrutem do seu conteúdo. Bom, acho que eu vou começar com essa empreitada traduzindo um artigo de 8 paginas sobre o novo filme que conta a história de Bob Dylan, "I´m not there" , do jornal mundialmente reconhecido, The new york Times. Obviamente, dividirei o artigo em algumas partes para não ser cansativo nem pra eu traduzir e nem pra vocês lerem. Aguardem em breve.

Eddie Vedder abrindo o chão

2007-10-07T15:40:00.000-07:00

Só como curiosidade, esse videozinho de 1 minuto foi gravado durante um show do Pearl jam no Boston Garden em 1994 e parece que ele descreve bem pq o Mike Mccready (guitarrista da banda) disse uma vez sobre o Eddie Vedder "antigamente eu tinha um certo medo dele...pensava: ' é melhor deixar esse cara no canto dele e eu aqui no meu ' " . Na minha opnião, uma das ultimas bandas de rock de verdade a surgir, rock com força, com ideologia e com vontade. E se existe uma banda que botava qualquer estadio a baixo é o Pearl Jam de 94-95. Uma das únicas bandas que conseguiu fazer o tremer literalmente a estrutura do Madson square garden a ponto dos orgnizadores do Madson pararem o show por alguns minutos (juntamente com Brunce Springsteen e Iron Maiden). Bom, divirtam-se com o vídeo, basta clicar aqui!

C i n e m m u s

Smashing Pumpkins - Siamese Dreams

Um dia de fúria

Grupo de MSN Charles Chaplin Brasil

Bloc Party no VMB - "Quem sabe faz ao vivo"...

Phychic Possessor - Cubatão

Bloc Party - Intimacy

Pearl Jam - State of Love and Trust

4º Temporada de LOST

Realismo e Romantismo na Literatura Portuguesa de Eça de Queirós e Camilo Castelo Branco

O olhar de Kubrick sobre a evolução humana - Parte I

O BOPE tem guerreiros que acreditam no Brasil? Relatos sobre a violencia urabana em Tropa de Elite

O olhar de Kubrick sobre a guerra

Claude Monet: meramente um olho, mas que olho!

Pushing Daisies

Bobby Fischer vai à guerra: A genialidade e loucura de um dos grandes gênios do século passado

Maratona de cinema no RJ

Humanismo e o discurso de o Grande Ditador

Vinícius de Moraes: O Poeta que celebra o Amor e a Mulher.

C H A P L I N I A N A

Sweeney Todd: O barbeiro demoníaco da rua fleet

Fergie e a consciencia social

Nacho Libre

GREVE DOS ROTEIRISTAS: EPISÓDIOS INÉDITOS DAS SÉRIES ESTÃO CHEGANDO AO FIM

Radiohead pára com o download

Turn My Way - E o imediatismo da vida moderna

Trabalho dos roteiristas de Hollywood é muito mais que escrever histórias

Coppola toma partido de roteiristas e critica grandes estúdios

Imprensa americana começa a especular sobre indicados aos Oscar

Primeiro trailler de Righteous Kill

Exposição de arte expressionista no RJ

Johnny and June

Ensaio sobre....Cinema!

O amor segundo Babenco

“Quem são os fascistas do cinema?” por Bráulio Mantovani

Breve análise sobre "O ano em que meus pais sairam de férias"

Aquecimento para o Chris Cornell

Novidades oficiais sobre "Anjos e Demônios"

Novidades sobre Batman - Dark knight

A voz do Soundgarden, Audioslave e Temple of the Dog em turnê solo no Brasil.

Jogos Mortais IV

Empresa de 'Tropa de Elite' investe até R$ 7 mi em 2º longa

Associação de roteiristas brasileiros lança seu site

Documentário investiga estrela-mirim dos quadros

'Pintora aos 4 anos' narra ascensão e queda da pequena Marla Olmstead.Filme tem sessões nesta e na próxima terça (23 e 30) na Mostra.

The Police abre camarim para repórter na França

Sting, Andy Summers e Stewart Copeland falaram ao "Fantástico" sobre show no Brasil.Trio, que volta depois de 25 anos, toca no dia 8 de dezembro no Maracanã.

Coppola busca a juventude em seu primeiro filme em 10 anos

Ao lado da família, Coppola apresenta filme em Roma

DiCaprio apresenta documentário sobre crise ambiental

Ator produz e narra 'A última hora', exibido na Mostra de Cinema.Filme serve como alerta, mas tem mensagem positiva.

Cinemmus

J.K. Rowling revela que Dumbledore é gay

Coppola nega ter criticado De Niro, Pacino e Nicholson

Jack White e Eddie Vedder juntos em filme

Rapidinhas [Cinema]

'Control' é filme de amor com boa música, diz diretor

Francis Ford Coppola ataca estrelas da trilogia do Poderoso Chefão

Led Zeppelin - O possível retorno da lenda

Led Zeppelin pode gravar novo material, diz Jimmy Page

"Ficaria surpreso se isso não acontecesse", declarou o guitarrista.Remanescentes do grupo tem show marcado para o dia 26 de novembro.

Entrevista com Brian de Palma

"Tropa de elite" segundo o New York Times

Exposição de Fotos de Marilyn Monroe

Enfim, In Rainbows

A revolução Radiohead

A Última Legião

New York Times - Bob Dylan

Eddie Vedder abrindo o chão

'Pintora aos 4 anos' narra ascensão e queda da pequena Marla Olmstead.
Filme tem sessões nesta e na próxima terça (23 e 30) na Mostra.

Sting, Andy Summers e Stewart Copeland falaram ao "Fantástico" sobre show no Brasil.
Trio, que volta depois de 25 anos, toca no dia 8 de dezembro no Maracanã.

Ator produz e narra 'A última hora', exibido na Mostra de Cinema.
Filme serve como alerta, mas tem mensagem positiva.

"Ficaria surpreso se isso não acontecesse", declarou o guitarrista.
Remanescentes do grupo tem show marcado para o dia 26 de novembro.